^{Compilation de Tami Notsani aux Editions [KA].}

^{Compilation de Tami Notsani aux Editions [KA].}

« En créant un lien entre le regardeur et sa famille, très élargie, en mettant la participation au coeur de son processus, elle engendre peu à peu une sorte de « cousinage spirituel ». Et chacune de ses oeuvres devient l’outil de mesure de notre relation au monde. » Emmanuelle Lequeux

Les éditions [KA]art présentent Compilation, première monographie consacrée à l’artiste Tami Notsani. Cet ouvrage d’exception retrace trente années de création et réunit 264 reproductions, avec le soutien de l’ADAGP et en partenariat avec la Galerie Fernand Léger (Ivry-sur-Seine).

Pensé comme un livre-objet, Compilation rassemble neuf livrets autonomes -réunis dans un étui -, chacun dédié à une série ou une thématique. Un système de rabats invite à une circulation libre entre images et textes, offrant une lecture sensible, modulable et immersive. La mise en page minimaliste renforce la présence des oeuvres et préserve leur autonomie. L’ouvrage bénéficie des contributions de dix auteur·es — Malika Baaziz, Mehdi Brit, Roland Chalrémat, Galit Eilat, Muriel Enjalran, Emmanuelle Lequeux, Natacha Nataf, Zef Paci, Michel Poivert et Bérénice Saliou — qui proposent une lecture plurielle de l’oeuvre de cette figure humaniste de la photographie contemporaine.

Compilation reflète pleinement la démarche de Tami Notsani, dont le travail se déploie entre photographie, vidéo, installation et performances participatives. Ses séries au long cours interrogent l’identité, l’intime, la mémoire, les récits de vie et les rites de passage. Entre spontanéité et mise en scène, portraits et paysages y sont appréhendés avec la même intensité de regard, dans une relation empreinte d’empathie et de proximité avec ses sujets. Compilation offre ainsi un panorama inédit et sensible de son oeuvre.

Ouvrage monographique bilingue (français, anglais), 252 pages réparties dans une collection de 9 livrets (3 livrets de 32 pages intérieures, 3 de 24 pages intérieures et 3 de 16 pages intérieures). Format : L_18,6 x H_25,80 cm. Mise en vente : décembre 2025

^{Tami Notsani, Sans Titre (chaises, Kinneret), série Comme beaucoup de choses dans ce pays, 2015 – 3893-05 / 01 GE. © Tami Notsani. © Adagp, Paris, 2025.}

^{Tami Notsani, Sans Titre (dé, frontière jordanienne), série Comme beaucoup de choses dans ce pays, 2017 – Frontiere_Jordanie / 20. © Tami Notsani. © Adagp, Paris, 2025.}

Actualités de l’artiste

Catalogue de l’exposition Affaires personnelles, en partenariat avec l’ECPAD, galerie Fernand Léger, Ivry-sur-Seine, direction artistique: Hedi Saidi, texte d’Estelle Pietrzyk

https://fernandleger.ivry94.fr/index.php?id=16667


« Aire de Famille » exposition et lectures avec Véronique Bourlon, Gabrielle Franck, Laurent Mareschal et Tami Notsani, dans le cadre des Nuits de la lecture – Vernissage le vendredi 23 janvier – 18h à 21h, samedi 24 de 14h-19h avec une lecture à 18h – Atelier 004 – 157 rue de Crimée 75019 Paris

https://www.nuitsdelalecture.fr/programme/aire-de-famille

Faux et Faussaires au musée des Archives nationales jusqu’au 2 février 2026
L’œuvre de l’artiste Truchement est exposée à la salle Empire. – Musée des Archives nationales, 60 rue des Francs Bourgeois, 75003 Paris

https://www.archives-nationales.culture.gouv.fr/evenements/faux-et-faussaires-du-moyen-age-nos-jours

Exposition en duo avec Laurent Mareschal – Au_Passage, Paris 2e, direction artistique : Dani Issler,
Vernissage 5 février 2026

https://www.instagram.com/au__passage/

^{Tami Notsani, Sans Titre (Bèze), série Périmètre, 2015 – 0490-05 / 05. © Tami Notsani. © Adagp, Paris, 2025.}

^{Tami Notsani, Sans Titre (canapé), série Safta (grand-mère) 2002 – Sapa Ketem Or-2 / 04 SA. © Tami Notsani. © Adagp, Paris, 2025.}

Quatrième ouvrage de l’artiste après son travail remarqué sur la justice. Ce livre d’art permet d’approfondir la démarche de l’artiste à travers près de 56 images inédites, un entretien avec l’écrivain Abel Quentin et une préface de Damarice Amao, attachée de conservation au Cabinet de la photographie du Centre Pompidou.

 

« Il n’y a rien de plus naturel que de constater qu’un monde existe aux abords du nôtre, puis qu’un autre nous entoure, et encore un autre. L’espace, le destin, la volonté nous placent toujours dans un de ces cercles concentriques. Le rapport du centre à la périphérie est un terrain très visité par à peu près toutes les formes de pensées : de l’utopie pavillonnaire, à l’esthétique des grands ensembles, en passant par la gentrification gangrénant le territoire, ou la métaphore de l’exclusion. Il peut alors être intéressant de mettre un peu de désordre dans un sujet trop souvent cloisonné autour du discours topographique, urbaniste ou sociologique.

Periferia est un road movie centrifuge ou l’on ne fait que tourner, revenir sur ces pas, une visite esthétique faite de portraits, de rencontres, de solitudes, de perdition. Un tel projet, n’est pas total. Il voit le jour en se sachant lacunaire, incomplet, n’épuisant pas tous les ressorts, n’exploitant pas tous les interstices. Periferia n’est qu’un pointillé; dans une vaste courbe – commencée il y a si longtemps et dont personne ne distingue la fin – celle de la réflexion inépuisable sur un territoire et les hommes et femmes qui l’occupent. »

Thomas Klotz

^{Couverture Periferia de Thomas Klotz aux éditions Maison CF. © Thomas Klotz © Maison CF, courtesy Galerie Clémentine de la Féronnière.}

^{Thomas Klotz, Quai Henri-Pourchassé, Ivry, France 2024. C-Print, 50 x 60 cm, Ed. 2/5. © Thomas Klotz avec courtesy Galerie Clémentine de la Féronnière.}

^{Thomas Klotz, Harmony Lane, Carrollton, Texas, États-Unis, 2023. Tirage pigmentaire, 50 x 60 cm, Ed. 1/5. © Thomas Klotz avec courtesy Galerie Clémentine de la Féronnière.}

Actualité : exposition Periferia à la Galerie Clémentine de la Féronnière du 4 septembre au 18 octobre 2025 (prolongée jusqu’au 31 octobre)
https://galerieclementinedelaferonniere.fr/

La galerie Clémentine de la Féronnière a le plaisir de présenter Periferia, une exposition dédiée au travail du photographe Thomas Klotz. À travers seize oeuvres exposées, l’artiste explore les zones liminaires des villes, ces périphéries souvent invisibles où se jouent pourtant des récits essentiels de notre époque. Avec une approche à la fois poétique et rigoureuse, Thomas Klotz capte l’âme de ces territoires – de l’Île-de-France à l’Argentine, en passant par la Pologne et les banlieues américaines. Ses portraits, réalisés à la chambre photographique, révèlent une humanité pudique et forte, tandis que ses paysages urbains, aux couleurs sourdes et aux lumières tamisées, interrogent notre rapport à l’espace et à la modernité. Periferia n’est pas un documentaire, mais une invitation à regarder autrement ces lieux intermédiaires, où se mêlent désirs d’évasion et ancrages intimes.

L’artiste
Thomas Klotz est né en 1977 à Seclin, dans le nord de la France. Il vit et travaille à Paris. Fasciné depuis toujours par les coloristes américains, il se fait remarquer en 2019 avec son premier livre, Northscape, consacré aux mutiques paysages périurbains du Nord. Il porte son attention sur le quotidien, le trivial, qui prennent sous son regard une épaisseur intrigante et singulière. Son second ouvrage, Ève, la montagne et la jeune fille, se lit comme un conte sur la fragilité, les angoisses de sa fille face à la difficulté de grandir. Cette série fait l’objet d’une exposition à la galerie Nathalie Obadia en février 2021, intitulée I’ll never be young again. Avocat de formation, c’est un autre pan de son univers qu’il aborde à partir de 2021 avec Justice, en explorant à travers l’acte photographique les différentes notions qui se cachent derrière le terme de « justice » : l’affaire judiciaire, la cérémonie, la réparation, la réclusion… Dans son dernier projet periferia, il questionne l’ordre des grandes cités et les contours du monde par une ponctuation de portraits et de paysages dans lesquels la représentation du réel est parfois malmenée. Un travail réalisé à la chambre grand format en couleur.


La galerie Clémentine de la Féronnière représente l’artiste depuis 2021.

^{Thomas Klotz, Résidence du Parc, Lésigny, France, 2024. C-Print, 50 x 60 cm, Ed. 4/5. © Thomas Klotz avec courtesy Galerie Clémentine de la Féronnière.}

^{Thomas Klotz, Targówek, Varsovie, Pologne 2024. Tirage pigmentaire, 50 x 60 cm, Ed. 1/5. © Thomas Klotz avec courtesy Galerie Clémentine de la Féronnière.}

Les artistes

Clara Chichin

Née en 1985, basée en Creuse, Clara Chichin est diplômée des Beaux-Arts de Paris et d’une Maîtrise en lettres, arts, pensée contemporaine. Elle développe une poétique photographique et introspective du quotidien et de l’errance. Ses travaux en cours explorent la relation de l’homme au vivant, des liens sensibles que l’on re-tisse avec la nature. Sa démarche s’inscrit dans une exploration de l’expérience sensible du paysage. Dans une dérive intime et paysagère, elle questionne le paysage et sa représentation avec une palette chromatique inventant un territoire imaginaire. Son travail a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles et collectives. En 2017 elle est finaliste du Prix Leica. Elle intervient en 2019 lors de la conversation filmée au Jeu de Paume Sally Mann, l’image élégiaque. En 2023 elle est finaliste du concours photographie du 38e Festival international de mode, de photographie et d’accessoire de la Villa Noailles – Hyères. Ses oeuvres figurent dans différentes collections publiques et privées. Clara Chichin particpe régulièrement au projet Collectif Temps Zero.

Sabatina Leccia

Sabatina Leccia étudie l’Histoire et l’Archéologie à Paris avant d’intégrer le Master Textile Future de la Central Saint Martins School à Londres dont elle sort diplômée en 2012. Entre 2012 et 2015, elle travaille pour la Haute Couture en tant que brodeuse. Depuis 2015, elle développe un travail artistique à mi-chemin entre la photographie, le dessin et la broderie qui invite à la contemplation. Son travail l’a mené à développer différents projets à la frontière entre l’art et l’artisanat avec de nombreuses structures et associations. (La Fabrique Nomade, l’Académie Française, association Art Exprim, la Source fondée par Gérard Garouste…). Depuis 2023 son travail personnel est représenté par la Galerie XII à Paris. En 2024 elle a été invitée par le service Culturel de Rennes II pour présenter sa série TRAVERSER LA NUIT. En 2024/2025 elle est sélectionnée pour la résidence Excellence des métiers d’arts en partenariat avec le musée de Nicéphore Niepce de Châlon sur Saône.

Tandem

Clara Chichin et Sabatina Leccia forment un duo d’artistes dans lequel l’entremêlement de leurs deux pratiques respectives – la photographie et le dessin – donne forme à des images hybrides dans lequel elles rendent compte de l’expérience d’un territoire éprouvé. Travaillant, au rythme lent du vivant, elles questionnent la relation au monde vivant. Elles ont débuté leur collaboration dans le cadre du projet Le Bruissement entre les murs, lauréat de la bourse Transverse 2022. Elles sont accueillies en résidence à la Capsule et exposeront leur travail dans différents lieux l’Ahah – Biennale de l’Image Tangible -, Unrepresented, Polyptyque). Elles poursuivent leur recherche actuelle autour du geste des jardinier comme co-création avec le végétal.

^{Couverture « Le bruissement entre les murs » par Clara Chichin & Sabatina Leccia par sun/sun éditions. © Clara Chichin © Sabatina Leccia © sun/sun éditions.}

^{Double page « Le bruissement entre les murs » par Clara Chichin & Sabatina Leccia par sun/sun éditions. © Clara Chichin © Sabatina Leccia © sun/sun éditions.}

^{Double page « Le bruissement entre les murs » par Clara Chichin & Sabatina Leccia par sun/sun éditions. © Clara Chichin © Sabatina Leccia © sun/sun éditions.}

^{Double page « Le bruissement entre les murs » par Clara Chichin & Sabatina Leccia par sun/sun éditions. © Clara Chichin © Sabatina Leccia © sun/sun éditions.}

^{Double page « Le bruissement entre les murs » par Clara Chichin & Sabatina Leccia par sun/sun éditions. © Clara Chichin © Sabatina Leccia © sun/sun éditions.}

Le Bruissement entre les murs invite le regardeur à promener son regard dans un jardin d’images hybrides où la photographie et le dessin à l’aiguille s’entremêlent.

Avec les Murs à pêches de Montreuil en toile de fond mais aussi comme moteur principal, Clara Chichin et Sabatina Leccia déambulent et opèrent des prélèvements dans le réel, creusent des galeries secrètes entre ce lieu hors du temps qui prête à la rêverie et son histoire qui témoigne des strates de temps : murs à pêches du roi Louis XIV, maraîchage, lieu populaire, gentrifié, pris en étau par l’étalement urbain.

La matérialité de leur collaboration permet d’incarner les strates de temps et de perception, entre les murs se trouvent des énergies impalpables. Les artistes livrent une cartographie sensorielle réorientant la compréhension de ce lieu. Travaillant au rythme lent du vivant, cette prise de temps sur le temps est une invitation poétique à se ressaisir du politique. Être engagé ne se résume pas à dénoncer mais ici, à se reconnecter au sensible, à proposer un ré-enchantement.

Ce projet a été lauréat de la Bourse Transverse dotée par lʼADAGP et Freelens. Clara Chichin a bénéficié dʼune bourse dʼaide à lʼécriture de la Région Nouvelle-Aquitaine. Le livre a reçu le soutien de la Région Occitanie.

Actualité : Le Bruissement entre les murs est aussi une exposition qui se tient à la Galerie XII jusqu’au 25 janvier 2025. www.galerie-photo-12.com

^{Double page « Le bruissement entre les murs » par Clara Chichin & Sabatina Leccia par sun/sun éditions. © Clara Chichin © Sabatina Leccia © sun/sun éditions.}

^{Double page « Le bruissement entre les murs » par Clara Chichin & Sabatina Leccia par sun/sun éditions. © Clara Chichin © Sabatina Leccia © sun/sun éditions.}

Last Paradise – Kourtney Roy (photographie) et Mathias Delplanque (musique)

Last Paradise est l’évocation en son et en image des dernières vacances d’un personnage féminin singulier dans un univers balnéaire déserté.

Le projet prend racine dans la région de Rimini (Italie), où le duo d’artistes se rend en février 2024, hors saison, pour travailler à la conception de leur oeuvre commune, Last Paradise, projet lauréat de la 6ème édition du Prix Swiss Life à 4 mains.

Parcourant les stations touristiques vidées de toute présence humaine, Kourtney Roy se met en scène et se photographie, détournant les espaces et les objets, qu’elle transforme en décors et accessoires de cinéma éphémères. En orbite sur sa propre planète, elle s’intéresse aux espaces liminaires, aux zones marginales de la célébrité et du plaisir humain.

Actrice sans public, en errance dans un univers de désolation encore empreint du bruit et de la frénésie humaine, elle investit les architectures abandonnées et dialogue avec les objets trouvés, en tentant de leur donner une nouvelle vie, de révéler leur étrange beauté.

Désireux de composer une musique qui dialogue avec les propositions visuelles de Kourtney Roy, sans jamais chercher à les illustrer, Mathias Delplanque se laisse également guider et inspirer par le contexte de la côte adriatique. Il se plonge dans l’univers des synthétiseurs vintage italiens, dont un grand nombre a été conçu dans la région de Rimini. Contactés par ses soins, les collectionneurs locaux lui ouvrent grand les portes de leurs studios. Les instruments sont typés, inattendus, rares. Le son est immédiatement chargé d’une intense émotion. L’intégralité des sons produits par le musicien pour ce projet, provient d’instruments enregistrés sur place, ou du moins d’instruments made in Rimini. A cela s’ajoute un travail de field recording réalisé pendant les séances photo de Kourtney.

S’inspirant à la fois des musiques de films giallo, des films de série Z, de la disco baléarique et de l’easy listening, l’artiste, pour Last Paradise, en compose une version vaporeuse et décalée. Comme un juke-box fonctionnant tout seul dans un club vide un dimanche matin.

Le livre d’artiste Last Paradise – sortie début juillet 2024

Le livre aux éditions Filigranes est accompagné d’un vinyle 45 tours avec deux des titres créés par Mathias Delplanque et ils sont déjà à l’écoute sur le site de l’éditeur :
https://www.filigranes.com/last-paradise-streaming/



Le parcours d’exposition 2024-2025 :

du 1er juillet au 29 septembre 2024 : L’Aire d’Arles – sortie du livre aux Éditions Filigranes

du 4 au 25 février 2025 : Jeu de Paume, Paris

du 16 juin au 14 septembre 2025 : Jeu de Paume – Château de Tours

Le parcours sera enrichi d’une représentation live lors d’un festival de musique encore à déterminer.

le Prix Swiss Life à 4 mains

La Fondation Swiss Life a créé en 2014 le Prix Swiss Life à 4 mains, seul prix en France réunissant deux domaines artistiques qui dialoguent habituellement peu : la photographie et la musique. Tous les deux ans sont récompensés un / une photographe et un compositeur / une compositrice pour la réalisation d’un projet artistique commun. L’appel à candidatures s’est tenu de juin à septembre 2023. Le comité artistique a shortlisté huit binômes finalistes, qui ont présenté leur projet devant un jury de spécialistes le 4 décembre 2023. Celui-ci a choisi Kourtney Roy (photographie) et Mathias Delplanque (musique) pour leur projet Last Paradise. Le Prix Swiss Life à 4 mains est doté de 46 000 € : chaque artiste reçoit une bourse de 15 000 €, et une enveloppe de frais de production de 8 000 €. A cela s’ajoute la réalisation d’un livre d’artiste sur-mesure avec les Éditions Filigranes, qui viendra compléter l’histoire contée au sein des expositions. Le projet du duo bénéficie d’une large visibilité pendant 2 ans lors d’un parcours d’exposition à Paris et en région. Tous les lieux de monstration ont été renouvelés par rapport à l’édition précédente, afin de couvrir un territoire le plus diversifié possible. Une version live au sein d’un festival est également prévue.

^{Couverture « LAST PARADISE » par Kourtney Roy et Mathias Delplanque aux Éditions Filigranes pour le Prix Swiss Life à 4 mains 2024-2025.}

^{Kourtney Roy, Man Eater from the series LAST PARADISE. © Kourtney Roy pour le Prix Swiss Life à 4 mains 2024-2025.}

^{Kourtney Roy, lide from the series LAST PARADISE. © Kourtney Roy pour le Prix Swiss Life à 4 mains 2024-2025.}

^{Kourtney Roy, Gastone N°19 from the series LAST PARADISE. © Kourtney Roy pour le Prix Swiss Life à 4 mains 2024-2025.}

^{Kourtney Roy, The Alps from the series LAST PARADISE. © Kourtney Roy pour le Prix Swiss Life à 4 mains 2024-2025.}

Biographies des lauréats

Kourtney Roy, photographe

Kourtney est née dans les zones reculées du nord de l’Ontario au Canada. Après des études aux Beaux-Arts de Vancouver où elle se rêve peintre, elle découvre le potentiel fantastique de la photographie, vient habiter à Paris et intègre l’école nationale supérieure des Beaux-Arts. Ses photographies ont été récompensées par de nombreux prix et bourses, dont le Prix Picto en 2007, le Prix Emily ECUAD en 2012, le Prix Carte Blanche PMU/Le Bal en 2013 et la Carte Blanche de Pernod Ricard en 2018. Elle a également été lauréate d’une bourse du Centre national des arts plastiques (2018) et de la commande photographique de la BNF en 2022. En 2020, son livre, The Other End Of The Rainbow, a remporté la mention spéciale du prix du livre factice des Rencontres Luma et le Prix des libraires du livre de photographie. En 2019, elle a remporté le prix du meilleur film expérimental au Festival européen du court métrage de Brest avec son court métrage Morning, Vegas. Son premier long-métrage, Kryptic, a été présenté au festival SXSW à Austin, Texas, en mars 2024. Son travail a fait l’objet de nombreuses éditions : entre autres, avec les Editions André Frère, 2022, les Éditions Filigranes, les Éditions Louis Vuitton, les Éditions La Pionnière… Ses oeuvres sont présentes dans des collections publiques et privées. Son travail a été largement exposé en France et à l’étranger : Galerie Les Fille du Calvaire, Festival Portrait(s) de Vichy, Festival du Regard à Cergy-Pontoise, Musée Nicéphore Niépce à Chalon-sur-Saône, etc. A travers ses images, elle imagine un univers ambigu et cinématographique, à la frontière du réel et du fantastique. Utilisant sa propre image comme sujet principal de son travail, elle dessine un univers fascinant et intime habité par une multitude de personnages qui explorent des thèmes énigmatiques. Ses oeuvres explorent la démesure et la solitude de l’âme, faisant écho à Guy Bourdin et David Lynch.

