De l’observation à l’empreinte ou la mémoire du vivant…

Situé dans une zone pavillonnaire de Montreuil, à la frontière de Paris, entouré de jardins, entre urbanité et nature, l’atelier de Morgane Porcheron convoque les préoccupations et la matérialité de l’écriture plastique de l’artiste. On y retrouve le bitume, le macadam, la terre, une architecture industrielle, et surtout la végétation, ces plantes urbaines qui s’invitent et poussent entre mur et trottoir, dans les fissures d’un mur.

C’est dans cet espace de création, dans son écrin d’un petit matin de mars où la nature commence à se réveiller, à proximité des éléments qui animent les recherches plastiques de l’artiste que j’ai rencontré Morgane Porcheron.

Si l’artiste définit son travail plastique comme une archéologie du quotidien, qu’elle matérialise à travers la sculpture, l’installation, la photographie, le dessin, la pratique de Morgane Porcheron est une réflexion sur l’impact de la nature sur les constructions humaines et des gestes de l’Homme sur la nature. 

Par ses œuvres construites comme des paysages, en grattant et en superposant différentes couches, Morgane Porcheron révèle l’invisible, ce qui est caché. Par la prise d’empreintes, par les éléments récupérés, récoltés, par les terres utilisées, elle vient pointer du doigt ce qu’elle observe de son quotidien, les conséquences des gestes de l’Homme sur notre environnement. 

Pour découvrir le fil du processus de création de Morgane Porcheron, nous vous invitons à découvrir son interview réalisée pour FranceFineArt.

Anne-Frédérique Fer

De la commande à l’œuvre…

Depuis que la notion d’artiste et d’œuvre d’art existe, pour pouvoir créer et exercer leur art, les artistes ont toujours eu des travaux de commandes, des mécènes, répondu à des concours. Des commandes, qui au-delà de permettent de vivre, permettent également à l’artiste de développer son œuvre, son écriture singulière, cette particularité qui fait que l’on a fait appel à lui. Une pratique fortement développée dans le champ de la photographie où l’on ne compte plus le nombre de concours, de prix, mais aussi de Carte Blanche.

C’est de cette dimension de la Carte Blanche que j’ai évoquée avec Olivier Culmann, où en 2021, il a été invité par Pernod Ricard pour réaliser un projet. Une Carte Blanche qui fera également l’illustration du rapport annuel du Groupe. Une Carte Blanche où Pernod Ricard laisse toute liberté à l’artiste et où l’artiste, par son écriture singulière, doit aussi respecter et mettre en valeur l’image du Groupe.

Lors de la rencontre avec Olivier Culmann, nous avons abordé ensemble cette question : “En réalisant un travail de commande, ici sous la forme d’une Carte Blanche, tout en respectant l’image, l’identité du commanditaire, comment garde t-on, développe t-on son écriture singulière ? D’un travail de commande, comment fait-on œuvre ?”

Pour découvrir la réponse, je vous invite à écouter l’entretien d’Olivier Culmann réalisé pour FranceFinArt.

Anne-Frédérique Fer

Communiqué de presse – Carte Blanche à Pernod Ricard

 

Olivier Culmann – Photographe

Olivier Culmann se consacre à la photographie depuis 1992 et est membre du collectif Tendance Floue depuis 1996. Son travail est traversé par les questions récurrentes de la liberté et du conditionnement. À cheval entre l’absurde et le dérisoire, son oeuvre analyse avec une acuité millimétrée la question de nos vies quotidiennes et de nos rapports avec les images. Revenant sans relâche sur ses obsessions – et les nôtres -, il nous emporte par son humour et son art de la narration.

Dans les années 1990, il parcourt plusieurs pays pour photographier Les Mondes de l’école, un travail sur l’institution scolaire, les assujettissements et les insoumissions qui y naîtront.Sa photographie interroge l’existence ou l’absence de choix. Avec Une Vie de poulet, cette démarche associe plus ouvertement encore l’humour à la narration.

Le passage au moyen format, au début des années 2000, s’impose avec la recherche d’une distance nouvelle. Au lendemain des attentats du 11 septembre, il réalise Autour, New York 2001-2002. Cette série, produite à New York, est consacrée aux spectateurs de l’après-événement, Américains ou touristes venus scruter les ruines du World Trade Center. Les expressions fixées par le photographe fonctionnent ici en miroirs de notre propre sidération face à la catastrophe. Puis il construit, dans plusieurs endroits du monde où il choisit d’habiter, une observation des téléspectateurs. Constat de l’état des corps et des âmes face aux échos du monde filtrés par les écrans, la série Watching TV constitue une étape dans son travail de mise en abyme du regard.

À partir de 2010, il formalise une recherche sur les modes de représentation de soi. Passionné par l’imagerie populaire et les codes de mise en scène de la photographie, il choisit pour la série The Others d’utiliser sa propre image pour explorer les fantasmes sociaux et ses propres interrogations sur l’altérité.