Mathias Delplanque, compositeur

Mathias Delplanque est un artiste multi-facettes français né au Burkina Faso, à la fois compositeur de musique électronique, producteur, performeur, improvisateur, créateur sonore pour la danse contemporaine, le théâtre, le cinéma et l’art contemporain. Son travail de compositeur a débuté en 1998 quand, tout juste diplômé des Beaux-Arts de Cergy-Pontoise, il a décidé de mettre un terme à son activité de sculpteur pour se tourner vers la création sonore. Auteur de multiples projets solo, membre fondateur de plusieurs ensembles musicaux, il a sorti plus de 40 albums sur divers labels internationaux (France, Belgique, Suisse, Angleterre, Canada, Grèce, USA) et se produit fréquemment sur scène, seul ou en groupe (Keda, L’Ombre de la Bête, Ply…). Il a contribué aux spectacles de Compagnie Linga, Groupe Entorse, Collectif Allogène, And Alters, Lucane, Stomach Company etc… Au-delà des concerts et des créations pour le spectacle vivant, Mathias Delplanque mène un travail sonore dans l’espace (installations sonores), qui est régulièrement présenté en galeries et en centres d’art. Ses créations évoluent hors des sentiers battus et développent une musique hybride et organique qui entrelace sons électroniques, instruments acoustiques et fields recordings dans une approche héritée de diverses traditions musicales (musique électro-acoustique, paysage sonore, house music, dub, musiques africaines et moyen-orientales…). Mathias Delplanque a été lauréat de plusieurs bourses de création (Cultures France, DRAC Pays de La Loire, DRAC Midi-Pyrénées, Franco American Jazz Exchange, CNV, Ambassade de France en Inde…), et bénéficie régulièrement de résidences en France et à l’étranger (Canada, Inde, USA…).

Dans un premier temps, Les cavités pourrait se lire et se définir comme un conte cruel, avec sa kyrielle de personnages inquiétants : l’Affreux, le Père, la Mère, la Sœur, puis les Sœurs, les Méchants, l’Absent… et ses noms de lieux mystérieux – sans doute pas étrangers à la formation d’architecte de l’autrice – : le Temple, la grotte, la coursive, les « cavités en arrêté de péril », les portes et leurs clés tour à tour rouillées, « perdues et jamais retrouvées », les portes qui résistent, se ferment l’une après l’autre… Tout semble en place pour un conte pour adultes sur une enfance traumatique.
Mais la langue de Laure Samama, en mêlant l’intime à l’universel et en utilisant les registres du langage contemporain, retourne les codes du conte pour nous livrer un long poème qui n’hésite pas à s’emparer de la brutalité et de la crudité de certains types de discours, celui de la Mère, à la passivité coupable, celui des Méchants, vulgaires et violents – « des voix me prennent les cavités ». Toutes ces voix stridentes, que la narratrice tente de mettre à l’écart, expriment les assignations de la société, ce qu’on nous rabâche et qui nous empêche.
Le texte effectue plusieurs va-et-vient entre un avant, un maintenant et un plus tard, « les nouvelles cavités écrasent les anciennes », en une « errance hallucinée dans les tréfonds de ce qui nous construit et nous hante à la fois », un cheminement sombre dans ce qui infuse de l’enfance dans une vie d’adulte.
Le corps est partout présent : le corps de Sœur soumise au corps de Père, le corps des femmes soumises au corps des hommes, « corps disloqué », « sans défense », « livré en pâture », mais aussi, en creux, le corps des femmes amoureuses au désir violent, des femmes qui jouissent, des femmes qui savent ce qu’elles veulent et/ou ne veulent plus.
Enfin, sous la dernière porte filtre une lumière. « L’air est venu / sur mon visage et dans ma bouche. »

Parution : octobre 2023. Poésie
 – 138 pages, 12 x 15 cm
- Collection présent (im)parfait

Laure Samama
Après avoir longtemps exercé l’architecture, Laure Samama se consacre aujourd’hui à l’écriture et à la photographie, à travers livres d’artiste, performances, expositions. Elle a été exposée, entre autres, à la galerie Vu’ à Paris et à la Maison de la photographie Robert Doisneau à Gentilly. Les éditions Arnaud Bizalion ont publié les récits Ce qu’on appelle aimer (2016), Tes mains s’effacent (2018) et Je danse seule (2021). En 2023, les éditions Light Motiv ont publié un livre de ses photographies, La maison sans toit, avec un texte d’Hélène Gestern. Les cavités est son premier livre publié aux éditions isabelle sauvage.

 

Actualité
LA MAISON SANS TOIT de Laure Samama & Hélène Gestern
aux éditions Light Motiv
Parution : 17 octobre 2023
Photographies : Laure Samama
Texte : Hélène Gestern
https://editionslightmotiv.com/produit/la-maison-sans-toit/

^{Lee Miller, Colette, la plus grande écrivaine française contemporaine, Paris, 1944. © Lee Miller Archives, England, 2023, all rights reserved, leemiller. co.uk.}

^{Klavdij Sluban, Camp disciplinaire de Mojaïsk, cycle Entre parenthèses, 1998. © Klavdij Sluban.}

^{Dolorès Marat, La robe noire, 1995. © Dolorès Marat.}

Ce livre dessine une histoire de la photographie allongée, invitant à voyager de lit en lit au gré des nuits et des rencontres.
Nombre de photographes se sont emparés du motif du lit, à la fois intime et universel, du lit, depuis des portraits mortuaires du XIXe siècle, jusqu’au lit transformé en néo-bureau pour le télétravail au XXIe siècle.


Nouvelle matrice créative, ce motif brouille la frontière entre privé et public, entre fiction et documentaire. Lits défaits et laissés, vides par l’absence, en forme d’autoportraits, lits peuplés de familles, témoignages du quotidien, lits donnant chair aux relations des amants, lits “à soi” offrant un refuge temporaire, lits de fortune de ceux qui n’ont plus de “chez soi”… Parfois photographiés à l’improviste, ils peuvent aussi êtres répertoriés de façon systématique.


Ce livre, à lire de préférence au lit, passionnera les amateurs de sieste et de grasses matinées, les rêveurs et les experts en plafonologie – la science de l’observation du plafond – propice à la méditation. Il invite à revisiter l’histoire de la photographie “à l’horizontale” sous un nouvel angle, circonscrit et pourtant étendu… Pour trouver le sommeil, et l’inspiration.

Parution en librairie -11 octobre 2023

Clara Bouveresse
Clara Bouveresse est historienne de la photographie. En 2019, elle a dirigé le coffret Femmes photographes (Photo Poche nº 160-161-162, Actes Sud, 2020) et créé l’exposition Femmes à l’œuvre, femmes à l’épreuve, présentée aux Rencontres d’Arles (catalogue publié par Actes Sud, 2019). En 2017, elle a édité plusieurs travaux sur l’agence Magnum, dont, chez Actes Sud, Magnum Manifesto, catalogue de l’exposition présentée à l’International Center of Photography de New York.

Pour découvrir la Collection PHOTO POCHES
https://www.actes-sud.fr/recherche/catalogue/collection/1317?keys
https://www.actes-sud.fr/recherche/catalogue/collection/1740?keys

^{Donna Gottschalk, Dormeuses, Conférence révolutionnaire des femmes, Limerick (Pennsylvanie), 1970. © Donna Gottschalk.}

^{Shadi Ghadirian, Nil nil, 2008. Courtesy of Silk Road gallery and the artist.}

^{Daniela Rossell, Méduse, 1999. Courtesy the artist and Greene Naftali, New York.}

^{Stephen Shore, Chambre 125, Motel Westbank, Idaho Falls, 18 juillet 1973. © Stephen Shore / Courtesy 303 Gallery, New York.}

^{Imogen Cunningham, Le Lit défait, 1957. © 2023 Imogen Cunningham Trust / Courtesy www.ImogenCunningham.com.}

^{Couverture Photographies au saut du lit – textes de Clara Bouveresse- Collection PHOTO POCHES – N°175, aux éditions Actes Sud. Photographie : Zanele Muholi, Bona, Charlottesville, 2015.}

Extrait du communiqué de presse :

En se reconnectant au tangible, la photographie entre dans une période de transition.

Cet ouvrage révèle la vitalité d’un nouveau pan de la création photographique contemporaine. Depuis une génération, quantité de photographes nourrissent en effet des pratiques originales, soucieuses d’éthique et d’écologie. Loin d’incarner des expériences marginales, ces alternatives forment au contraire une puissante lame de fond.

Certains artistes valorisent ainsi des procédés anciens, une temporalité lente et des formes de co-création. Beaucoup s’approprient des archives vernaculaires en hybridant la photographie avec les arts manuels comme le collage et la broderie. D’autres encore amplifient la photographie par le biais d’installations.

Activisme et poésie se mêlent pour proposer des mondes où il est question de matérialité, de geste, de réconciliation et de résilience : c’est dans le corps de la photographie que les artistes cherchent à relire le monde et en inventer de nouveaux, par des utopies où l’imaginaire permet de dépasser le culte des images. En se reconnectant au tangible, la photographie entre dans une période de transition.

Cet ouvrage présente 180 œuvres et 130 photographes, et il est publié avec le soutien du ministère de la Culture et de la Fondation Antoine de Galbert. 

Actualité exposition – Contre-culture dans la photographie contemporaine

galerie Binome du 1er décembre 2022 au 14 janvier 2023

Exposition collective – 25 artistes en collaboration avec les éditions à l’occasion de la parution du livre éponyme de Michel Poivert

https://galeriebinome.com/contre-culture-dans-la-photographie-contemporaine/

La Galerie Binome est heureuse d’inviter l’historien de l’art Michel Poivert et les éditions Textuel pour une exposition focus autour du dernier ouvrage Contre-culture dans la photographie contemporaine. La sélection d’artistes de la galerie et invités, chacun avec une oeuvre emblématique, dessine la vitalité d’un nouveau pan de la création photographique, également au cœur des recherches menées par Binome ces dix dernières années. L’exposition s’accompagne de séances de signature et de talks sur les grands thèmes développés par l’auteur.

Avec les artistes : Laurence Aëgerter, Driss Aroussi, Mustapha Azeroual, Anaïs Boudot, Thibault Brunet, Guénaëlle de Carbonnières, Marie Clerel, Philippe Durand, Juliette-Andréa Elie, Emmanuelle Fructus, Ilanit Illouz, Pierre-Jérôme Jehel, Laurent Lafolie, Fabrice Laroche, Marc Lathuillière, Michel Le Belhomme, Douglas Mandry, Corinne Mercadier, Laurent Millet, Gaspar Nicoulaud & Sarkis Torossian, Baptiste Rabichon, Lisa Sartorio, Lara Tabet, Laure Tiberghien et Dune Varela.

Michel Poivert est professeur d’histoire de l’art à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne où il a fondé́ la chaire d’histoire de la photographie. Après avoir présidé pendant quinze ans la Société française de photographie, il a créé le Collège international de photographie, institution dédié à la transmission des savoir-faire et à l’expérimentation photographiques. Il est l’auteur d’une trentaine d’ouvrages dont notamment 50 ans de photographie française de 1970 à nos jours (Textuel, 2019).

Archive / interview de Michel Poivert – en réécoute : “50 ans de photographie française de 1970 à nos jours” histoire de la photographie aux Éditions Textuel
https://www.revue.francefineart.com/index.php/component/content/article/36-livres-videos-cinema/livres/3326-077-livres-michel-poivert

Extrait du communiqué de presse :

Lauréat de la dotation Roversi du Prix Picto de la Photographie de Mode 2022, Antoine Henault dévoile un premier livre aux images solaires, mélange de portraits intimes et de paysages rencontrés au fil des saisons. La couleur y intervient comme mémoire sensorielle et synesthésique en invoquant des perceptions radieuses : Il s’agit de « sentir » le goût, la texture, l’odeur des couleurs. Le proche et le lointain y sont traités avec intimité et bienveillance, dans une recherche d’émerveillement spontané, comme le témoignage d’un état de douceur.

Insolations, c’est aussi la première exposition personnelle d’Antoine Henault, présentée au Musée national Eugène Delacroix, du 3 novembre 2022 au 23 janvier 2023, dans le cadre de PhotoSaintGermain, une exposition coproduite par le festival. 

En regard à l’accrochage des collections permanentes du Musée Delacroix “Delacroix et la couleur”, l’exposition d’Antoine Henault y propose un recueil d’images aux découpes solaires, dont la disposition dans l’espace du musée recompose le rythme des saisons. Ses photographies, captées dans la diversité des paysages et des êtres qu’il rencontre, se font la narration d’un monde ré-harmonisé. On y trouve la nostalgie de la lumière, la torpeur d’un après-midi, l’ombre et le repos, mais aussi des fruits et des fleurs. 

https://www.musee-delacroix.fr/fr/actualites/expositions/photosaintgermain-antoine-henault-insolations

http://www.photosaintgermain.com/editions/2022/parcours/musee-eugene-delacroix

Biographie

Antoine Henault est un photographe français né en 1992. Adolescent, il découvre les travaux de Saul Leiter, le travail couleur de Jacques Henri Lartigue et les peintures d’Edward Hopper. Il revendique un apprentissage autodidacte et une culture visuelle nourrie par Internet, une éducation du regard qui se forme dans la libre circulation des images. Son univers pictural se construit en réponse à la nature dans laquelle il a grandi et qui restera sa principale source d’inspiration. Graphique et sensoriel, son travail célèbre la connexion intime entre les êtres et leur environnement, un ré-enchantement par la contemplation.

Extrait du communiqué de presse :

Un livre publié à l’occasion des 50 ans du musée Nicéphore Niépce à Chalon-sur-Saône, lieu de naissance de l’inventeur de la photographie, sous la direction de Sylvain Besson avec la préface de Michel Frizot

Des origines de la photographie aux dernières avancées numériques, un passionnant inventaire.

Cet ouvrage parcourt l’histoire de la photographie, depuis son invention en 1827 jusqu’à ses usages contemporains à travers les collections du musée Nicéphore Niépce, riches de 4 millions de photographies, 8 000 appareils et 30 000 revues et livres techniques ou illustrés. Hors des sentiers battus, c’est une “autre histoire” de la photographie que propose ici Sylvain Besson en s’attachant à la richesse du medium dans sa diversité de techniques, de courants artistiques, de modes de diffusion. Il répertorie les dimensions sociales, documentaires et commerciales de la photographie depuis ses origines. Volontairement hétéroclite, ce livre témoigne des différentes voies empruntées par la photographie : la publicité, la mode, l’illustration, le judiciaire, etc. Il dresse un inventaire encore jamais réaliseé aussi singulier qu’instructif. Parmi les 300 documents visuels, sont notamment présentés la toute première photographie de Niépce (Le Point de vue du Gras), de magnifiques daguerréotypes, calotypes ou autochromes, et des photographies de Germaine Krull, Maurice Tabard, Robert Doisneau, Denis Brihat, Mario Giacomelli, John Batho, Denis Roche, Roger Ballen, Madeleine de Sinéty, Kate Barry, Bertrand Meunier, Charles Fréger…

Directeur des collections du musée Nicéphore Niépce à Chalon-sur-Saône depuis 2008, Sylvain Besson est commissaire de nombreuses expositions tant des collections patrimoniales que des fonds nouvellement acquis ou de photographes contemporains. Michel Frizot est historien et théoricien de la photographie. Il a notamment publié chez Hazan L’Homme photographique (2018) et Toute photographie fait énigme (2014).

Extrait du texte Tant de lendemains de Sylvain Besson

[…] Nicéphore Niépce avait eu l’intuition de lendemains possibles dès le 24 mai 1827 : « Je suis comme Colomb lorsqu’il pressentit la découverte tardive, mais certaine d’un nouveau monde*. » S’il est peu probable qu’il ait imaginé la société numérique dans laquelle nous évoluons, le geste technique de Niépce qui aboutit à la première des photographies, Le Point de vue du Gras, a résolument bouleversé nos rapports avec le monde et la technique. De nos jours, nous photographions comme nous respirons, nos photographies se propagent sur les réseaux sociaux, la photographie est partout et nous ne la voyons plus. Le temps du musée est en contradiction avec cette circulation incontrôlée et toujours plus accélérée des images photographiques : il est celui de l’analyse et du doute. C’est la complexité du phénomène photographique en constante évolution que les collections tentent de traduire.

Depuis sa création, le musée a imposé l’idée que toute la photographie mérite d’être conservée, et c’est une gageure. Les premiers donateurs avaient composé des ensembles exhaustifs, couvrant tous les champs du photographique : photographies anonymes et d’auteurs, matériel technique et revues illustrées, objets publicitaires et objets du quotidien, souvenirs touristiques et clichés judiciaires, photographies en relief et microphotographies… Le musée porte en lui cet encyclopédisme. Ce sont l’analyse et l’étude de ces vastes ensembles qui l’autorisent à se questionner sur le phénomène photographique et à restituer ses propositions dans son parcours permanent et ses expositions temporaires.

À chaque nouvelle acquisition, le musée Nicéphore Niépce est lui-même « comme Colomb ». À chaque objet photographique intégrant les collections, de nouveaux lendemains s’offrent à lui. Une photographie est le fruit d’une combinaison qui se renouvelle lors de toute prise de vue : la quadrature « photographe / appareil / sujet / devenir de la photographie réalisée». La photographie ne saurait se résumer à un objet unique et isolé. Le contexte de création d’une photographie dévoile les intentions de l’opérateur et les moyens dont il dispose tout en révélant les conditions de son éventuelle diffusion. De même, la collection ne saurait se réduire à un agglomérat de beaux tirages isolés, même tirés avec soin. Cela reviendrait à exclure la notion de série pour un auteur-photographe, l’album de photographies pour la pratique amateur, la revue illustrée pour l’agence de presse, à négliger l’essence même du photographique envisagé par Nicéphore Niépce : celle du multiple.

La collection peut donner l’illusion d’une masse en apparence infinie. Le principe de reproductibilité posé par Niépce, sans cesse amélioré par ses successeurs et qui trouve son aboutissement avec la photographie numérique, génère des volumes croissant de façon exponentielle. L’accroissement est un phénomène photographique en soi, dont la collection du musée rend et doit rendre compte. Chaque année, entre 150 000 et 400 000 phototypes [négatifs, planches-contacts, tirages, justificatifs de publication] intègrent les collections. Il en résulte que la collection est envisageable sous de nombreux angles. Cet ouvrage se veut le reflet des tensions entre différentes approches : technique, esthétique, ethnologique, archivistique. Il est le fruit de cinquante années d’acquisitions n’excluant aucun champ de la photographie.

Plutôt que de choisir entre amateurs et professionnels, entre artisans et artistes, entre technique et esthétique, le musée a choisi de ne pas choisir, car analyser le phénomène photographique ne saurait être fait en excluant l’une ou l’autre de ses composantes. […]

* Correspondance avec son cousin Alexandre Anne Bénigne Dubard de Curley, Bibliothèque nationale de France.

Extrait du communiqué de presse :

Sur une idée originale de The Eyes et une invitation aux artistes Elsa & Johanna dans le cadre de la réédition du livre d’Éline Roch Ce que vaut une femme : traité d’éducation morale et pratique des jeunes filles (1893)

À l’origine de ce projet est la découverte d’un livre, dans le grenier de la maison familiale, intitulé « Ce que vaut une femme : traité d’éducation morale et pratique des jeunes filles », publié en 1893 avec le soutien du Ministère de l’instruction publique. Son contenu nous est à la fois apparu édifiant et comique.

Le ton est donné dès l’introduction sous la plume de son autrice Éline Roch, lauréate du Prix Doyen-Doublié (en 1893) :  » Qu’adviendrait-il de notre pays le jour où la femme se trouverait détournée de sa destination naturelle, où la jeune fille pourrait supposer qu’il existe autre chose pour elle que la mission noble et sainte d’être épouse, d’être mère ? « .

Pour rééditer ce « traité d’éducation morale », nous avons invité le duo d’artistes Elsa & Johanna à poser son regard contemporain sur ces injonctions d’un autre temps. Les vingt-quatre personnages féminins qu’elles incarnent dans Les douze heures du jour et de la nuit s’immiscent dans la chronologie du livre, avec ironie et malice.

Véronique Prugnaud et Vincent Marcilhacy, Directeur.rices de The Eyes Publishing

CONTEXTE HISTORIQUE FRANÇAIS

Au tournant des XIXe et XXe siècles, l’éducation domestique des filles fait l’objet d’une attention constante en Europe et en Amérique. La première école domestique française fut fondée par Mme Doyen-Doublé (1836-1878) et connut un certain succès auprès de la classe ouvrière.

Prix Doyen-Doublé : Dans son testament, Mme Amélie Doyen-Doublé a accordé à la ville de Reims une rente de 1 000 francs en récompense des efforts déployés en faveur du développement de l’éducation des femmes. Tous les cinq ans, un prix est offert au meilleur auteur (une laïque nécessairement) d’un traité destiné à vulgariser dans les classes populaires les préceptes de l’économie domestique et l’accomplissement des devoirs familiaux. C’est ainsi qu’est né le Prix Doyen-Doublié. Eline Roch remporte la 2ème édition du concours en 1893.

« Entre pied-de-nez et coup de pied dans la fourmilière, après des siècles d’effacement, de dévouement et d’assujettissement, Elsa & Johanna échafaudent une galerie de femmes qui sont enfin seules, délestées du « syndrome de l’infirmière », et dont le « faux- self » semble se fissurer au fur et à mesure de l’avancée des chapitres. Elles n’ont rien de particulier à faire. Elles ont juste la vie pour elles. » Extrait de la préface – Marie Robert, Conservatrice en chef au musée d’Orsay, Photographie et Cinéma

CE QUE VAUT UNE FEMME :  Les douze heures du jour et de la nuit – le livre

Au rythme du traité d’éducation moral des jeunes filles, les séries de chacun des 24 portraits de personnages incarnés par Elsa & Johanna viennent s’intercaler entre les pages, parfois s’imposent pour mieux faire disparaître le texte, ou font face à une des 12 gravures du livre. Le dialogue entre textes et images met en lumière le contraste de deux époques. La négation de l’émotion et de l’intime à la lecture du traité entre alors en conversation avec la force intérieure qui se dégage de cette galerie de femmes. À chacune et chacun d’imaginer la vie de ces personnages, leur quotidien et leurs pensées. Une proposition éditoriale pour se souvenir d’où l’on vient et valoriser ces luttes pour l’égalité, aujourd’hui encore, combat de tous les jours.

ELSA & JOHANNA : Les douze heures du jour et de la nuit – A propos

Surprises par le déni de l’humanité des femmes et de leur propre sensibilité, les deux photographes ont exploré un ensemble de personnalités féminines afin de leur redonner toute la liberté de ressentir, d’ouvrir la palette des émotions et d’élargir le champ des possibles. Tout au long des vingt-quatre heures d’une journée, Elsa et Johanna se sont tour à tour enfilées dans les costumes de vingt-quatre personnages féminins qu’elles ont incarnés et photographiés dans l’environnement clos de la maison. Si on trouve toujours des femmes dans le cadre domestique, c’est en décalage avec ce qu’on attend d’elles. Les femmes ne sont pas occupées par les tâches ménagères. Ils n’ont pas été réduits à une seule essence de douceur, de compassion et de sacrifice pour les autres. Au contraire, ils sont tous abstraits de leur contexte et du temps qui passe, suspendus dans un présent qui dure et qui est celui de leur rêverie.

ELSA & JOHANNA : Les douze heures du jour et de la nuit – Léone Sallé de Chou

« Le choix de l’argentique noir et blanc, inédit dans le travail d’Elsa et Johanna, a précisément pour intention d’assurer à ces femmes et à leurs émotions leur caractère intemporel. C’est à nous de plonger dans les portraits et de deviner toute la vie qui est portée par chacune d’entre elles. Les douze heures du jour et de la nuit propose un archétype de femmes, formant une constellation de vingt-quatre déesses qui seraient gardiennes des temps et des destins qui se construisent. » Léone Sallé de Chou, Philosophe

Actualités – Exposition 

Maison Auguste Comte du 3 novembre au 16 décembre 2022 dans le cadre du Festival PhotoSaintGermain
https://augustecomte.org/
http://photosaintgermain.com/

Commissaires Véronique Prugnaud et Vincent Marcilhacy, The Eyes Publishing

La réédition d’un ouvrage intitulé Ce que vaut une femme : traité d’éducation morale et pratique des jeunes filles publié en 1893 avec le soutien du Ministère de l’instruction publique se trouve à l’origine de ce projet. Le ton est donné dès l’introduction, sous la plume de son autrice Éline Roch : « Qu’adviendrait-il de notre pays le jour où la femme se trouverait détournée de sa destination naturelle, où la jeune fille pourrait supposer qu’il existe autre chose pour elle que la mission noble et sainte d’être épouse, d’être mère ? »

Sur une invitation de The Eyes Publishing, le duo Elsa et Johanna pose son regard singulier d’ artistes d’aujourd’hui sur cette vision de la femme d’un autre temps.

Surprises par la négation faite aux femmes de leur humanité et de leur sensibilité propre, les deux photographes sont parties à la rencontre d’un ensemble très divers de personnalités féminines. Suivant le fil des 24 heures qui composent une journée (les 12 heures du jour, les 12 heures de la nuit), Elsa et Johanna se sont identifiées à vingt-quatre femmes qu’elles ont tour à tour incarnées ou photographiées dans le huis‑clos du foyer. Si nous trouvons toujours les femmes dans un cadre domestique, elles le sont en décalage par rapport à la représentation usuelle. Elles ne sont pas affairées à des tâches ménagères et ne sont pas réduites au cliché unique de la douceur, de la compassion et du sacrifice pour autrui. Au contraire, on les retrouve toutes abstraites de leur cadre spatial et temporel, figées dans un présent qui dure, celui de leur propre rêverie. Le choix de l’argentique noir et blanc, inédit dans le travail d’Elsa et Johanna, a précisément pour intention d’assurer à ces femmes et à leurs émotions un caractère intemporel. C’est au visiteur qu’il revient de se plonger dans les portraits et de deviner, voire d’imaginer l’existence que chacune porte en elle.

Cette constellation de 24 femmes forme une mythologie picturale dont il ne reste plus au spectateur qu’à élucider l’histoire, trop longtemps ensevelie derrière le voile univoque de ce que l’on a appelé la nature féminine.

Extrait du communiqué de presse :

Auctus Animalis, fable initiatique par Vincent Fournier (photographie) et Sébastien Gaxie (musique) lauréats de la 5ème édition du Prix Swiss Life à 4 mains 2022-2023

Le projet 

Auctus Animalis (animal augmenté), est une fable initiatique sur la métamorphose d’espèces hybrides en constellations, une interrogation poétique sur la transformation du vivant. Au croisement de la biologie spéculative et du surréalisme, le projet de Vincent Fournier et Sébastien Gaxie est un étonnant bestiaire futuriste associant histoire et anticipation, mémoire et science-fiction. Dans ce projet, rendant hommage au règne animal, à la biologie, à la bioacoustique, les trois médiums que sont la photographie, la littérature et la musique vont se croiser et prendre forme. Auctus Animalis questionne les nouvelles relations possibles avec la nature dans notre monde de demain. 

Le récit 

Auctus Animalis, « C’est le récit initiatique du capitaine Levant, qui entreprend un grand périple au cours duquel il rencontre et fraternise avec un bestiaire fantastique : un chat volant, un oiseau faiseur de temps, un papillon scribe, un poisson palimpseste et de nombreuses autres espèces aux dons extravagants. Ces bêtes ne trouvent pas leur place sur terre, parce que ce sont des créatures hybrides. Pour rétablir un équilibre elles doivent devenir des étoiles. Nous allons être les témoins de cette transformation. 

Le capitaine, engagé par un consortium, part chercher avec un équipage réduit une météorite dans le Pacifique. La météorite semble contenir du brownleeite, un métal qui pourrait accélérer la conquête spatiale. Le capitaine ne trouvera pas la matière tant désirée mais une île-mirage, reflet de ses désirs. Dans cette île magique, métaphorique, les végétaux, les minéraux et les animaux ont comme été façonnés, augmentés par une intelligence invisible. 

Ce voyage parfois semé d’embûches va mener le capitaine à travers deux songes, dans le cosmos, et les abysses. Notre marin sera enfin le témoin d’un grand concert des animaux au terme duquel ils deviendront une nouvelle cosmogonie. » Sébastien Gaxie et Vincent Fournier

Extrait du récit Auctus Animalis :

“ Mesdames, messieurs, sans oublier les bambins, Je n’aime pas les hommes. Ils m’ennuient. Je préfère les mers. C’est ça ma vie. Par ailleurs, je suis un taiseux, je n’aime pas parler. Il m’est donc assez pénible de prendre la parole devant vous mais un devoir m’appelle. « Devoir », le mot est faible. Ce serait plutôt une sorte de force mystérieuse, qui a pris les commandes de mon cerveau et qui me dit : « Vas-y, raconte leur ton histoire. Ton histoire, c’est la leur. » Alors, à l’impératif qui me dit parle, j’ose vous dire : écoutez, voyez. Enfin, faites ce que vous voulez.

Chapitre premier – Où l’on apprend que le Pacifique mène dans l’espace

Tout a commencé par une mission. Un consortium de scientifiques et de militaires voulait aller sur une exoplanète. Pour cela, ils avaient besoin d’une météorite tombée dans le Pacifique. M.51-ULS-1b, ça c’était l’exoplanète. Elle se trouvait à la distance dérisoire de 25 millions d’années-lumière dans la galaxie spirale dite du Tourbillon. Pour y aller, il fallait une nouvelle forme d’énergie ultra-puissante. La solution était peut-être le métal du nom de brownleeite détecté dans la météorite. Inconnue sur la Terre, cette matière aux propriétés radioactives d’une puissance de 1 000 millions de watts par tonne allait nous amener loin. Très loin. Trop loin.

Moi c’est la mer, pas l’espace. Je suis né sur un bateau, j’ai grandi sur un bateau et je mourrai sur un bateau.

J’ai bourlingué sur à peu près toutes les mers et océans mais le Pacifique, c’est ma maison.

J’y ai affronté tous les dangers : vents les plus extrêmes, typhons, tsunamis, foudre, vagues démentielles, éruptions volcaniques, chutes de glaciers, embarcations ravagées par des tempêtes sans foi ni loi.

J’y ai vu toutes les merveilles : lagons aux bleus insolents et indépassables, îles aux écosystèmes luxuriants et uniques dans lesquels la vie s’est propagée démesurément avec des mille-pattes colosses, des forêts de fleurs. Oui oui, mesdames et messieurs, vous avez bien entendu. Des forêts de fleurs, aux Galápagos ! Du nom de Scalesia de la famille des marguerites.

Et les bestioles, parlons-en : tortues géantes, iguanes préhistoriques, otaries, baleines à bosse crachant des arcs-en-ciel. Des albatros trônaient au-dessus du mât lors de mes traversées. Ils volaient sans même bouger leurs immenses ailes.

Le Pacifique, j’y ai aussi goûté tous les délices : goyaves, mangues, papayes, ramboutans, caramboles, poissons crus au lait de coco. Je pourrais aussi vous parler des sirènes polynésiennes, semi-vêtues, de robes aux couleurs chaudes, ornées de motifs exotiques.

Parées de fleurs, avec leurs cheveux finement tressés, dans des effluves filantes de monoï, elles me chantaient des comptines, sous des cascades paradisiaques.

Mais bon, je m’arrête là, ça c’est privé.

[…] ”

Le parcours de l’exposition [2022-2023] 

– du 6 au 24 septembre 2022 : Galerie Clémentine de la Féronnière, Paris
http://www.galerieclementinedelaferonniere.fr/

– du 10 au 13 novembre 2022 : Salon approche, Paris 
https://www.approche.paris/

– du 13 janvier au 26 février 2023 : Centre Claude Cahun, Nantes 
http://galerie-confluence.fr/

– du 8 mars au 21 mai 2023 : L’Arsenal, Metz
https://www.citemusicale-metz.fr/

– juillet 2023 : Arles 

– du 27 septembre au 21 octobre 2023 : Centre photographique, Marseille
https://www.centrephotomarseille.fr/

Prix Swiss Life à 4 mains

La Fondation Swiss Life a créé en 2014 le Prix Swiss Life à 4 mains, seul prix en France réunissant deux domaines artistiques qui dialoguent habituellement peu : la photographie et la musique. Tous les deux ans sont récompensés un / une photographe et un compositeur / une compositrice pour la réalisation d’un projet artistique commun.

L’appel à candidatures s’est tenu de juillet à octobre 2021. Le comité artistique [Pour la photographie : Emilia Genuardi, directrice du salon a ppr oc he / Pour la musique : Olivier Bouley, fondateur du festival Les Pianissimes] a shortlisté 8 binômes finalistes, qui ont présenté leur projet devant un jury de spécialistes le 27 janvier 2022. Celui-ci a choisi Vincent Fournier (photographe) et Sébastien Gaxie (compositeur) pour leur projet Auctus Animalis.

Le Prix Swiss Life à 4 mains est doté de 46 000 € : chaque artiste reçoit une bourse de 15 000 €, et une enveloppe de frais de production de 8 000 €. À cela s’ajoute la réalisation d’un livre d’artiste sur mesure avec les Editions Filigranes. De plus, le projet du duo bénéficie d’une large visibilité pendant 2 ans lors d’un parcours d’exposition à Paris et en région. Tous les lieux de monstration ont été renouvelés par rapport à l’édition précédente, afin de couvrir un territoire le plus diversifié possible.

Extrait du communiqué de presse :

The Eclipse offre un panorama de photographies de Stéphane Charpentier en noir et blanc argentique, captées au fil d’une décennie en Grèce, pays reflet d’un monde plongé dans des crises économiques, politiques, humaines. Mais plus qu’un documentaire ou un essai intime, The Eclipse révèle différents niveaux de lecture et de sens. Le livre combine des images poétiques d’une humanité en souffrance, avec une iconographie à la fois symbolique et onirique, quasi métaphysique. Des interludes composés de mosaïques de tirages rephotographiés évoquent cette densité et ce chaos contemporains, alors que la dernière séquence d’images ouvre sur des espaces naturels, vierges et éblouissants, d’où jaillit enfin toute la lumière.

Les textes en anglais et en français sont des transcriptions de dialogues enregistrés et forment un fond sonore sur ce présent déchiré entre lutte et espoir.

Stéphane Charpentier mène un travail photographique existentiel poétique en N&B argentique. Il tisse une oeuvre au long cours, diffusée depuis près d’une vingtaine d’années en France et à l’international. Il est représenté par la Galerie Françoise Besson à Lyon. Il réalise également des films expérimentaux et est le commissaire des projets collectifs Temps Zero (image et son).

Extrait du communiqué de presse :

Sous le ciel immense selon O’Keeffe

Une vision du désert ou une vision dans le désert avec, comme en lévitation, une rose et un crâne en bélier… Intrigante, mystérieuse, cette toile de O’Keeffe de 1935 rassemble ses thèmes récurrents : les ossements, les fleurs, l’immensité du désert, du ciel… fantastiques et infinis espaces qui l’auront toujours fascinée.

Cette peinture nous attire vers l’histoire  singulière de cette légende, cette icône qui s’est imposée très tôt aux Etats-Unis mais qui reste aujourd’hui encore étrangement méconnue pour ne pas dire inconnue en Europe.

Derrière O’Keeffe, bien cachée, il y a Georgia… Une femme libre, talentueuse, une grande amoureuse aussi, qui un beau jour va quitter New York pour trouver refuge au cœur des terres arides de l’Ouest américain. À Ghost Ranch, “sous le ciel immense” du Nouveau Mexique…

Extrait du communiqué de presse :

« A passer du temps avec ces visages féminins, tout en côtoyant deux artistes(hommes) historiques à la relation singulière aux femmes, je sentais le besoin de réagir. En fin de compte, ce sont elles ces « oubliées », par leur mise à l’écart durant des années de l’histoire de l’art, reléguées au rang de muses, de modèles et de compagnes. Leur absence est criante et c’est sans doute cette absence que ces images tentent de mettre en lumière ». Anaïs Boudot

Dès lors, près d’un siècle plus tard, à un moment où de jeunes artistes convoquent les procédés anciens pour des expressions contemporaines, comment réinterpréter et prolonger ce face à face de l’artiste avec la plaque de verre, sa lumière et sa matière ? De même, dans une époque qui revendique la place des femmes dans l’histoire de l’art, comment interroger ou bousculer ce phénomène si ordinaire de domination, qu’il s’agisse du rapport aux femmes des artistes eux-mêmes, ou d’une certaine forme de résistance encore aujourd’hui de placer les artistes femmes au en centre du jeu/JE.

 

Nous avons choisi de demander à Anaïs Boudot de relever ce défi, celui d’un vis-à-vis artistique autour du cliché verre, comme celui d’une réponse à ce voile longtemps (im)posé sur les artistes femmes. Anaïs Boudot réalise ici une série de créations sur un ensemble de plaques de verre anonymes de sa collection représentant toutes des figures féminines. Une modernité dans les matières, dans la lumière comme dans le ton qui bouscule et s’impose à la fois dans ce dialogue avec Picasso et Brassaï.

C’est à la suite d’une plaque de verre oubliée par Brassaï dans l’atelier de Picasso que ce dernier commença à développer un travail particulier sur ce support. « Et en effet, elle n’est plus vierge » s’écria Brassaï en découvrant la plaque retravaillée par Picasso comme le rappelle Héloise Conésa dans son introduction. Reprenant les propos d’Anne Baldassari, elle poursuit : « l’artiste-toro se penche sur la plaie mortelle qu’il inflige au réel afin qu’il advienne la figure si belle sur la plaque d’argent ». À son tour quelques années plus tard Brassaï commença sa série des Transmutations par lesquelles il grave non pas sur des plaques vierges mais sur des négatifs originaux.

 

Face à ces deux monstres sacrés de l’art moderne, Anaïs Boudot répond à une invitation de The Eyes, en reprenant sa propre collection de visages anonymes sur verre, pour les retravailler à même la gélatine.

Parmi ces portraits d’anonymes des années 20-30 et 40 s’imposent les visages de femmes. Là où chez Picasso et Brassaï le grattage de la gélatine s‘apparente à un « acte chirurgical beaucoup plus intrusif pour faire ressortir la plastique de l’œuvre », Anaïs Boudot choisit la dorure pour redorer ces images d’inconnues, sublimer l’image de ces femmes, ces muses si peu considérées par ces maîtres et oubliées de l’histoire de l’art. C’est dans cette démarche autant instinctive qu’expérimentale que s’inscrit le travail d’Anaïs Boudot, celle de rendre visible l’invisible.

« L’œuvre d’Anaïs Boudot est depuis toujours inscrite dans une dialectique de l’ombre et de la lumière, du visible et de l’invisible avec comme matériau de prédilection la plaque de verre dont elle joue des transparences et opacités, soulignant ses potentielles ambiguïtés.

Elle travaille cette fois-ci des plaques de verre des années 1920-30-40 retrouvées chez ses parents, des portraits de femmes anonymes photographiées frontalement dont elle métamorphose la présence obscure, celle d’un « continent noir » selon les mots de Freud, pour la resacraliser par l’usage de l’or.

Transformant la tradition du portrait vernaculaire en une recherche artistique d’une grande richesse formelle, elle s’inscrit dans une démarche esthétique où la femme est sublimée avec une intention évidente de réhabilitation, là où ses illustres prédécesseurs, Brassaï et Picasso, exploitaient le féminin comme motif au service d’une recherche plastique sur la plaque de verre. »

Héloïse Conésa, conservatrice du patrimoine à la Bibliothèque nationale de France, en charge de la collection de photographie contemporaine.

Extrait du communiqué de presse :

Où l’histoire d’un homme dont les vingt-six tatouages vont révéler deux histoires imbriquées l’une dans l’autre. Et déclencher une décision irrévocable. Devenir noir est le nouvel objet convergent de Donatien Garnier, conçu avec le graphiste Franck Tallon. Entre album de tatouages en prêt-à-porter et récit à double sens, le livre s’édite et s’exporte virtuellement sur le corps de ses lecteurs tandis que le corps de l’auteur s’invite dans les mensurations du livre.

Défi graphique et typographique
De taille rigoureusement identique, Devenir noir et Noir devenir, sont conçus pour être imprimés l’un dans l’autre (l’un dans les interlignes de l’autre), tête bêche. Chaque double-page contient ainsi deux épisodes imbriqués fonctionnant comme deux brins d’ADN qui encoderaient le poème-tatouage inséré entre eux.

Traite négrière et capitalisme
Parti d’une méditation sur le tatouage et le corps-livre, Devenir noir s’est progressivement ramifié en une double réflexion critique : sur le rôle de l’esclavage dans l’émergence du capitalisme contemporain et sur la capacité de la photographie à rendre compte des soubassements idéologiques de la société.

En librairie depuis septembre 2021
L’auteur / Donatien Garnier
Le graphiste / Franck Tallon
8.65 x 17.30 cm soit 1/10 du corps de l’auteur
156 pages / dos carré collé cousu
papier intérieur Arena Bulk White 120g
un monolithe noir / titre vernis / tranche noire
2 couvertures / 2 livres imbriqués recto/verso

Biographie
Après dix ans passés au collectif Argos, Donatien Garnier se consacre à des projets littéraires transdiciplinaires et transmédia. Il a cofondé la compagnie Le poème en volume avec le chorégraphe Gaël Domenger en 2015 et lancé le concept des Expéditions légères avec Mélanie Gribinski en 2017.

Les notions d’objet convergent et de dépli sont au cœur de son travail.

Extrait du communiqué de presse :

L’Odyssée est l’histoire d’un homme mû à la fois par le désir du retour chez lui et par une insatiable curiosité qui le pousse à faire des détours, à rencontrer l’autre et découvrir le monde. Ulysse tient les deux bouts de son désir, au prix de dix années d’errance. C’est lui-même qu’il découvre au bout du chemin. Si cette antique histoire nous parle encore, c’est qu’elle traite de questions universelles particulièrement d’actualité : l’identité, l’altérité, l’hospitalité.

Michaël Duperrin se rend dans les lieux supposés des errances d’Ulysse. Le photographe voyage à travers des strates multiples, entre l’ici et l’ailleurs, le maintenant et l’hier, le réel et la fiction, à la recherche d’échos entre passé mythique et réalité présente. L’expérience durera dix ans, le temps que met Ulysse à retrouver Ithaque.

Odysseus, l’Autre monde retrace la première partie de cette Odyssée, et nous immerge dans le monde des dieux, des monstres, des Enfers et des sirènes. Les photographies sont tirées en cyanotype, un des premiers procédés de tirage photographique, qui doit son nom à sa couleur. Alors que nous voyons la Méditerranée et son ciel d’un bleu intense, le mot « bleu » n’existe pas dans la langue d’Homère. L’adjectif qui plus tard désignera un bleu foncé renvoie dans l’Odyssée au monde de la Nuit et des Enfers, c’est-à-dire à l’Autre monde.

Avec les textes – Postface – de Pierre Bergounioux et de Thierry Fabre.

Extrait du communiqué de presse :

Anne-Marie Proulx a construit son livre de photographie en suivant les parcours de la protagoniste du roman Le premier jardin (1988) de l’auteure Anne Hébert. Elle s’inspire librement de la façon dont on y imagine une ville du Nouveau Monde regardée par les yeux d’une actrice de théâtre habitée par les femmes qui l’ont précédé, ainsi que par les rôles qu’elle a elle-même été appelée à jouer dans sa carrière et au fil des saisons de sa vie personnelle.

Le premier jardin est une terre sur laquelle siège une ville qu’on ne nomme jamais, qu’on ne voit presque plus, mais dans laquelle se trouvent des amorces d’histoires, des morceaux de vérités et de fictions aussi intangibles que la lumière qui se pose sur un mur, à la surface de l’eau ou sur les arbres en fleur. Au travers des détails de textures, de lumières, d’une vie qui touche les rues et les bâtiments, la ville se révèle comme un personnage, comme un corps de femme. Dans ce jardin planté derrière les grandes façades, dorment des rôles envahissants, des vies éphémères, saisonnières, vivaces.

Biographie

Puisant dans nos conversations avec les territoires, et dans nos relations avec le langage, Anne-Marie Proulx crée des univers poétiques qui interpellent les liens à la fois individuels et collectifs que nous entretenons avec nos environnements. Son travail de l’image, principalement photographique, interroge les espaces tant physiques que métaphoriques que nous occupons et qui inversement aussi nous habitent. Ses projets actuels réfléchissent particulièrement aux liens de réciprocité à créer ou à entretenir avec le vivant et avec les espaces naturels qui nous entourent, une réflexion qui se fait dans le partage d’idées et de regards, notamment grâce à une amitié innue-québécoise et à différentes démarches collaboratives.

Titulaire d’une maîtrise en histoire de l’art de l’Université Concordia, elle y a également complété un baccalauréat en arts visuels commencé à l’Université NSCAD. Elle a présenté des expositions individuelles à Espaces F (Matane, 2020), Vaste et Vague (Carleton-sur-mer, 2019), la Maison de la littérature dans le cadre de Manif d’art 9 – la biennale de Québec (Québec, 2019), la Galerie des arts visuels de l’Université Laval (Québec, 2018), à Occurrence dans le cadre de MOMENTA biennale de l’image (Montréal, 2017), à YYZ (Toronto, 2017), à Panache art actuel (Baie-Comeau, 2016) et à La Centrale (Montréal, 2014). Son travail a aussi été présenté dans des expositions collectives (FRAC Lorraine, Arprim, Regart, AdMare, Fonderie Darling, Galerie UQO, Capture Photography Festival, Skol, Stryx), ses textes ont été publiés dans différentes publications et revues (Ciel variable, Eastern Edge, Éditions du Renard, Esse, YYZ), et elle a présenté des conférences tant au Québec qu’à l’étranger. Ses œuvres font partie des collections du Musée d’art contemporain de Montréal, d’Hydro-Québec et de la Ville de Montréal. Elle vit et travaille à Québec, où elle est codirectrice de VU, centre de diffusion et de production de la photographie.

Extrait du communiqué de presse :

Le beau livre Villes du monde réunit les photographies du collectif Tendance Floue pour le City Guide Louis Vuitton. Depuis 2012, quatorze photographes ont sillonné trente métropoles au gré de cinquante‑cinq voyages et réuni près de quatre mille images qui tracent les contours d’une ville contemporaine archétypale.

Paris, Shanghai, New York, Tokyo, Rome… En trente villes et neuf atmosphères, les deux cent vingt-cinq photographies du collectif Tendance Floue réunies dans cet ouvrage dépassent leur objet et dessinent, au‑delà de chaque écriture singulière, une ville globale, une ville-monde dans laquelle le lecteur est convié à un voyage fulgurant, mystérieux et stimulant, à une déambulation sensible et poétique.

Ce portrait-robot met à nu l’énergie dégagée par l’exploration en profondeur de ces espaces. Cette proposition, forcément parcellaire, subjective et en devenir, ne juge pas, ne donne aucune réponse, mais construit un sens. Le puzzle ainsi reconstitué raconte avec force la ville contemporaine tout en débusquant des singularités persistantes qui n’appartiennent qu’aux citoyens et rappellent que si chaque ville parvient à rester unique, elle le doit d’abord à ses habitants. Tendance Floue s’élance avec finesse à la poursuite d’une silhouette en mouvement perpétuel : celle de l’espace public urbain. 

Initiée par Louis Vuitton pour la collection City Guide, cette collaboration au long cours s’inscrit dans une histoire de la commande photographique publique et privée, et plus largement dans l’histoire de la photographie.

Dans son ouverture, l’écrivain et commissaire d’exposition David Chandler souligne à quel point les images du collectif de photographes entrent en résonance avec les utopies littéraires, et notamment Les Villes invisibles d’Italo Calvino.  Muriel Enjalran, critique d’art et directrice du CRP/Centre régional de la photographie Hauts-de-France, décrypte quant à elle cette iconographie urbaine à l’aune de la commande photographique, des épopées du début du siècle dernier aux révolutions formelles apportées par les plus grands photographes de mode.

Actualité City Guide :

En 2021, Louis Vuitton publie une nouvelle édition de son City Guide Arles en association avec Les Rencontres de la Photographie. Avec pour contributeur le réalisateur Tony Gatlif, le guide rend hommage à la ville camarguaise et à son festival de renommée internationale dédié à la photographie. Proposant des portfolios jamais publiés de Yohanne Lamoulère et Bertrand Meunier du collectif Tendance Floue, ainsi qu’un aperçu illustré du programme du festival, le guide met l’image à l’honneur.

https://fr.louisvuitton.com/fra-fr/produits/city-guide-arles-version-francaise-nvprod3020003v

https://www.rencontres-arles.com/fr/arles-city-guide-louis-vuitton/

Tendance Floue

Créé en 1991, le collectif français de photographes Tendance Floue s’est construit, dans le sillage des mouvements altermondialistes, sur une envie de travailler ensemble, de préserver son indépendance et de conquérir un espace de liberté sans concession. Au fil des années, le collectif a pris de l’ampleur : de cinq photographes il est passé à onze en 1996, quatorze en 2011 et dix-sept en 2018. L’identité du collectif s’est affirmée et les projets communs sont de plus en plus importants. Au‑delà d’une esthétique photographique, tous partagent un point de vue sur le monde et une sensibilité atypique. Faire ressentir plutôt que donner à voir. Si le document demeure la valeur première de la photographie, Tendance Floue se situe en rupture de cette seule évidence et la questionne sans cesse. La rencontre et la confrontation des écritures photographiques individuelles au sein du collectif permettent d’ouvrir le champ des questionnements et d’enrichir le regard et la sensibilité particulière de chacun de ses membres, de susciter la réflexion au lieu d’imposer une réponse. Vingt‑neuf ans après sa fondation, Tendance Floue est aujourd’hui reconnu comme un acteur majeur de la photographie française et les plus grandes institutions font appel à sa force de créativité collective.

Les photographes :

Pascal Aimar *, Thierry Ardouin *, Denis Bourges *, Antoine Bruy, Gilles Coulon *, Olivier Culmann *, Ljubiša Danilović *, Grégoire Eloy *, Mat Jacob *, Caty Jan, Yohanne Lamoulère, Philippe Lopparelli *, Bertrand Meunier *, Meyer *, Flore‑Aël Surun *, Patrick Tourneboeuf *, Alain Willaume *.

* ont participé au livre Villes du monde.

Éditions Louis Vuitton

Pionnière dans ce domaine, la Maison Louis Vuitton développe ses propres éditions depuis plus de vingt ans. Son catalogue, riche d’une centaine de titres, propose trois collections tournées vers le voyage, l’art et la mode : City Guide, des guides urbains ; Travel Book, des carnets d’artistes ; et Fashion Eye, des albums photographiques. Les Éditions Louis Vuitton collaborent en parallèle à une série de beaux livres publiés avec des éditeurs internationaux et conçoivent, en tirage limité, des éditions d’artistes signées et numérotées. Depuis 1998, Louis Vuitton instille sa nature nomade au gré de ses City Guide et propose une sélection d’adresses aussi pointue que subjective sur trente villes du monde. Chaque destination est décryptée par des auteurs et journalistes indépendants, des invités venus de tous les horizons : architectes, galeristes, acteurs, artistes… Depuis 2013, chaque guide fait aussi l’objet d’une commande photographique à Tendance Floue. Le livre Villes du monde est né de l’envie de partager le regard du collectif sur la ville, au fil de neuf atmosphères, en jouant sur leurs oppositions et leurs complémentarités.

Extrait du communiqué de presse :

Le 20 mai, le Muséum publie le beau-livre The Parisianer. Chroniques du Muséum : 21 illustrations inédites accompagnées d’autant d’articles qui retracent une histoire des sciences ainsi que l’histoire d’une institution qui a toujours été ancrée et engagée dans les enjeux de son temps. Des chroniques au ton humoristique à la frontière entre histoire, science et fiction.

Le Muséum est un établissement scientifique riche de plus de 400 ans d’histoire naturaliste, ayant vu passer d’éminents savants, ayant ouvert des lieux devenus incontournables pour le public et toujours en quête de connaissances sur le monde du vivant. Et ce n’est que la partie émergée d’un iceberg gigantesque se déployant sur 13 sites en France, réunissant plus de 500 chercheurs, conservant plus de 67 millions de spécimens dans ses collections et s’engageant dans la compréhension de notre monde passé, actuel et à venir. Comment rendre compte de tout cela dans un seul ouvrage ?

Le collectif The Parisianer s’est lancé aux côtés du Muséum dans ce vaste projet sous le regard d’illustrateurs, tels que Catherine Meurisse, Brecht Evens, Virginie Morgand, Cruschiform, Martin Jarrie, Dugudus, issus du monde de l‘art, du dessin de presse, de la bande dessinée, etc.

Côté illustrations, les 21 propositions graphiques nous emmènent à la rencontre d’illustres personnages (Voltaire, Buffon, Paul Rivet, etc.) ayant participé aux grands temps forts de l’histoire du Muséum (résistance du Musée de l’Homme durant la Seconde Guerre mondiale, installation d’un diplodocus de 27 mètres dans la Galerie de Paléontologie, première venue en France d’une girafe, Zarafa, en 1827 à la Ménagerie, introduction du blob au Parc Zoologique de Paris en 2019, etc.). Au-delà de ces chroniques historiques, le collectif d’artistes s’attache aussi à imaginer le futur de notre planète à travers des scénarios science-fictionnels (fonte de la calotte glaciaire, colonisation de Mars, etc.).

Côté textes, les deux auteurs spécialisés dans la vulgarisation scientifique, empruntent le costume de personnages existants ou fictifs. Ainsi, le lecteur peut-il lire une interview de Buffon par le naturaliste Bernard Lacépède, un rapport secret du réseau du Musée de l’Homme envoyé à Jean Moulin par la résistante Suzanne X, le reportage d’une envoyée spéciale dans le Pacifique Nord, aussi continent de plastique, un article sur l’art de la taxidermie par une journaliste mode et tendance ou encore un compte-rendu de 2098 du planétologue Thomas Pasquette évoquant une colonie humaine oubliée sur Mars.

Conception de l’album

Direction artistique : Michael Prigent et Aurélie Pollet

Illustrateurs (dans l’ordre de publication) : Brecht Evens, Martin Jarrie, Catherine Meurisse, Emiliano Ponzi, Yifan Wu, Virginie Morgand, Michael Prigent, François Maumont, Alexandre Clérisse, Clément Pollet, Roxane Lumeret, Clément Vuillier, Fräneck, Dugudus, Keiji Yano, Lucas Harari, Aurélie Pollet, Lou Rhin, Brecht Vandenbroucke, Cruschiform

Auteurs : Camille Aulas et François Aulas

Actualité – exposition The Parisianer. Chroniques du Muséum du 20 mai au 13 octobre 2021 au Jardin des Plantes ( Gratuite ) https://www.jardindesplantesdeparis.fr/fr/programme/galeries-jardins-zoo-bibliotheques/parisianer-chroniques-museum-4076

À-propos 

The Parisianer est un projet artistique collectif qui fédère plus de cent cinquante artistes autour d’un concept : imaginer les couvertures de The Parisianer, un magazine fictif célébrant la ville de Paris. Le collectif rassemble des artistes cosmopolites, auteurs de bandes dessinées ou illustrateurs, expérimentés et issus de la nouvelle génération. Chaque couverture raconte une histoire de la capitale et en dresse le portrait inédit au moyen de superbes illustrations. Multiples et complémentaires, poétiques ou humoristiques, décalées ou réalistes, ces créations valorisent de façon inédite et audacieuse la beauté de Paris et son rayonnement international. Un premier ouvrage est paru en 2014, maintenant disponible à l’étranger, puis un second, The Parisianer 2050, cette fois-ci tourné vers la ville du futur voit le jour en 2017. Le collectif a également été exposé à la mairie de Paris, au Quai d’Orsay, à Bercy Village, à la Cité des Arts de Paris, mais aussi à l’étranger, à l’Institut Français de Kiev en Belgique, et en Chine.

En 2021, le Muséum national d’Histoire naturelle et le collectif The Parisianer s’affichent au jardin des plantes, et publient un beau-livre présentant 21 illustrations inédites accompagnées d’autant d’articles qui retracent une histoire des sciences ainsi que l’histoire d’une institution qui a toujours été ancrée et engagée dans les enjeux de son temps. Des chroniques au ton humoristique à la frontière entre histoire, science et fiction.

Depuis sa création, le projet est porté par l’association à but non lucratif La Lettre P, qui a pour objet la valorisation des arts graphiques et des artistes. The Parisianer a été imaginé, développé et coordonné par les directeurs artistiques Michael Prigent et Aurélie Pollet.

Extrait du communiqué de presse :

“La vie difficile de l’auteur du Maître et Marguerite au temps du stalinisme.”

Extrait du communiqué de presse

Arno Brignon premier résident à ouvert la voie, a marché pour relier les deux espaces de la résidence Terre et Territoires. De Tavers et Thoré la Rochette, il a photographié, il a arpenté les paysages désertés de la Beauce puis les sous bois du Perche Vendomois. Sur sa route, il a croisé les femmes et les hommes qui travaillent, qui vivent ici entre la Loire et le Loir, entre le fleuve majestueux et une rivière discrète et mystérieuse. De ces rencontres, il a rapporté un récit écrit humain qui évoque un monde en mutation, qui tente de com-prendre ce qu’est l’exploitation de la terre par l’homme, l’écologie, le « vivre ici ». Cette mutation, il nous la livre en image à travers une technique photographique affirmée, avec des films argentiques périmés. Et les prises de vue ont été réalisées avec un appareil amateur obsolète. Nous voyageons dans une sorte de road trip intemporel et le paysage semble atomisé de couleurs surnaturelles…

Actualité à venir, exposition de restitution de la Résidence Terre et Territoires à Zone i du 18 septembre au 7 novembre 2021.

TERRE & TERRITOIRES

Résidence croisée à Tavers & Thoré-la-Rochette

Terre et Territoires est une résidence de création photographique, une invitation à voyager en Région Centre-Val de Loire, de la Loire au Perche vendômois en passant par la Beauce.

Présentation

Valimage et Zone i proposent une résidence croisée de création photographique sur leurs territoires d’exercice qui se déploie sur deux axes : Terre et territoires.Cette résidence pose la question du territoire dans une période particulièrement trouble tant du point de vue écologique que du point de vue sociétal. Le·la photographe résident·e investit un terrain rural, industriel, habité et déserté, entre Loire et Loir. Il·elle s’attache à rendre visible les particularités de ce territoire, ses qualités, ses failles et ses richesses. Il·elle aura vocation à interroger l’universel. Du local au global, à moins que ce ne soit l’inverse…

Accompagnée par le dispositif Capsule du Ministèrede la Culture, elle est organisée en partenariat avec la D.R.A.C. Centre-Val de Loire et la Région Centre-Val de Loire.

Projet éditorial de restitution de la résidence :

Trois regards, trois immersions sur le territoire du Centre-Val de Loire, trois livres sur trois années 2020 – 2021 – 2022.

À l’issue de chaque résidence, Zone i et Valimage produiront un livre de photographies et de textes qui rendra compte du travail d’un artiste.

Ces ouvrages édités chaque année formeront une collection de livres d’auteurs présentant une variété de regards complémentaires sur un territoire de la région Centre-Val de Loire.

Le livre sera diffusé en librairie, sur les lieux d’exposition et grâce aux réseaux des associations tout au long de l’année.

A l’issue des trois années de production, un 4eme cahier avec un complément éditorial rassemblera ces travaux dans un coffret. Ce dernier volet sera composé d’un ensemble de textes d’auteurs, et d’acteurs de la photographie en écho aux travaux des artistes, des visuels des trois expositions ainsi que tout document complétant l’engagement des artistes sur le territoire.

Une co-édition Zone i et Editions Filigranes

Extrait du communiqué de presse

“Figure majeure de la photographie suédoise contemporaine, Martin Bogren développe une oeuvre où la dimension personnelle et poétique va en s’affirmant avec une pratique de la photographie qui s’inscrit dans une forme de parcours initiatique. Dans Passenger, quand bien même les photographies ont été prises en Inde lors de plusieurs séjours à Calcutta, il ne faut pas y voir une chronique indienne. Il s’agit ici de tout autre chose, d’une forme d’errance, qui ne se limite pas à un cheminement géographique, épreuve de la distance ou confrontation à un environnement et une culture inconnue, un dépaysement.

Le photographe livre un ensemble où transperce une forme d’abandon, de lâcher prise qu’il traduit avec des images âpres ou oniriques. Ses photographies surgissent comme des visions subjectives qui révèlent des ambivalences, des figures angéliques ou monstrueuses, de la légèreté et de la violence. Pour la première fois, il intègre la couleur à son travail, qu’il alterne avec une grande cohérence à son approche en noir et blanc. Comme une façon de développer un langage lui permettant de faire l’expérience du monde et l’expérience de soi.”

Caroline Bénichou

Actualité Martin Borgren – exposition

Dans le cadre de son année dédiée au thème de l’Amitié, l’Institut suédois donne carte blanche à plusieurs galeries d’art contemporain et de photographie françaises qui soutiennent et représentent des artistes suédois depuis de nombreuses années. Dans la cadre de cette invitation, la Galerie VU’ présente Passenger de Martin Bogren.

Exposition Passenger de Martin Bogren du 3 au 27 juin 2021 à l’Institut suédois
https://paris.si.se/agenda/galerie-vu-c-o-institut-suedois-passenger-par-martin-bogren/

Martin Borgren, Suédois, né en 1967. Vit et travaille à Malmo. Il est représenté par la Galerie VU’. 
https://galerievu.com/artiste/martin-bogren/

Si les débuts de Martin Bogren se sont inscrits dans le champ de la photographie documentaire, (notamment en suivant le groupe The Cardigans sur scène dans les années 1990), il a depuis développé une écriture personnelle et poétique qui va en s’affirmant. Il est l’auteur de plusieurs ouvrages et son travail fait l’objet de nombreuses expositions en Europe et ses œuvres font partie des collections des plus grands musées (Fotografiska Museet, Stockholm ; Oregon Art Museum ou encore Bibliothèque nationale de France).

Avec Tractor Boys, Martin Bogren suit une bande d’adolescents trompant leur ennui en roulant à tombeau ouvert dans de vieilles voitures. Ses images retranscrivent l’expression d’un débordement de force brute, d’une intensité adolescente, de ce qu’on pourrait qualifier de fureur de vivre qui vient trouver son exutoire. Il y traduit la candeur et l’insoumission des adolescents, qui jouent à ce qu’ils croient être des activités d’adultes, qu’ils ne sont pas encore, et s’enivrent de vitesse au volant de voitures bricolées sur des parkings au milieu de la campagne suédoise. C’est le passage complexe à l’âge d’homme qu’il décrit, mélange d’enfance et de morgue virile, ces amitiés et ces mises à l’épreuve où chacun se mesure et se jauge, où chacun vient en découdre, à renfort de vitesse et de défis.

Ses séries suivantes révèlent l’évolution d’une écriture photographique qui semble trouver son point d’acmé. Italia est un parcours sans véritable but à travers les villes italiennes. Il s’est agi pour Martin Bogren de se perdre, de dessiner un chemin sans intention prédéfinie. C’est un parcours poétique et initiatique : il n’y plus vraiment de sujet, mais un récit intimiste qui devient l’affirmation sensible de ses visions subjectives. Tout en nuance de gris, les tirages subtils et d’une grande sensualité viennent renforcer ses images d’errances, oniriques et parfois inquiétantes, complètement hors du temps. On le suit avec fascination dans ces égarements, comme si nous pénétrions son rêve, entre des portraits qui semblent être des apparitions, des rues nimbées de lumières éclatantes, des paysages confinant à l’abstraction.

Pour August Song, qui s’inscrit dans la continuité expressive d’Italia, Martin Bogren a photographié plusieurs étés durant les bals dans la campagne suédoises. D’enlacements en ivresses, de paysages troubles en portraits saisissants, il réalise un ensemble où l’on retrouve l’exultation et la mélancolie qui se mêlent souvent dans son œuvre, peut-être de manière encore plus prégnante dans cette série. La séquence est construite dans un crescendo d’une grande musicalité : sa chanson d’août s’immisce d’abord lentement entre les photographies puis la série monte en intensité et le rythme s’accélère, comme si la fièvre gagnait et que le vertige l’emportait. August Song est une allégorie bouleversante de l’urgence à vivre avant que tout ne se consume et à s’abandonner à l’amour, à se perdre dans les bras de l’autre.

Le travail de Martin Bogren est d’une grande honnêteté, pas seulement dans son approche de ses sujets mais dans son rapport à lui-même, par sa façon très intense de ne pas se dérober, de ne pas être dans une posture, de ne pas se trahir et de lâcher prise. Il a une manière presque bouleversante d’assumer ce qu’il est, de ne pas craindre ce qu’il investit de lui-même et ce qu’il dit de finalement très intime de sa relation au monde. Son empathie exacerbée, son hypersensibilité dans son rapport à ceux qu’il photographie transpire de ses images, avec toujours la distance juste. Il sait prendre le temps de saisir son chemin avec une grande exigence vis-à-vis de lui-même et de son travail. Son écriture photographique est unique, d’une grande sensualité : c’est un savant mélange de douceur et d’âpreté. Martin Bogren a une réelle maîtrise des nuances, qu’il s’agisse de celles des gris comme de celles des émotions. Et cette façon d’être et de voir est contagieuse et bouleversante.

Extrait du communiqué de presse

“On m’a dit :

– Enferme-toi avec tes proches !

Et je n’avais pas d’assez proches pour s’enfermer avec moi.

Alors je me suis enfermée seule.

Au début je n’ai presque plus bougé, j’étais un animal en hibernation dans le dix-huitième arrondissement, qui se déplaçait gauchement, du lit au frigo et du frigo au lit, un animal dont l’activité principale consistait à dormir. Il dormait et ça s’agitait dans mes rêves, j’avais peur, j’avais faim, j’avais soif, j’avais amour surtout, mais je ne voulais pas le savoir. Je ne voulais pas être dérangée et les lois me protégeaient : il était écrit que personne ne viendrait. Et personne ne venait.

J’étais une chauve-souris pendue par les pattes au fond d’une grotte au milieu d’autres chauves-souris de hasard suspendues dans des cavités mitoyennes. J’espérais que personne n’entre dans ma salle par surprise et ne fasse fondre mes graisses.

En réalité, je ne rêvais que de ça, voir et être vue, toucher et être touchée, emplir et être emplie d’un autre. Mais je préférais ne pas y penser.

Les jours s’étiraient d’une annonce à l’autre.

En attendant la libération, je regardais mes congénères se débattre sur la toile. Il était impossible de les départager. Chacun avait sa théorie, qui le faisait tenir debout. Les désaccords étaient violents et les affinités tout aussi extrêmes. La toile les protégeait. Moi, je lisais, et je ne pensais rien.

J’étais juste triste de ne pas pouvoir marcher sans fin dans la ville et la campagne, de ne pas sentir l’air sur mon visage, de ne pas embrasser un homme ou un enfant au matin. Je ne voulais pas lire tant de désarroi caché derrière tant de colère, je ne voulais pas m’emballer pour des débats qui n’étaient pas les miens, j’ai retiré les applications de mon ordinateur, je n’avais pas la télévision et je n’ai jamais aimé la radio.

La torpeur s’est installée.

[…] ”

– extrait du récit Je danse seule de Laure Samama

Samama Laure, photographe, écrivain

Laure Samama est née en 1973. Elle est diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure de Photographie d’Arles et de l’Ecole d’architecture de Belleville. Après avoir exercé l’architecture pendant plus de dix ans, elle décide de se consacrer à la photographie et l’écriture. Elle photographie des lieux, porteurs d’histoires, dans lesquels elle décèle des instants de grâce. Quand elle écrit, c’est pour mener vers la lumière les zones reculées de la mémoire. Elle a exposé « Trouer l’opacité » à la Maison Doisneau en septembre 2018 et a exposé à la galerie VU en 2016. La revue Spasme a publié la nouvelle Les seins blancs et la revue Extensible Premier dilemme, en septembre 2018. Elle a publié Tes mains s’effacent et Ce qu’on appelle aimer, qui mêle récit et photographie, aux éditions Arnaud Bizalion. La Bibliothèque Nationale de France a acquis ses livres d’artiste en 2017. Elle explore aujourd’hui de nouvelles voies de restitution telles que la vidéo et la performance dansée. Laure Samama vit et travaille à Paris.

Je danse seule (Arnaud Bizalion Editeur 2021)

Ce qu’on appelle aimer (Arnaud Bizalion Editeur 2016)

Tes mains s’effacent (Arnaud Bizalion Editeur 2018)

Extrait du communiqué de presse

Publié dans le cadre du Prix Scientifique L’Harmattan série Doctorat où cet ouvrage est lauréat. Avec des préfaces de Jean-Louis Fabiani et François Mairesse.

Les atteintes portées intentionnellement à l’intégrité d’oeuvres d’art, lorsqu’elles se produisent dans des musées, sont porteuses d’enjeux spécifiques que cet ouvrage analyse. Aujourd’hui, elles sont généralement désignées par le terme de vandalisme, lequel véhicule des représentations qu’il s’agit d’interroger. Cette étude inédite prend appui sur l’analyse d’un corpus de cas de vandalisme perpétrés entre 1970 et 2014 sur des oeuvres exposées dans des musées d’art, en Europe et en Amérique du Nord. Dans une perspective sociologique, elle s’attache à examiner les ressorts de ces actes, mais aussi les diverses réactions qu’ils suscitent. L’analyse de la réception sociale du vandalisme constitue une voie d’accès privilégiée pour appréhender certains mécanismes de disqualification, y compris au sein du champ artistique. Certains de ces gestes sont en effet réalisés dans une optique de création ou de dialogue artistique : ils font ici l’objet d’une attention particulière en raison de ce qu’ils peuvent mettre en lumière du fonctionnement du milieu de l’art.

Anne Bessette est chercheuse en sociologie. Ses recherches portent sur le rapport à l’art et aux institutions culturelles, notamment muséales.

Extrait du communiqué de presse

Projet réalisé dans le cadre d’une résidence de création réalisée à Chartres de Bretagne durant l’été 2020 par la photographe Juliette Agnel, accompagnée par l’écrivaine Emilie Houssa. Cette résidence* a été initiée par l’association l’art à l’ouest et le Carré d’Art – Centre Culturel Pôle Sud – Chartres de Bretagne, en partenariat avec la galerie Confluence (Nantes).

Juliette Agnel a oeuvré de nuit pour mieux voir ce qui reste caché. Comment voir dans le noir, ce qui nous entoure – la nature, la ville, et la perméabilité entre les deux ? La photographe a pris le temps, elle s’est autorisée des pauses longues lui permettant de dévoiler peu à peu les éléments obscurs d’une cité qui se révèle sous de nouvelles formes durant les mois de confinement. Entre les habitats plongés dans le silence et le retour insolite de la végétation, elle a produit des images puissantes où tout n’est plus que surface, réceptacle des ombres. 

Émilie Houssa de son côté a fait cueillette de mots, de sensations, d’images, pour rédiger une nouvelle dont le protagoniste est un peintre de nuages, un cueilleur de nuées qu’il reporte sur les murs qu’il trouve au gré de ses pérégrinations. Les paysages de Juliette Agnel reconstruits entre jour et nuit sont, pour elle, supports de fiction. Ce sont des lieux magiques et poétiques, qui laissent le temps d’arriver à pas feutrés, d’entrer dans la pierre, d’éprouver le poids de l’espace et le frisson du temps, de construire un monde.

Sortir la nuit pour mieux voir ce qu’on nous cache. La nature, la ville, et la perméabilité entre les deux. Les lieux qu’on voit tous les jours se transforment à l’heure où la nuit tombe. Comment voir dans le noir, ce qui nous entoure ? Il faut prendre le temps. Prendre le temps d’une pause longue qui dévoile peu à peu les éléments obscurs qui prennent une nouvelle forme. Il y a la surprise et la découverte, il y a l’invention. C’est également la même chose lorsqu’on regarde des détails qui semblent anodins, ou qu’on scrute un visage en prenant le temps de tout observer comme si c’était un vaste territoire, avec ses plis, ses rebonds, son intériorité. 

Il y a aussi la recherche du sauvage, celui qui a pris le dessus dans les forêts sans homme pendant le confinement, et la puissance de la végétation. Rennes est une ville d’un centre, et ses alentours basculent vite vers une nature qui peut être exubérante. J’irais la chercher. Habiter Chartres de Bretagne, vivre avec elle, c’est vivre à l’intérieur d’une ville, entre Rennes et la nature puissante, et c’est ce qui rend intéressant le lieu. Le passage de l’un à l’autre, par la nuit, seront le centre de mes prises de vue. 

Juliette Agnel

Les expositions :

Ce projet aux étoiles le poids de la terre, c’est aussi une exposition présentée du 31 mars au 19 juin 2021 (prolongée jusqu’au 4 septembre 2021) à la Galerie Le Carré d’Art – Centre Culturel Pôle Sud – Chartres de Bretagne  
http://www.galerielecarredart.fr

L’exposition sera également présentée à La galerie de photographie Confluence à Nantes du 12 mai au 24 juillet 2021. 
http://galerie-confluence.fr/

De mars à avril 2021, avec SNCF – Gares & Connexion, le projet est également visible dans les gares de Rennes et Vannes.

Juliette Agnel, photographe 

Née en 1973, Juliette Agnel a fait des études d’arts plastiques et d’ethno-esthétique (Paris 1), et aux Beaux-Arts de Paris.  Elle vit et travaille à Paris et est représentée par la Galerie Françoise Paviot.  Une rencontre avec Jean Rouch l’amène sur les routes de l’Afrique pendant plus de 10 ans.  En 2011, Juliette Agnel conçoit et fabrique une machine : la camera obscura numérique avec laquelle elle filme et photographie. Soutenue par Michel Poivert qui l’invite au séminaire photographique en 2012, son travail sera exposé en Corée du Sud, en Norvège ou en France, notamment à la FIAC (2013), aux Nouvelles Vagues du Palais de Tokyo (2013), à l’exposition Close to me de Guillaume Lasserre (2015), au Mois de la Photo (2015), à Paris Photo (2016). Elle a bénéficié d’une exposition personnelle à l’Espace Van Gogh à Arles en 2014 et est invitée par Léa Bismuth, aux Tanneries d’Amilly en 2017. Elle participe au Prix Découverte à Arles en 2017 avec la série les Nocturnes qui seront aussi présentées à la FIAC la même année. Elle poursuit son travail de recherche vers les paysages extrêmes lors d’une expédition au Groenland en 2018 et est invitée à produire et montrer ce travail, les Portes de glace au centre d’art Labanque (Béthune) pendant l’année 2018-2019 pour le 3ème volet de la trilogie sur Georges Bataille (La traversée des Inquiétudes, commissaire Léa Bismuth) et à Chaumont-Photo-sur-Loire.

Emilie Houssa, historienne de l’art, romancière 

Née en 1983, elle vit actuellement à Nantes.  « Emilie Houssa est cinéphile et historienne de l’art. Après avoir enseigné à l’université du Québec à Montréal et à l’université Paris 3 Sorbonne Nouvelle, elle a été conférencière à la Cinémathèque Française, puis a obtenu un poste de professeur d’Histoire de l’art et de sémiologie à l’école Prép’art. Comme son troisième amour est la lecture, elle ne pouvait pas ne pas écrire. Son écriture s’intéresse à la vie des gens sans histoire qui pourtant traversent des événements retenus par tous. Des images naissent ainsi au fil des mots et des situations. Entre le cinéma et la « grande histoire » l’écriture dessine une poésie du quotidien. La nuit passera quand même (Éditions Denoël, 2018) est son premier roman. Les lecteurs la retrouvent pour un second roman La possibilité du jour (Éditions de l’Observatoire, 2020). » Librairie Coiffard, Nantes.

* Territoire rêvé Bretagne, un cycle de résidences mêlant photographie et écrit 

Territoire rêvé Bretagne est un programme triennal de résidences qui offre à six artistes – trois photographes et trois écrivain.e.s – d’explorer librement la géographie des lieux traversés pour créer une oeuvre poétique qui capte quelques rêves, relie le visible et l’invisible sans oublier d’interroger les interstices et les marges. Accessible à tous, l’oeuvre produite est exposée dans l’espace public et dans des espaces dédiés de chaque ville partenaire. En 2020, la poète Albane Gellé a accompagné la photographe Maia Flore sur le territoire de Saint-Malo. Cette résidence a abouti à la série d’îles en lune, publiée aux éditions Contrejour). En 2020-2021, la photographe Juliette Agnel a créé une nouvelle série de photographies, accompagnée par la romancière et historienne de l’art Emilie Houssa, qui a écrit une nouvelle, en écho et en regard des images réalisées.

L’art à l’ouest, partenaire du Carré d’Art 

L’association l’art à l’ouest, basée à Nantes, ambitionne de travailler en commun pour ouvrir de nouvelles perspectives et rayonner sur le Grand Ouest (Régions Pays de la Loire et Bretagne).  Depuis quatre ans, à travers des commandes passées à des photographes et la mise en place de résidences, l’association porte la voix des auteur.e.s et se fait le passeur entre artistes, financeurs, partenaires, lieux culturels, écoles d’art… Pour une diffusion vers tous les publics, l’art à l’ouest met en place des expositions qui croisent les modes de représentation dans des espaces dédiés, identifiés, conceptualisés (galeries, musées) et dans des espaces publics. Ceux-ci permettent de remettre la création artistique et l’art contemporain au coeur de la vie publique en produisant, pour un public à une échelle inhabituelle, des oeuvres à un format inhabituel.

Extrait du communiqué de presse

« Trois opérations : Voir, opération de l’oeil. Observer, opération de l’esprit. Contempler, opération de l’âme. Quiconque arrive à cette troisième opération entre dans le domaine de l’art. »  Émile Bernard, Propos sur l’art

J’ai utilisé les négatifs sur plaque de verre comme une matrice, non pour répliquer à l’infini des épreuves photographiques à partir du négatif original, mais pour engendrer une nouvelle dimension, un autre plan du visible. Un nouveau monde est ainsi rendu manifeste par la création que la conscience a opérée. Ce cosmos inédit, aux contours nébuleux nous plonge dans un espace abyssal, qui nous semble familier, tant il rappelle certaines manifestations de la nature, mais qui pourtant nous échappe. Ne trouvant pas les repères habituels pour identifier ce que nous regardons, nous sommes invités à approcher ce monde non par le « connu » sensoriel ou intellectuel, mais par la contemplation.

Nous ne pouvons appréhender ce nouveau corps dans sa forme globale, mais seulement par fragments : poussières, étoiles, magma, corps célestes et telluriques, formes spectrales ou organiques, noyaux, empreintes. Il s’agit de ressentir la vie secrète qui anime chaque forme vivante de cet univers, de révéler les liens invisibles qui unissent chaque élément, de capter les battements de chaque phénomène, en somme, de nous dilater pour recevoir les pulsations de la nature : la nôtre. 

« Contempler, c’est contempler plus encore, et s’apercevoir dans un Soi infini. » Plotin, « Du Beau intelligible », Ennéades, V – 8.

Cosmogonie, c’est un livre d’artiste en auto-édition limitée, réalisé à la main, reliure japonaise, au format 22x15cm. Il est composé de 34 photographies en diptyque et de 12 répliques de négatifs sur plaque de verre datant de 1920. Il est imprimé en 100 exemplaires dont X exemplaires en tête de tirage, numérotés et signés de I à X comportant un tirage Fine Art inédit, numéroté et signé de I à X, et 90 exemplaires, signés et numérotés de 1 à 90.

L’équipe du livre

Passionnée de livres et d’objets d’art rares et précieux, Angéline a voulu collaborer avec des personnes partageant sa passion. Christophe Bonnet de l’imprimerie La Gutenberg à Tulle et Bruno Mielvaque de l’atelier de lithographie Litho-Lissac ont naturellement accepté de mettre leurs compétences au service de ce projet artisanal en édition limitée. Tous les 3 tiennent à maintenir vivants les savoir-faire de l’artisanat français pour offrir des éditions de qualité, contemporaines et atypiques.

Angéline Leroux, la photographe

Hypnothérapeute de métier, Angéline trouve dans la photographie de multiples champs pour explorer la conscience et tous les phénomènes qui y sont liés. Explorant l’invisible, utilisant l’imprévu, et privilégiant l’inconnu, elle cherche à créer des ponds entre le fini et l’infini. Elle a fait rentrer les états modifiés de conscience à la galerie Artyfact, elle a co-fondé la revue d’art et d’esthétique Tête-à-tête et a récemment participé à l’exposition « Trouer l’opacité » à la Maison de la Photographie Robert Doisneau à Gentilly.

Christophe Bonnet, imprimerie La Gutenberg

Christophe travaille depuis 30 ans à la Gutenberg, une imprimerie présente à Tulle depuis 1880. Il a contribué à la fabrication de plusieurs livres d’artiste dont ceux de Diane de Bournazel. Christophe aime collaborer avec des auteurs et des artistes dont les partis pris demandent plus de réflexion et de créativité. Il sait trouver des solutions techniques en adéquation avec leur démarche artistique, pour produire des ouvrages hors du commun, au fini impeccable.

Bruno Mielvaque, atelier de lithographie Litho-Lissac

L’atelier Litho-Lissac a été créé en 2005 par Gilles Sacksick et Bruno Mielvaque. C’est un atelier entièrement consacré à la lithographie, à l’art de l’estampe, ainsi qu’à l’édition d’ouvrages de bibliophilie. Des ouvrages remarquables y ont été créés, tels que ceux de G.E. da Silva, Gilles Sacksick, Jean-Marc Sourdillon, et Jean Chauveron entre autres. Litho-Lissac est une association loi 1901 qui a besoin d’adhérents pour continuer à vivre et faire perdurer son savoir-faire.

Au 29 mars 2021, il reste 15 jours pour participer à la campagne Kiss Kiss Bank Bank :
https://www.kisskissbankbank.com/fr/projects/livre-photo-cosmogonie

Extrait du communiqué de presse

« J’ai peur que ça m’arrive. La disparition de Paul, en un instant, ça a fait comme un trou dans le temps. Depuis, pour moi, le présent, c’est son absence ». Amélie Lucas-Gary

En 2011, Gérard Alaux, alors directeur de la Fondation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques (FNAGP) devenue Fondation des Artistes en 2018, m’invita en résidence à Nogent-sur-Marne. Durant un an, de janvier à décembre, je vins régulièrement dans cette maison de retraite dédiée aux artistes. Je souhaitais réaliser des portraits de résidents atteints de la maladie d’Alzheimer.

Les pensionnaires est une réflexion sur le grand âge, sur le regard parfois gêné que nous posons sur ces malades exclus de l’espace public. Les modèles, pour la plupart des artistes, sont au crépuscule de leur vie. Ils sont représentés à l’échelle un, tels des icônes leurs visages sont gravés dans l’or. La maladie se voit-elle dans leur regard ?

La réalisation des portraits fut l’aboutissement d’un processus relationnel au sein de la maison de retraite avec les soignants, les résidents et leurs familles. Pour ce livre, j’ai demandé à l’écrivaine Amélie Lucas-Gary d’imaginer une fiction. Il me semblait que seule une rêverie pouvait accompagner les regards des pensionnaires.

Pierre David

La série 

Les Pensionnaires est une commande de la Fondation des Artistes, elle a été installée en 2012 et est aujourd’hui pérennisée à la Maison nationale des artistes, à Nogent-sur-Marne. Cette oeuvre est installée dans un salon dont l’aménagement a été conçu par Pierre David. Seize protraits de résidents ont été réalisés de janvier à décembre 2011. Les visages des modèles sont dessinés à l’échelle un, sur fond de feuilles d’or.

Pierre David, Les pensionnaires, 2011. Dessin à la pointe sèche sur feuilles d’or sur Bakélite, 30 x 30 cm. Série de seize portraits. OEuvre in situ pour la Maison nationale des artistes, Nogent-sur-Marne. Collection Fondation des Artistes

Les auteurs

Pierre David est né en 1957. Il est basé à Lyon et Sablons, Isère. Directeur depuis 2010 de la résidence d’artistes de Moly-Sabata / Fondation Albert Gleizes, il est aussi plasticien, scénographe et designer. Fasciné par la figure humaine, dessinateur virtuose, il réalise depuis les années 80 un travail dans lequel le corps occupe une place centrale.

Amélie Lucas-Gary est née en 1982. Elle a publié trois romans : Grotte, Vierge et Hic, le dernier paru en 2020 au Seuil, dans la collection Fiction & Cie.  http://www.amelielucas.fr/

La Fondation des Artistes & La Collection du Parc

La Fondation des Artistes s’est donné pour mission d’accompagner les plasticiens au fil de leur carrière, jusqu’à la toute fin de leur activité créatrice.

Reconnue d’utilité publique, elle administre ainsi, à Nogent-sur-Marne, au bord d’un parc préservé de dix hectares, un centre d’art contemporain, la MABA et un EHPAD singulier dédié aux artistes dans le grand âge, la Maison nationale des artistes. Avec sa riche programmation culturelle, la Maison cherche à maintenir le cadre artistique nécessaire au bien-vieillir de ses résidents. Elle tend à réaliser le projet qui était celui des donatrices, les soeurs Smith, lorsqu’elles imaginaient léguer leur domaine pour soutenir la cause des artistes et leur offrir une maison pour leurs vieux jours.

La Collection du Parc témoigne des rencontres intergénérationnelles et artistiques qui s’y déroulent et révèle les traits de certaines des figures qui y résident, ou y ont résidé, depuis sa création en 1945. Les pensionnaires de Pierre David est une oeuvre à la présence forte et sensible. Au mur de l’un des salons de la maison de retraite, elle émeut chaque visiteur : ces seize portraits méritaient un éclairage particulier et poétique.

Extrait du communiqué de presse

En partenariat avec Filigranes Editions le Prix Caritas Photo Sociale publie le 10 novembre 2020 « Odyssées », qui rassemble 40 photographies d’Aglaé Bory, accompagné d’un texte de Michel Poivert.

L’odyssée d’Homère raconte l’histoire d’un retour qui n’en finit pas. Le retour d’Ulysse à Ithaque après vingt longues années d’absence.

Ce travail est un écho à ce récit de voyage originel. “J’ai suivi plusieurs personnes en situation d’exil, demandeurs d’asile ou réfugiés, le plus souvent en attente de statut. La plupart d’entre eux vivent dans des centres d’hébergement en attendant la réponse de l’administration. L’attente est souvent longue et douloureuse. Elle les isole du réel et les enferme dans un espace mental en suspens. À travers cette succession de portraits et de paysages, j’ai voulu créer une correspondance entre leur intériorité et les paysages dans lesquels ces personnes évoluent afin de rendre perceptible ce sentiment d’exil.

Je les ai photographié dans leurs lieux de vie, dans leur territoire quotidien bien que précaire et temporaire. Leurs regards se perdent à travers les fenêtres. Ils sont dans le flou. Ils s’en remettent souvent au ciel, dont l’azur semble pourtant les ignorer. La mer est le refuge de leur intériorité, de leurs espoirs et leurs promesses. Elle est la réalité physique de la distance parcourue – souvent ils l’ont traversée pour arriver jusqu’ici – et de l’éloignement.”

Ce sont des histoires de retours impossibles ou impensables, d’attentes interminables après des parcours migratoires éprouvants et dangereux, d’espoirs de vies meilleures, loin des guerres et des persécutions. Mais que deviendront Mohammed, Ibrahim, Goar, Abdelrazik, Hiba ? Ces derniers attendent tous leur convocation à la Cour Nationale du Droit d’Asile après un refus de l’Ofpra à leur demande d’asile. Notre pays, à l’instar de l’Europe toute entière, traverse une grave crise de l’accueil des personnes migrantes et se retranche derrière ses frontières. L’attente interminable que vivent ces exilés n’est que l’expression de l’hésitation de notre société à les accueillir véritablement.

Tous souffrent de déracinement et d’inquiétude quant à leur avenir.

Ce travail photographique sur l’exil a été réalisé en 2018 dans le cadre d’une résidence photographique dans la ville Du Havre produite par le festival le Goût des Autres. Un film photographique a été projeté lors d’une projection unique durant le festival en janvier 2019.

Biographie de l’artiste :

Aglaé Bory après avoir étudié l’histoire de l’art à l’université d’Aix-en-Provence et la photographie à l’École Nationale de Photographie d’Arles, Aglaé Bory vit et travaille depuis quinze ans à Paris où, en marge de son travail personnel, elle collabore régulièrement avec la presse et des agences de communication. Son travail photographique se situe entre documentaire et fiction, autour de la figure humaine à travers le portrait, l’autoportrait et les paysages humains. La photographie donne à voir, montre, fixe. Aglaé Bory cherche à voir ce qui ne se voit pas, à montrer ce qui est caché, à fixer ce qui est volatile.

Le Prix Caritas Photo Sociale

Face à l’ampleur de la pauvreté et de l’exclusion en France, le Réseau Caritas France et ses 12 organisations membres ont décidé de créer en 2020 le Prix Caritas Photo Sociale afin de soutenir les photographes qui s’investissent sur ces questions. 

Le Prix Caritas Photo Sociale soutient chaque année un ou une photographe, en lui décernant une dotation de 4 000 €, en produisant une exposition qui a vocation à être itinérante et en éditant un livre qui lui est consacré. Deux photographes finalistes sont aussi mis en avant et, pour cette première édition, une « mention d’honneur » a été décernée. 

Présidé par agnès b., le jury de la 1ère édition du Prix Caritas Photo Sociale a désigné en juin comme lauréate Aglaé Bory pour son projet « Odyssées ». Les deux finalistes sont Myr Muratet et Julie Joubert. Une mention d’honneur a été décernée à Pierre Faure.

L’exposition de la lauréate et des trois finalistes est programmée du 3 au 13 mars 2021 (dates à redéfinir) dans la galerie de agnès b. au 17 rue Dieu Paris Xème.


Pour plus d’informations : 
http://www.reseaucaritasfrance.org
http://www.La-Fab.com


Acteurs majeurs de la lutte contre la pauvreté, les 12 organisations membres du Réseau Caritas France, présidé par le Secours Catholique-Caritas France, interviennent sur le quotidien de près de 1,5 millions de personnes en France. Leur combat est aussi de s’attaquer aux racines de la pauvreté et de faire évoluer le regard des Français sur la réalité des plus vulnérables.

À travers ce prix, le Réseau Caritas France a souhaité créer une alliance pérenne entre le monde de la photo et les acteurs experts de la lutte contre la pauvreté que sont les membres du Réseau. Pour la création et la mise en oeuvre du Prix, il s’est associé au collectif FETART, spécialiste de la photographie émergente qui organise notamment le festival Circulation(s).

Extrait du communiqué de presse

« Aujourd’hui, dans un contexte marqué à la fois par l’essor récent du mouvement #MeToo et par la comptabilité macabre des femmes mortes sous les coups de leurs conjoints égrenée dans les médias, il convient de rappeler que le féminicide existe avant le mot. Le passé regorge de femmes assassinées seulement en raison de leur sexe. Toutefois, le crime n’était pas saisi dans sa singularité, il était invisible, noyé dans l’ensemble des meurtres et assassinats, il faut donc replacer le phénomène en perspective.

Si des femmes ont été brutalisées, violées, réduites en esclavage, torturées, tuées depuis des siècles, les logiques de leur mise à mort sont spécifiques : elles ne sont pas tuées de la même manière que les hommes, ni avec la même intensité ni avec une ampleur similaire. »

Extrait du texte de Lydie Bodiou et de Frédéric Chauvaud

Le travail photographique, « I would like you to see me » réalisé par Arianna Sanesi, en 2015, sur le féminicide en Italie, alors que ce terme était pratiquement inconnu et que le phénomène était largement ignoré par les médias, est le point de départ de ce livre et de la rencontre entre les photographies d’Arianna et le texte des historien.nes Lydie Bodiou et Frédéric Chauvaud. Leur dialogue crée un éclairage indispensable pour qui veut comprendre comment les mots et les images proposent de nouvelles perspectives sur l’un des problèmes les plus importants de notre temps : le féminicide et les violences domestiques.

Les auteurs 

Arianna Sanesi, photographe italienne installée à Paris.

Après un master en histoire de la photographie à l’université de Bologne. Elle travaille de ombreuses années comme assistante de Ferdinando Scianna, journaliste et photographe italien (Magnum Photos). Elle se dédie entièrement au récit visuels, et se concentre sur les thèmes sociaux et culturels.

En 2015, elle reçoit une bourse du festival international Photoreporter en Baie de Saint-Brieuc pour travailler sur le thème des féminicides en Italie. Elle y expose son travail en octobre 2015 et, depuis, dans de nombreux festivals et galeries.

Elle travaille actuellement sur plusieurs projets et a créé, avec Francesca Loprieno, L’esprit d’escalier, un binôme artistique qui s’occupe de création, d’édition et de projets pédagogiques. 

Lydie Bodiou, historienne. 

Maître de conférence d’histoire ancienne à l’université de Poitiers, ses travaux portent sur l’histoire des femmes et du genre, l’histoire du corps et des pratiques sociales et culturelles et particulièrement sur les violences faites aux femmes.

Elle est l’auteur de plusieurs ouvrages dont dernièrement L’ Antiquité écarlate. Le sang des Anciens en collaborations (PUR, 2017) et elle a dirigé le Dictionnaire du corps dans l’Antiquité (PUR, 2019).

Frédéric Chauvaud, historien.

Professeur d’histoire contemporaine à l’université de Poitiers et spécialiste de l’histoire de la justice, de la violence, des femmes et du corps, il a publié une dizaine de livres dont récemment Pranzini, tueur de femmes (Georg éditons, 2019) et dirigé en collaboration une quarantaine d’ouvrages : Les veuves (Publications de la Sorbonne, 2019), Les corps grotesques (PUR, 2019), Les corps défaillants (Imago, 2019).

Lydie Bodiou et Frédéric Chauvaud ont publié ensemble : Le corps en lambeaux. Violences sexuelles et sexuées faites aux femmes (PUR, 2016), Le Féminicide. Histoire et actualités (Hermann, 2019) et Les violences en famille. Histoire et actualités (Hermann, 2020)

Conception graphique et typographie : Juanma Gomez 

Extrait du communiqué de presse

Giuliano Ruffini, son fils Mathieu et Lino Frongia, peintre, sont  soupçonnés par une juge française d’avoir fabriqué et diffusé  des dizaines de tableaux apparus depuis trente ans en Europe  et en Amérique. 

Ce livre retrace quatre ans d’enquête. Il raconte les péripéties de ces peintures à travers le monde, expose l’ingéniosité  technique des faussaires et les arguments contradictoires  des examens scientifiques et décrit des personnages hauts  en couleur gravitant autour de ce commerce. Il révèle ainsi la  face inquiétante d’un monde de l’art aux pratiques tortueuses  et dans lequel des millions d’euros changent de mains avant  de se volatiliser.

À des degrés divers, de grandes institutions tels Le  Metropolitan Museum de New York, le Getty, la National Gallery  de Londres, le Louvre, le Kunsthistoriches Museum de Vienne  ou le musée de Parme sont impliquées. Sotheby’s ou Christie’s à Paris, Londres et New York ; de prestigieuses galeries londoniennes, parisiennes et munichoises ; de grands experts à  travers l’Europe et les États-Unis se retrouvent aussi mêlés au  plus gros scandale qu’a jamais connu le monde de l’art.

Quatrième de couverture :

La saisie en 2016 d’une Vénus au voile attribuée au maître de la Renaissance Lucas Cranach, de la collection du prince de Liechtenstein, révèle un scandale comme le monde de l’art n’en a jamais connu. L’un après l’autre, des tableaux passent sous le microscope de laboratoires américains et européens. Brillantes contrefaçons d’un maître faussaire ? Authentiques chefs-d’œuvre du passé ? Ou tout simplement honorables copies d’époque ? Pendant cinq ans, à travers la France, l’Italie, le Royaume-Uni et les États-Unis, Vincent Noce enquête pour retracer l’origine de ces tableaux et c’est ainsi qu’il rencontre un homme retiré en Émilie, Giuliano Ruffini. Il proclame son innocence, mettant en cause marchands, experts, conservateurs et historiens d’art. Vrais ? Faux ? Chacun des protagonistes livre sa part de vérité dans une affaire passionnante qui ébranle tous les fondements du marché et de l’histoire de l’art.

L’auteur :

Vincent Noce est journaliste, écrivain, correspondant de The Art Newspaper à Paris et consultant éditorial de La Gazette Drouot, il a été pendant vingt ans critique d’art et journaliste d’investigation au service culture de Libération.

Extrait du communiqué de presse

Littéralement harmonie, Hexie Hao est le récit imagé d’un voyage en terre chinoise traversée au rythme fou des trains éponymes. Par la fenêtre, rêvassant pendant des heures, j’ai vu défiler les kilomètres de campagne, mouchetée par des milliers de bloc habités.

Abandonnant ma monture d’acier au rythme des arrêts, j’ai arpenté de long en large les coulisses de ce grand spectacle, me perdant dans la fureur et les contrastes extrêmes des mégalopoles chinoises, et m’enivrant de la beauté brute des paysages.

De Pékin à Shanghai, en passant par Pingyao et les rizières en terrasse de Longji, les sels d’argent conserveront à jamais les beaux instants de ce voyage initiatique.

[…]

Jean-Luc Feixa

Fanzine en édition limitée à 50 exemplaires, signés et numérotés. Imprimé sur papier noir, 14,8 x 21 cm, 25 images, 56 pages, en français, design Mathieu Van Assche. Pour plus d’informations  jlfeixa@gmail.com

Extrait du communiqué de presse

La plupart des artistes ont, un jour, représenté le motif de la main, symbole absolu de la création. Nombreux aussi sont ceux pour qui la main en tant que sujet à part entière est un thème récurrent. Cette observation a inspiré Cécile Poimboeuf-Koizumi — éditrice et fondatrice de Chose Commune — à rassembler les oeuvres qui ont attiré son regard, sans suivre d’ordre thématique ou chronologique. La sélection a été réalisée en collaboration avec Stephen Ellcock, qui s’est fait connaître ces dernières années en rendant la galerie d’art accessible au grand public avec sa fabuleuse collection d’images qu’il partage tous les jours sur Instagram et Facebook. De Pablo Picasso à Helena Almeida, de Louise Bourgeois à Alberto Giacometti, de John Baldessari à Francesca Woodman, en passant par une multitude de trésors de l’Antiquité et documents de l’imagerie populaire, Jeux de mains confronte et mélange artistes célèbres, émergents et anonymes aux pratiques artistiques les plus diverses. Il en résulte une collection de plus de cent images, compilée de manière intuitive dans ce livre qui est désormais entre vos mains.

Note : Ce livre a été relié à la japonaise. Les pages n’ont pas vocation à être découpées. En les entrouvrant délicatement, vous découvrirez à l’intérieur les informations de chacune des oeuvres.

Extrait du communiqué de presse

Roches, Littoral de la Manche : Recueil de photographies de roches parsemant les paysages des littoraux de la Manche, dans le Hampshire, le Dorset, le Sussex, les Cornouailles, le Devon, le Finistère, les Côtes d’Armor, la Manche, le Calvados, le Pas-de-Calais ou encore la Seine-Maritime.

Avec les textes  du philosophe Gilles A. Tiberghien, des géologues Patrick De Wever (Muséum National d’Histoire Naturelle) et Marc Fournier (Sorbonne Université). Conception graphique : Marine Le Thellec, français/anglais, 100 pages, 21×26 cm, Editions Gwinzegal, décembre 2020.

Ces Blocs de temps figé (extraits) – Gilles A. Tiberghien

En allant, du côté français, de Calais à Brest et en passant par Varengeville, la pointe du Hoc, le cap Levi dans le Cotentin et nombre de bourgades du Finistère et des Côtes-d’Armor, Aurore Bagarry a photographié un paysage « à bout portant », pour employer une expression que peut justifier la notion de tir photographique, mais qui dit bien la sensation de brutale mise en présence ressentie lorsque l’on regarde ces images. En Angleterre, sur l’autre rive de la Manche, de la même façon, l’artiste a symétriquement parcouru la côte vers l’ouest en partant d’Eastbourne jusqu’au cap Lizard en Cornouailles, pour, parvenue à l’extrémité de la péninsule, revenir vers Maer Cliff près de Bude, au nord-ouest du Dartmoor National Park, face au pays de Galles.

Ce que l’on voit ici est d’une nature indéterminée et tient aussi bien du relevé topographique que de la photographie de paysage. Très peu de ciel, voire pas du tout dans ces images qu’il est quasi impossible de situer si l’on n’a pas repéré sur une carte l’endroit où elles ont été prises. Que l’on soit en France ou de l’autre côté de la Manche, rien ne permet de le comprendre vraiment.

La côte semble une gigantesque palette sur laquelle la mer a essayé ses couleurs : les mauves se marient aux jaunes et aux verts de chlorophylle et de boue mêlées, les ocres lépreux bourgeonnent de buissons nains, les gris entaillés de dépressions bleuâtres semblent s’incliner sous la poussée des vents, les grès sombres veinés de rose se découpent sur le ciel gris, les falaises dressent le profil crénelé de leurs murailles blanches décapées par le sel, leurs tourelles coiffées de gazon ras, parfois maculées de lichen sombre, ou striées de bandes verticales dessinées par les eaux de ruissellement.

Gilles A. Tiberghien

Extrait du communiqué de presse

Livre d’artiste rassemblant 27 photographies d’Antoine d’Agata et 25 œuvres graphiques de Francis Bacon, cet ouvrage bilingue français-anglais, présenté sous la forme d’un double livre, établit un parallèle artistique entre le travail contemporain du photographe Antoine d’Agata et la peinture expressionniste du peintre Francis Bacon.

Les deux livres reliés ensemble se consultent côte à côte, permettant de créer un vis à vis entre les oeuvres des deux artistes. Les textes se présentent sur des cahiers autonomes permettant de lire le texte tout en parcourant le récit visuel.

« Bacon [d’Agata] ne dit pas « pitié pour les bêtes » mais plutôt tout homme qui souffre est de la viande. La viande est la zone commune de l’homme et de la bête, leur zone d’indiscernabilité, elle est ce « fait », cet état même où le peintre s’identifie aux objets de son horreur ou de sa compassion. »
Gilles Deleuze

Deux univers artistiques en correspondance

« La première exposition de peintre que j’ai visitée est une rétrospective de Bacon au MoMA en 1989. Ce fut un choc dont je ne me suis toujours pas remis. »
Antoine d’Agata

Antoine d’Agata est un photographe qui vit à la limite. Il s’immerge dans ses univers personnels, jusqu’à les épuiser. Il transforme la réalité à l’aide du temps, et nous montre des faits, des évènements, des textures mélangées ou des couleurs diffuses qui façonnent des formes humaines qui se perdent. On perçoit dans certaines oeuvres de Francis Bacon ces photographies de d’Agata, les mêmes mondes pleins de clair-obscur, de hauts et de bas continus vers l’enfer, et cette tentative d’allonger le moment d’allégresse ou de solitude.

La déformation des corps, provoquée par le tremblé des images, va-t-elle jusqu’à leur déshumanisation familière du peintre ? Antoine d’Agata ne refuserait sans doute pas de l’affirmer. N’est-ce pas précisément l’animalité qu’il revendique avec insistance des rapports sexuels qu’il photographie. Gilles Deleuze, philosophe, aurait parlé de son « devenir-animal », d’un devenir-chien, pour être précis. Partie intégrante de son travail, l’homme et l’oeuvre luttent pour exister. Une lutte chromatique qui n’est pas sans rappeler les couleurs de Francis Bacon dont on retrouve aussi les chairs déformées, comme écartelées-évaporées.

Il y aurait donc une zone franche pour laquelle le corps serait un champ d’intensité, d’action et de tension. Le photographe et le peintre ont choisi la nuit des chambres closes comme moyen d’accès à cette matrice énergétique, à la fois créatrice et destructive.
Léa Bismuth

Les artistes :

Le peintre Francis Bacon (1909 – 1992) figure parmi les plus célèbres artistes britanniques du XXe siècle. Loin de l’abstraction qui domine les années 1950, la peinture de Francis Bacon, profondément nourrie par le tempérament dépressif de l’artiste, semble être le reflet de ses angoisses et de ses drames. Particulièrement intéressé par le thème de l’existence, qu’il perçoit comme douloureuse, l’artiste dévoile son génie dans la réalisation de triptyques, notamment Trois études de Lucian Freud qu’il réalise en 1969. Bacon est l’auteur d’une oeuvre expressionniste fortement influencée par la relecture des grands maîtres du passé.

Antoine d’Agata, né en 1961, est un photographe et cinéaste français. Son travail, principalement centré sur les thèmes du corps, de l’errance, de la marginalité et de la prostitution, veut interroger le spectateur sur sa propre perception de la réalité. Représenté à de nombreuses reprises lors d’expositions individuelles et collectives, d’Agata a été lauréat du prix Niépce en 2001. Depuis 2004, il est membre de l’agence Magnum Photos.

Extrait du communiqué de presse

Figure de la photographie contemporaine française, d’abord connu dans les années 1980 pour faire partie du mythique et sulfureux trio Noir Limite (avec Florence Chevallier et Jean-Claude Bélégou), Yves Trémorin construit depuis plusieurs décennies une oeuvre rigoureuse dans ses procédures comme ses procédés.

Dans une pratique à l’origine autant qu’à la marge et au coeur de son travail, il n’a eu de cesse, depuis plus de 40 ans, de photographier sa compagne Monique. Plusieurs séries ont ainsi vu le jour, souvent exposées ou reproduites de façon parcellaire : “Les Amants magnifiques”, “Chambre close”, “Un dimanche” ou encore “Monica”. Elles sont enfin publiées intégralement dans cet ouvrage, accompagnées de nombreuses photographies inédites des années 1980 et 1990, sélectionnées avec Yves Trémorin dans ses archives, montrant leur processus de travail comme autant d’esquisses et de croquis préparatoires.

À travers la pratique photographique intime de l’artiste, qui construit le portrait “de Monique à Monica”, compagne, actrice ou mythe, ce livre montre comment une relation amoureuse et photographique a constitué les prémices des axes majeurs de son oeuvre.

Ce livre, né sur une proposition de Caroline Bénichou (galerie VU’), comporte un entretien d’Yves Trémorin avec Michel Poivert.

Extrait du communiqué de presse

Étrange objet que la mémoire. Dont il nous faut rendre compte à l’aide de deux autres objets non moins délicats : la pensée et le langage.

Plus qu’un livre autobiographique ou historique, « Après, on oublie » est un livre sur la mémoire. Il relate donc des histoires et suit leur modification au cours du temps.

Ce qui s’y raconte se transforme, se perd, se retrouve, se recouvre, opérant pour le lecteur le même travail que celui qui s’effectue dans la mémoire du narrateur.

C’est là que réside la seule vérité de ce livre. Celle d’un moment et d’une conscience. Au fond, c’est un livre qui fait l’expérience de la mémoire.

Après, on oublie.

Les origines du projet

« J’ai rencontré Bruno Dubreuil à Metz où il venait présenter son récit “Katyn ou les retournements de la mémoire” », se souvient Claire Jolin. « J’étais fascinée par le mode de lecture foisonnant qu’il avait créé dans son installation exposée à Paris en 2017. On avait l’impression de rentrer dans un cerveau. »

Bruno Dubreuil : « Des histoires de famille, nous en avons tous. Les miennes ont pour cadre des évènements marquants de la Seconde Guerre mondiale : les camps de concentration, le massacre des soldats polonais à Katyn (la branche maternelle de ma famille est germanopolonaise). Mais ce qui m’intéresse surtout, c’est la façon dont les histoires se modifient et dont l’histoire ne cesse de se réécrire (des évènements qui résonnent dans un présent tiraillé par les révisionnismes historiques). C’est un voyage dans la conscience individuelle et collective. »

En 2018, Bruno Dubreuil expose un nouveau chapitre de son récit, plus photographie : “Oświęcim ou le périmètre de la mémoire”. De grands panneaux implantés en quinconce dans un jardin public en permettaient une lecture non linéaire. « En parallèle de cette exposition, j’ai édité un petit livret qui relatait surtout l’histoire de manière chronologique », raconte Bruno. « Oui, tu me l’as offert. », se souvent Claire Jolin. « Mais je dois avouer qu’il lui manquait quelque chose : selon moi, il était dommage de se contenter d’adapter les panneaux d’exposition aux pages du livre. Avec l’objet-livre, on pouvait proposer une expérience de lecture plus riche ».

Pourquoi un livre-objet ?

Bruno Dubreuil : « En tant qu’éditrice, Claire Jolin travaille particulièrement sur la relation photo-texte, laquelle est au coeur des mes propres projets. “Fensch”, son livre précédent, possédait aussi une dimension expérimentale qui m’intéressait beaucoup : ce n’est pas seulement un livre de photos et de texte, c’est un livre dont la manipulation transforme le lecteur en acteur. Enfin, je savais que les échanges professionnels seraient féconds. »

« Quand nous avons commencé à travailler ensemble sur ce récit photographique, je me suis vraiment rendue compte de la puissance d’écriture – photographique et littéraire – de Bruno »

Extrait du communiqué de presse

Si certains musées ont consacré des expositions et des publications à l’oeuvre photographique d’ethnologues, apprentis ou confirmés, tels que Martin Gusinde, Jean Rouch ou Pierre Verger, il n’existe aujourd’hui que peu d’ouvrages consacrés à une photographie contemporaine, qui se situerait au croisement de l’anthropologie, de la photo documentaire et de la photo d’art. Faite d’allers retours entre différentes disciplines, cultures et époques, la pratique photographique de Catherine De Clippel s’est plus particulièrement intéressée aux cultes vodou d’Afrique de l’Ouest. C’est en collaborant, à la fin des années 1980, avec les anthropologues Marc Augé, Jean- Paul Colleyn et Jean-Pierre Dozon, pour la réalisation d’une série de films documentaires, que la photographe se forme progressivement à l’anthropologie et à ses pratiques.

Le nouvel ouvrage que les éditions de la MSH consacrent au travail de Catherine De Clippel réunit 80 photographies, prises entre la fin des années 1980 et aujourd’hui, autour des cultes vodou au Togo et au Bénin, entre continuités et évolutions. S’il est avant tout un livre de photographies, cet ouvrage entend capter les différents aspects de l’oeuvre de Catherine De Clippel, dont le regard a été fortement influencé – si ce n’est ciselé – par son expérience du terrain ethnographique. Un entretien avec la photographe, ainsi que deux textes, l’un se penchant sur la dimension historique, artistique et esthétique de ses images (écrit par le conservateur de musée et commissaire d’exposition François Cheval), et l’autre sur leur contexte anthropologique (Jean-Paul Colleyn, anthropologue) accompagnent les photos.

Cet ouvrage offre ainsi une bonne introduction aux vodous, ces objets de culte qui suscitent aujourd’hui un intérêt nouveau dans le contexte de la restitution des oeuvres d’art aux pays du continent africain. Quant au texte de François Cheval, qui convoque tour à tour Claude Lévi-Strauss, Frantz Fanon, Aimé Césaire, Aby Warburg ou Constantin Brancusi, il constitue un véritable essai en soi sur la photographie.

Les auteurs 

Catherine De Clippel est une photographe, réalisatrice et productrice de films documentaires ayant principalement travaillé en Afrique de l’Ouest. Elle a exposé ses photographies en France et à l’étranger et publié de nombreux ouvrages en collaboration avec des musées.

Formé à l’histoire et à l’ethnologie, François Cheval exerce la fonction de conservateur de musée depuis 1982. De 1996 à 2016, il a dirigé le musée Nicéphore Niépce, consacré à la photographie, à Chalon-sur-Saône. En parallèle, il poursuit ses activités de directeur artistique (fondateur de la résidence BMW, Prix HSBC pour la photographie) et de commissaire d’expositions (MuCEM, Kyotographie, Rencontres d’Arles, etc.). Il est aussi le cofondateur et codirecteur du nouveau Lianzhou Museum of Photography, premier musée public dédié à la photographie en Chine. Il est aujourd’hui directeur artistique du Centre de la photographie de Mougins (Alpes-Maritimes) et dirige The Red Eye, qui a pour objet de promouvoir, défendre et valoriser la photographie sous toutes ses formes.

Jean-Paul Colleyn est anthropologue, chercheur à l’IMAF, l’Institut des mondes africains (CNRS-IRD-EHESS-Univ. Paris I-EPHE-AMU). Ses travaux portent principalement sur les pratiques religieuses au Mali, les cultes de possession en Afrique, l’anthropologie de l’art et l’anthropologie visuelle. Il est l’auteur d’une trentaine de documentaires ethnographiques. Jean-Paul Colleyn est également l’auteur de nombreux ouvrages, dont L’Anthropologie avec Marc Augé (PUF), Bamana. Visions d’Afrique (Éditions 5 continents), Le Regard documentaire (Éditions du Centre Pompidou).

Extrait du communiqué de presse

Cet entretien est édité à l’occasion du prix d’honneur Aware qui a été remis à Jacqueline de Jong en 2019. Réalisé la même année, il permet de revenir sur les contextes de création de ses œuvres, son appartenance à l’Internationale Situationniste, son rôle d’éditrice du Situationist Times et sa participation aux événements de Mai 68, jusqu’à ses plus récents travaux — peintures, collages, livres ou bijoux. Membre de l’IS, proche du groupe SPUR et du mouvement CoBra, Jacqueline de Jong s’affranchit peu à peu de ces influences et développe un style personnel, une peinture topologique. Son œuvre mêle érotisme, violence et humour, confond souvent l’homme et l’animal, et joue avec les limites de l’humanité. Elle peut évoquer la banalité et la brutalité d’une scène de billard, la noirceur de l’histoire, ou la joyeuseté du jardin. Jacqueline de Jong a traversé avec liberté, désobéissance et engagement l’avant-garde des années 1960 comme le retour à la peinture des années 1980.

Introduction par AWARE

« Je n’étais pas une grande philosophe quand je faisais de la peinture. J’étais plutôt terre à terre (sauf quand je partais dans le cosmos…). Ce prosaïsme s’incarne dans cette forme de violence que l’on retrouve aux différentes étapes de ma peinture, jusque dans les séries plus récentes autour de la guerre. »

Le 6 novembre 2020 parait en librairie le deuxième ouvrage de la collection Prix d’honneur AWARE consacré à Jacqueline de Jong, lauréate du prix d’honneur en 2019, en parallèle de son exposition Same Players Shoot Again : Jacqueline de Jong et The Situationist Times qui se tient au Treize à Paris. Cette discussion est menée par Gallien Déjean, critique d’art et commissaire d’exp­sition indépendant.

La collection d’entretiens est lancée en parten­riat avec Manuella Éditions pour l’ensemble des artistes lauréates du prix d’honneur depuis sa création, avec l’objectif de leur donner une visibilité et faire entendre leur parole. Ces entretiens viennent ainsi couronner leur carrière.

En novembre 2019 est paru le premier ouvrage de la collec­tion consacré à Nil Yalter. S’ensui­vront les ouvrages dédiés à Judit Reigl (lauréate 2017), Vera Molnár (lauréate ex-aequo en 2018), Marie Orensanz (lauréate 2020) et Esther Ferrer (lauréate du prix Marie Claire-AWARE en 2016).£
https://awarewomenartists.com/prix_aware/

Extrait du communiqué de presse

Une promenade visuelle et littéraire au coeur de l’âme et de l’esthétique japonaises.

Contempler, errer, tracer, apparaître, hanter… En cinq chapitres et plus de 180 images, ce livre dessine une géographie sensible du Japon : on y parle de l’impermanence des choses (wabi sabi), de la beauté cachée du monde (yûgen), de la pénombre qui dissimule tout autant qu’elle dévoile ou encore du souvenir de contes anciens. Autant de thèmes chers à l’esthétique japonaise, ici révélés par les oeuvres des maîtres (Kitagawa Utamaro, Suzuki Harunobu…), ou encore celles d’artistes contemporains comme Takesada Matsutani ou Toko Shinoda.

Dessins à l’encre de Chine, peintures sur rouleaux, estampes, lithographies, photographies se succèdent en une promenade visuelle propice à la rêverie. De courts textes explicatifs, des haïku, des extraits littéraires soigneusement choisis les accompagnent et éclairent les notions esthétiques, concepts philosophiques et oeuvres emblématiques. Un livre pensé comme un dictionnaire amoureux où chaque image, chaque texte est une rencontre au coeur de l’âme japonaise.

L’auteure : 

Sandrine Bailly, auteure, éditrice de beaux livres et professeur de lettres, est diplômée du Master of art en études japonaises de la School of African and Oriental studies (Londres). Son domaine d’étude est la littérature japonaise contemporaine, en particulier la représentation du corps dans la littérature féminine. Elle est l’auteur d’un roman, La Serre, paru en 2004 aux Éditions du Rouergue et de deux beaux livres publiés aux Éditions de La Martinière : Une saison au Japon (2009) et Roses (2010).

Extrait du communiqué de presse

« Le 9 février 2015, elle a fêté ses 80 ans. 
Elle a encore dansé, elle a encore ri. 
Le 13 février 2015, elle est partie. Elle l’avait décidé.
Elle souffrait d’une pathologie lourde. »

Catherine Rombouts est photographe, Christiane était sa mère. Sophie Richelle est historienne.

Elles racontent, dans un livre à deux voix, en images et en textes, la fin de vie de Christiane. En Belgique, l’euthanasie est permise dans le cadre strict de la loi depuis 2002. Ce livre offre un aperçu des réalités qu’elle recouvre. Pour Christiane et pour d’autres, la possibilité de ce choix a permis une mort plus digne, en accord avec leur définition de la vie.

Les photographies de Catherine Rombouts, qui a suivi et accompagné sa mère jusqu’a ses derniers instants, se mêlent aux photographies familiales, aux objets du quotidien, traces d’une vie accomplie. Les textes de Sophie Richelle, rédigés à partir de témoignages et d’éléments plus informatifs et chiffrés, mettent en perspective les histoires singulières et collectives d’euthanasie.

Entre des questions morales, religieuses et politiques, l’euthanasie divise les Européens et entraîne des débats passionnés dans les pays tentés par la légalisation. La Belgique, les Pays-Bas et le Luxembourg ont sauté le pas et autorisé la pratique dans un cadre strictement défini. En France, l’euthanasie, tout comme le suicide assisté, demeurent proscrits par la loi, même si, depuis 2016, la loi Claeys-Leonetti donne droit à « la sédation profonde et continue jusqu’au décès ». Dans ce lourd débat, ravivé par des cas très médiatisés (Vincent Humbert, Chantal Sébire, Vincent Lambert, Anne Bert et Alain Cocq encore plus récemment), l’opinion publique semble aujourd’hui avoir évolué et les enquêtes d’opinion montrent qu’une nette majorité se dégage en faveur de l’euthanasie.

Cet ouvrage, poignant et sensible, a pour ambition de faire avancer le débat au sein de notre société.

Actualité : Le livre Le grand jour de Catherine Rombouts est lauréat du PRIX HIP 2020 • PREMIER LIVRE http://www.prixhip.com

La photographe

Née en 1963, Catherine Rombouts vit et travaille à Bruxelles.

En parallèle à son travail de peinture qu’elle pratique au sein du collectif Atelier5 depuis une vingtaine d’années, Catherine Rombouts découvre la photographie dans les années 2000 lors de stages. Très rapidement le plaisir de la rencontre lui donne l’envie de s’inscrire à l’atelier Contraste (Bruxelles) pour y développer son travail. Depuis, elle explore par la photographie des problématiques sociétales et des parcours individuels. Elle questionne les notions de mémoire collective ou personnelle.

L’auteure des textes

Sophie Richelle est docteure en histoire de l’Université du Luxembourg.Ses recherches croisent les notions d’espaces et d’expériences.

Avec les contributions de : Nathalie Debernardi et Laurence Rosier

Extrait du communiqué de presse :

“J’ai réalisé, en travaillant sur mes archives personnelles, qu’il existait très peu d’images de mes parents avant leur mariage, un désert iconographique expliqué par le fait qu’ils sont nés dans les années 1930 dans un Maroc encore sans eau courante ni électricité. Les rares photographies détenues par ma grand-mère étaient verrouillées à double tour pour ne pas évoquer le drame causé par la perte accidentelle d’un de ses fils.Une chape de silence avait frappé d’interdit cette vie antérieure. Je me suis retrouvée orpheline d’images du passé.

Je collectionne les photographies anonymes que j’achète dans les brocantes. Je suis aimantée par ce bonheur qui s’affiche au garde-à-vous sur ces photos, par ces gens que je ne connais pas et qui ont existé, aimé et disparu. Ils sont des fantômes qui me suivent sans bruit et je me les approprie pour construire un album de famille imaginaire afin de réparer l’oubli.

Je reconstruis la mémoire de ma famille qui m’a manqué, je m’en invente une autre sur mesure où je ressuscite tous les ascendants qui ont disparu, les territoires que je n’ai pas connus et qui m’ont été vantés.

Ces rebuts, cédés pour quelques euros sur le bord du trottoir parce que les héritiers n’en veulent plus, changent de statut par un geste, l’application de la feuille d’or sur la photographie. En masquant une partie de l’image, et plus spécifiquement les visages de ces fantômes, je décuple les projections possibles.

L’or est un métal inoxydable. L’à-plat doré opère à la fois comme une oblitération et une surface brillante sur laquelle se réfléchissent nos propres visages.

Je choisis des photographies qui évoquent quelque chose de déjà-vu, une pose familière, des moments heureux qui illustrent toutes ces fables racontées sur les ancêtres. Ce bonheur ritualisé au fil des évènements renvoie aux mensonges sur le mythe familial. Il évacue la matière noire liée à la famille, justement absente de ces photographies-là.

Afin de démentir ce bonheur idéal, je note au bas des photographies de cet album imaginaire, des souvenirs personnels et douloureux qui parlent de difficulté à se construire une vie heureuse « comme sur les photos ».

Je tape ces souvenirs sur un clavier dont des touches sont inopérantes à cause d’un café que j’y ai accidentellement renversé, tout comme Hölderlin qui a volontairement enlevé certaines cordes de son piano et joue sans savoir lesquelles sont manquantes. Les souvenirs que je relate deviennent opaques, incompréhensibles pour le lecteur. Mais à l’instar de ces photographies qui disent l’impossibilité de l’identification, je construis des souvenirs absents.

Utiliser ces images est une façon de vivre par procuration et de reconstituer une vie rêvée. Néanmoins, l’intervention à la feuille d’or crée des trous de mémoire et impose une distance, ce qui fait que je ne suis pas dupe du mensonge qu’elles affichent.

Travailler sur ces photographies permet de faire le deuil de cette vie de famille idéale. Reprendre un à un tous les anciens fantasmes concernant ces projections et les démonter rend cette mort symbolique supportable.“

Carolle Bénitah

Actualité : Le livre Jamais je ne t’oublierai de Carolle Bénitah est lauréat du PRIX HIP 2020 • MONOGRAPHIE ARTISTIQUE
http://www.prixhip.com

L’artiste

Née à Casablanca (Maroc), Carolle Bénitah vit et travaille à Marseille (France).

J’ai commencé à pratiquer la photographie au début des années 2000 suite à des remises en cause personnelles très fortes. La dimension fragile de la vie s’est imposée à moi et la photographie a fonctionné comme une béquille existentielle. Face à une réalité difficile à appréhender – comme la maladie dans la série Autoportrait au rideau rouge (2002), ou encore dans la série Un parterre de roses (2001-2008), la photographie a agi comme un nouvel organe de sens. D’emblée, j’ai placé ma pratique dans le champ de l’intime. Aujourd’hui, mon travail débouche sur des sujets plus ouverts comme la famille, le désir, la perte, le deuil et l’enfermement et touchent à l’universel. Je cultive une approche protéiforme de la création en développant des installations à travers lesquelles j’interroge l’identité, la construction de soi. J’utilise des matériaux qui peuplent l’univers domestiques (napperons, mouchoir avec monogramme brodé, torchon, drap de trousseau…). À travers les objets triviaux que je crée et brode, je renverse la hiérarchie des arts.

Extrait du communiqué de presse

Michaël Serfaty est gynécologue. Depuis 30 ans, il accueille des femmes dans son cabinet. Il est également photographe. Au fil des années, il a recueilli les mots des femmes, des phrases de peine, de tristesse, de souffrance, dans leur corps, dans leur vie, dans leur coeur. Des phrases qui le bouleversaient. Il a ouvert un cahier et y a déposé ces mots pour en faire des images, avec ses photographies, mais aussi avec de l’encre, du fil, de la peinture… Le cahier est devenu un objet énorme, gonflé de secrets, de hontes et de blessures. Impossible à tenir, ni à parcourir. Il lui avait échappé.

Il est évident que les visages qui apparaissent dans cet ouvrage ne peuvent en aucun cas être ceux des femmes qui ont prononcé ces phrases. Ce sont les visages de femmes amies qui ont soutenu chaleureusement le projet en prêtant leurs traits et leur patience. Ces mots sont universels, ils appartiennent à la communauté humaine. Pour en ressentir toute l’émotion et la puissance, il n’est pas nécessaire d’être en souffrance. Il n’est même pas nécessaire d’être une femme. 

Michaël Serfaty ne trahit pas, il témoigne, il ne révèle pas, il s’insurge, il ne dévoile pas, il crie : « Je vous écris avec la chair des mots ».

Je vous écris avec la chair des mots est publié par Arnaud Bizalion éditeur, photographies, textes et montages visuels Michaël Serfaty, préface de Sylvie Hugues et dialogues de Marie Darrieussecq*.

*Le carnet Dialogues, inséré en fin du livre présente des extraits de textes de Marie Darrieussecq 

« Les femmes sont les mêmes, dans mon cabinet de gynécologie et dans les romans de Marie Darrieussecq. Son engagement pour le féminin, ses errances, ses naïvetés, ses engagements ultimes, ses croyances, ses illusions. J’avais besoin de cette autorité-là qui puisse me soutenir, cautionner mon approche, me rassurer à me dire que ce travail n’était pas une lubie, que mon propos et mon combat pour les femmes avaient un sens, méritaient d’être défendus.

J’aurais aimé savoir lui donner envie. Elle m’a répondu. Qu’elle aurait aimé me dire oui. Mais qu’elle était malheureusement obligée de me dire non. Ses propres limites disait-elle. Je me suis écroulé… puis relevé. J’ai insisté.

Cher Michaël, me répondit-elle, je ne peux pas vous aider. Vous êtes seul face à votre page. Mais déjà le recueil que vous faites de certaines phrases de mes romans, mêlées au vôtre, donne un texte. Continuez ?

Je veux ici la remercier de tout mon coeur, de cette générosité, de cette confiance, de cette autorisation inouïe à utiliser ses textes comme une matière vivante, pour donner encore de la chair à ce projet fou. »

Michaël Serfaty

L’intérieur du corps nous reste inconnu.

Nous n’y avons jamais accès, il faudrait être chirurgien de soi-même, 

ou artiste peut-être. 

Ou mort.

Que faire maintenant, que faire de tous ces bouts de corps ? 

Marie Darrieussecq – écrivaine

Expositions à venir [2021] Je vous écris avec la chair des mots

Hôtel de Sauroy, Paris / 22 mars – 9 avril 2021

Marseille / automne 2021

Bruxelles / hiver 2020-2021

L’artiste-auteur Michaël Serfaty

Né à Casablanca en 1959. Ses images ont fait l’objet de nombreuses expositions personnelles et collectives en France et à l’étranger. Il a publié Aix ou le Bleu des Pierres chez Edisud, De 0 à 5 jours chez Ellebore, La Contrevoie chez Al Dente/La Non Maison, et Les Bras du Séquoia chez Arnaud Bizalion Editeur. En 2019 Michaël Serfaty est lauréat du Prix Polyptyque/ Marseille, 2019.

Il s’est donné le temps de dépasser graduellement la surface des lieux et des individus, se concentrant sur l’exploration des strates qui constituent une vie. Celle des origines, de la mémoire, des saveurs de la vie, même les plus amères. Son travail s’inscrit peu à peu dans le champ des nouvelles écritures photographiques, fusionnant les disciplines passionnelles qui ont construit son existence, sa carrière de médecin auprès des femmes et la photographie.

Michaël Serfaty est représenté par l’agence révélateur (Paris).

Extrait du communiqué de presse

Une fabuleuse somme collective, un livre manifeste, un ouvrage de référence.

Cet ouvrage illustré par 450 images, présente les œuvres de 300 femmes photographes du monde entier, de l’invention du médium jusqu’à l’aube du XXIe siècle. Rares sont celles dont les noms sont parvenus jusqu’à nous, disparaissant du récit de la création au profit des « grands maîtres ».

L’effacement des femmes dans l’histoire de la photographie résulte d’une longue tradition de discrédit. Créatrices originales et autonomes, elles n’ont pourtant cessé de documenter, d’interroger et de transfigurer le monde, démontrant que l’appareil photo peut être un fantastique outil d’émancipation. Aucune expérimentation ni aucun fracas des XIXe  et XXe siècles ne leur ont ainsi échappé. Pour restituer la diversité des parcours de ces femmes photographes, Luce Lebart et Marie Robert ont invité 162 autrices de différents points du globe à nourrir cet ouvrage manifeste.

La recherche dirigée par Marie Robert et Luce Lebart a été réalisée grâce au soutien des Rencontres d’Arles et de Women In Motion, un programme de Kering qui met en lumière la place des femmes dans les arts et la culture.

Cet ouvrage bénéficie du soutien du ministère de la Culture, du ministère délégué chargé de l’Égalité entre les femmes et les hommes, de la Diversité et de l’égalité des chances ainsi que de la région Île-de-France.

Actualité – Dans le cadre de Femmes photographes – Une histoire de la photographie à réinventer – Une proposition de Fannie Escoulen, commissaire d’exposition indépendante spécialisée en photographie contemporaine. Quatre rendez-vous sur Instagram live, du 11 au 14 novembre, à 11 h, à suivre sur @ParisPhotoFair.

Le 14 novembre 2020 à partir de 14 h 15

Discussions et rencontres autour de la sortie de l’ouvrage manifeste Une Histoire mondiale des femmes photographes (éditions Textuel). Une somme collective, codirigée par Luce Lebart et Marie Robert, présentant les oeuvres de 300 femmes photographes du monde entier, de l’invention du médium jusqu’à l’aube du XXIe siècle.

à 14 h 15

Introduction de la rencontre par Agnès Saal, haute fonctionnaire à la diversité et à l’égalité au ministère de la Culture.

de 14 h 30 à 15 h 30

Discussion entre Luce Lebart, historienne de la photographie, commissaire d’exposition et chercheuse pour la collection Archive of Modern Conflict, et Marie Robert, conservatrice en chef au musée d’Orsay, avec Marianne Théry, directrice des éditions Textuel. Modération par Fannie Escoulen. Diffusion en live sur Youtube. Plus d’infos sur ellesxparisphoto.com.

Luce Lebart est historienne de la photographie, commissaire d’exposition et correspondante française pour la collection Archive of Modern Conflict (Londres-Toronto). Elle a notamment écrit Les Grands Photographes du XXe  siècle (Larousse, 2017) et publié Les Silences d’Atget (Textuel, 2016).

Marie Robert est conservatrice en chef au musée d’Orsay depuis 2011, chargée de la collection de photographies. Elle a été co-commissaire des expositions « Qui a peur des femmes photographes ? » et « Splendeurs et Misères. Images de la prostitution ».

Les 162 autrices : Alix Agret, Andrea Aguad, Line Ajan, Alina Akoeff, Damarice Amao, Bérénice Angremy, Irini Apostolou,, Georgia Atienza, Marie Auger, Sarah Bay Gachot, Marion Beckers, Sophie Bertrand, Hélène Bocard, Clara Bolin, Daria Bona, Joëlle Bonardi, Mattie Boom, Clara Bouveresse, Dominique Brebion, Susanna Brown, Nocebo Bucibo, River Encalada Bullock, Laurence Butet-Roch, Marine Cabos-Brullé, Molly Caenwyn, Yudit Caplan, Éléonore Challine, Virginie Chardin, Héloïse Conésa, Julie Crooks, Marta Dahó, Aldeide Delgado, Lourdes Delgado, Françoise Denoyelle, Delphine Desveaux, Deepali Dewan, Helen Ennis, Esa Epstein, Heloisa Espada, Monika Faber, Adama Delphine Fawundu, Anaïs Feyeux, Kateryna Filyuk, Eva Fisli, Orla Fitzpatrick, Clare Freestone, Lena Fritsch, Susana Gállego Cuesta, Katarzyna Gębarowska, Anahita Ghabaian Etehadieh, Hélène Giannecchini, Marta Gili, Pamela Glasson Roberts, Bettina Gockel, Laura González-Flores, Maria Gourieva, Kristen Gresh, Rebekka Grossmann, Laetitia Guillemin, Natalya Guzenko Boudier, Sophie Hackett, Awel Haouati, Melissa Harris, Sabine Hartmann, Yining He, Charlene Heath, Elina Heikka, Nathalie Herschdorfer, Lisa Hostetler, Candice Jansen, Sabina Jaskot-Gill, Victoria Jonathan, Julie Jones, Maria Kapajeva, Malavika Karlekar, Magda Keaney, Corey Keller, Rym Khene, Sara Knelman, Monika E. Kupfer, Paula Kupfer, Cat Lachowskyj, Anne Lacoste, Annabelle Lacour, Martha Langford, Sylvie Lécallier, Sigrid Lien, Joanne Lukitsh, Anne Lyden, Lola Mac Dougall, Sandra Maunac, Shoair Mavlian, Anne Maxwell, Margarida Medeiros, Ieva Meilutė-Svinkūnienė, Jasmin Meinold, Jeanne Mercier, Christelle Michel, George Mind, Tanvi Mishra, Fulufhelo Mobadi, Elisabeth Moortgat, Gaëlle Morel, Victoria Munro, Federica Muzzarelli, Yasmine Nachabe Taan, Suryanandini Narain, Constantia Nicolaides, Nestan Nijaradze, Érika Nimis, Anne O’Hehir, Pippa Oldfield, Oluremi C. Onabanjo, Daria Panaiotti, Nikoo Paydar, Deniz Pehlivaner, Penelope Petsini, Claudia Polledri, Carolina Ponce de Léon, Karolina Puchała-Rojek, Kateryna Radchenko, Helihanta Rajaonarison, Zsófia Rátkai, Martine Ravache, Scarlett Reliquet, Raisa Rexer, Núria F. Rius, Hilary Roberts, Julie Robinson, Mette Sandbye, Franziska Schmidt, Gabriele Schor, Letta Shtohryn, Æsa Sigurjónsdóttir, Nani Simonis, Agnès Sire, Karen Smith, Abigail Solomon-Godeau, Anna Sparham, Zoë Tousignant, Flora Triebel, Aliki Tsirgialou, Silvia Valisa, Arola Valls Bofill, Pauline Vermare, Dominique Versavel, Hripsimé Visser, Sonia Voss, Francesca Wilmott, Demet Yildiz, Cynthia Young, Oksana Zaboujko, Maria Zagala, Erika Zerwes et Karolina Ziębińska-Lewandowska.

Extrait du communiqué de presse

Enfant, il y a les visages graves et parfois douloureux des adultes qui se taisent quand elle entre dans la pièce, puis des phrases qui arrivent par bribes au fil des ans. Des noms et des lieux qui s’inscrivent dans le souvenir avant même de savoir à qui ou à quoi ils correspondent. Dans cette quête photographique menée entre 2018 et 2020, le fil conducteur est le nom de ces lieux marqués par l’Histoire : Munich, Dachau, Prora, Nuremberg, Prague, Terezin, la Tanière du Loup…

En partant d’un tirage noir et blanc qu’elle rehausse à la peinture à l’huile, Irène Jonas accentue l’absence de repères entre passé et présent, la confusion entre rêve et réalité pour fusionner mémoire intime et mémoire historique.

Les images, outre l’introduction d’Irène Jonas, sont accompagnées des textes de Camille de Toledo, écrivain, et d’Alain Keler, photojournaliste (agence MYOP).

Sociologue et photographe indépendante, elle est membre de l’Agence révélateur depuis 2016. En 2018, elle a reçu le premier prix FotoMasterclass.

Parution de l’ouvrage fin novembre 2020

Actualité d’Irène Jonas, exposition à venir à la galerie Thierry Bigaignon – 9 rue Charlot 75003 Paris 
https://www.thierrybigaignon.fr/irene-jonas-la-valise-dans-le-placard

Fidèle à sa politique d’ouverture, la Galerie Thierry Bigaignon accueille chaque année un ou une artiste non-représenté(e) afin de mettre en lumière un travail particulièrement intéressant et accompli. Après l’artiste japonais Hideyuki Ishibashi et sa série « Présage » en 2019, le galeriste parisien a jeté son dévolu cette année sur la série « La valise dans le placard » d’Irène Jonas, un véritable coup de coeur. 

Dans cette quête photographique menée entre 2018 et 2020, Irène Jonas nous mène dans ces lieux marqués par l’Histoire : Munich, Dachau, Prora, Nüremberg, Prague, Terezin, La Tanière du Loup, etc. En partant d’un tirage noir et blanc qu’elle réhausse à la peinture à l’huile, Irène Jonas accentue l’absence de repères entre passé et présent, la confusion entre rêve et réalité pour fusionner mémoire intime et mémoire historique. 

Sociologue et photographe, Irène Jonas intègre l’image dans beaucoup de ses recherches. Ses travaux sociologiques sur la photo de famille la conduisent à s’interroger sur le croisement entre mémoire personnelle et Histoire. Irène Jonas explique : « Ces photographies sont des histoires que je me raconte, des histoires nées au croisement d’une mémoire intime et d’une mémoire collective. Elles sont le fruit d’une mémoire héritée et d’une reconstruction imaginaire, elles ne racontent pas le nazisme mais s’approchent d’une prise de conscience émotionnelle de ce qu’a pu être le nazisme ».

De ces endroits marqués par la Shoah, ces lieux qui symbolisent cette période historique que l’artiste n’a pas vécue directement mais qui s’est imprégnée à travers les paroles, puis alimentée plus tard par des documentaires et des livres, Irène Jonas souhaitait re-créer un ici et maintenant vu à travers le filtre d’une imagination enfantine marquée par le passé. Photographié comme un film d’époque, dirigeant son objectif et cadrant pour exclure tout ce qui ne se rapportait pas à l’image de l’idée que la photographe se faisait de cette époque révolue, chaque personnage y est amené à jouer un rôle indépendant de la réalité dans laquelle il avait été saisi.

Extrait du communiqué de presse

J’ai rencontré Blieke, Nicole et leur petit chien ‘Plume’ un soir de décembre, alors que je photographiais les décorations de Noël dans un camping de la périphérie bruxelloise. Un homme est sorti de son chalet, et m’a demandé ce que je faisais là. Je me suis confondue en excuses, et il a poursuivi : « Viens plutôt à l’intérieur boire une bière avec nous ». Nous sommes devenus amis, c’était en 2013. Blieke et Nicole m’ont ensuite invitée à une série de fêtes loufoques, et m’ont raconté quelques épisodes de leur étonnante trajectoire de vie.

‘Hernie & Plume’ approche les thématiques de la mobilité sociale, de la précarité, du vieillissement, interroge aussi quelques stéréotypes, mais c’est avant tout une belle et tendre histoire d’amour.

J’ai tout de suite aimé le petit chalet tout en bois de Blieke et Nicole. La décoration y est chaleureuse, éclectique, joyeuse et un peu bordélique. Les objets déposés ça et là sont autant de reliques de moments de convivialité, d’amitié ou d’amour amassés au fil des années. Au centre de l’espace trône cette immense table, toujours habillée d’une toile cirée colorée, qui change au fil des saisons et garde les traces du passage du temps et des ripailles. Les amis ne sont jamais très loin. Blieke et Nicole sont des zwanzeurs, comme on dit en bruxellois ; ils aiment rire et faire la fête. Comme lorsqu’ils m’ont invité au mariage en bonne et due forme de deux petits chiens, ou qu’ils m’ont organisé une fête d’anniversaire digne d’un épisode de Fort Boyard.

Blieke me disait souvent, lorsque je passais les voir, que j’avais encore raté une soirée exceptionnelle ; je leur ai donc confié des appareils photo jetables noir et blanc afin de consigner eux-mêmes tous ces instants que je ne pouvais capturer.

Au fur et à mesure de nos échanges, Blieke et Nicole ont évoqué leur rencontre, leurs blessures, leurs fiertés, les accidents de la vie. Leur santé est devenue fragile, leurs amis se sont fait plus rares. Mais leur amour n’a fait que croître et s’épanouir.

Le récit de leur histoire joue avec les stéréotypes que l’on projette immanquablement sur l’autre, et nous confronte aussi à notre possible étroitesse d’esprit. Au fil de la lecture, différents faits divers criminels sont évoqués. Quelle est l’implication du couple dans ces événements ? Sont-ils des déclinaisons bruxelloises de Bonnie et Clyde ? À partir d’archives personnelles que le couple m’a confié, le lecteur pourra, par petites touches successives, interroger ses propres préjugés et découvrir la véritable histoire de Blieke et Nicole, qu’ils partagent avec une sincérité et une générosité déconcertantes.

Katherine Longly