Auteur de plusieurs livres dont Les Mondes de l’école (Marval, 2001), réalisé en collaboration avec le photographe Mat Jacob, Une vie de poulet (Filigranes, 2001), Watching TV (Textuel, 2011) et The Others (Xavier Barral, 2015), il expose régulièrement à travers le monde et a reçu plusieurs distinctions dont la Villa Médicis Hors les Murs (1997), le Prix SCAM Roger Pic (2003), un World Press Photo (2008) et le Prix Niépce (2017).

Carte Blanche 2021 par Olivier Culmann

La convivialité « résistante » au coeur du voyage artistique d’Olivier Culmann. Cette campagne photographique est un hommage aux cafés, aux hommes et femmes, aux territoires, à la convivialité.

Quatre semaines à sillonner les routes de France pour « aller capter des moments d’alchimie entre une lumière, un paysage, un lieu et les acteurs qui font vivre les cafés-bars au quotidien », telle est l’aventure humaine qui jalonne cette bourse de création inédite confiée au photographe Olivier Culmann par Pernod Ricard. Elle met donc à l’honneur dix histoires d’hommes et de femmes ayant pour dénominateur commun d’avoir trouvé le courage de faire vivre une convivialité véritable et authentique au coeur de leurs communautés locales, et ce malgré la pandémie. Plus de mille prises de vue et cent visages ont ainsi été saisis par l’oeil et l’objectif du photographe.

« Il était important de renouer intimement avec ces lieux de vie qui animent nos territoires et ceux qui les font vivre », explique ce dernier. Cet ambitieux projet photographique se distingue par son principe d’accumulation. L’univers des cafés restaurants est retranscrit au travers de six séries photographiques aux inspirations populaires. À travers ses séries décalées, aux typologies reconnaissables par tous, l’artiste sort du cadre et se connecte à notre imaginaire collectif : photos de groupe façon équipes de foot, portraits « à l’ancienne » de gérants de café, photomatons, cartes postales, revue architecturale des établissements, accessoires de bistrot sur fond de Formica, de zinc ou de nappe à carreaux…

Le résultat est un véritable foisonnement, ancré dans le réel, vernaculaire. « Mon travail est un tableau photographique à plusieurs entrées : l’humain, le lien social, l’environnement, les lieux et leur représentation symbolique dans des objets du quotidien. » Avec cette Carte Blanche, Olivier Culmann nous invite à redécouvrir l’essence même de la convivialité.

Pernod Ricard & l’Art

Depuis 2010, Pernod Ricard, numéro deux mondial des Vins et Spiritueux, a fait le choix de la photographie contemporaine pour sa Carte Blanche artistique annuelle. Cette année, pour la douzième édition, le travail du photographe français Olivier Culmann vient compléter une vaste collection déjà riche de onze grands noms de la photographie mondiale : l’Argentin Marcos Lopez, le Français Denis Rouvre, l’Espagnol Eugenio Recuenco, le Suisse Olaf Breuning, l’Australienne Vee Speers, le Chinois Li Wei, le Sénégalais Omar Victor Diop, l’Allemand Martin Schoeller, la CanadienneKourtney Roy, le Français Stéphane Lavoué et l’an passé la Néerlando-Croate Sanja Marušić. Tous ont su se prêter avec talent à l’exercice, avec une totale liberté créatrice.

L’engagement pour l’art contemporain de Pernod Ricard est un héritage de son co-fondateur, Paul Ricard, dont la passion pour la création et pour l’art sous toutes ses formes s’illustra notamment par son action de mécène. Chaque rapport annuel depuis la création du Groupe en 1975 est illustré par l’oeuvre d’un artiste, constituant au fil des ans une prestigieuse collection où se côtoient Roger Bezombes, peintre de marine et grand voyageur (1976/1977), le sculpteur d’avant-garde César (1991) ou encore l’écossais Bruce Mc Lean (2000).

Un accompagnement à la création perpétué par la présence remarquée du Groupe au sein des exposants de Paris Photo depuis de nombreuses éditions.

Cette année marque également l’ouverture de la Fondation Pernod Ricard, installée dans un espace pluridisciplinaire au sein du nouveau siège du Groupe, en plein coeur de la Capitale et du quartier Saint-Lazare. Nouveau lieu, nouvelle dimension internationale, nouvelles rencontres artistiques… La Fondation Pernod Ricard vient conforter l’engagement du Groupe auprès des artistes : soutenir la jeune scène contemporaine en France pour la rendre accessible au plus grand nombre et la faire rayonner, ici et à l’international. Ouverte sur la ville et sur le monde, elle est un véritable carrefour d’échanges et d’inspiration pour les visiteurs mais aussi pour les collaborateurs du Groupe.

De l’absence à la matérialité photographique…

Perché au troisième étage, dans un immeuble donnant sur cours, l’atelier de Pascaline Marre est à l’image de l’artiste. Baignés dans la lumière des grandes verrières, typiques des ateliers parisiens, de nombreux objets chinés, récoltés, attendent d’entrer dans ses histoires, d’être réinterprété par le geste de l’artiste, d’être mis en scène, d’être immortalisés sur la surface sensible d’une image photographique en devenir. 

C’est dans cette ambiance d’une matinée ensoleillée de décembre, que je rencontre Pascaline Marre où nous allons évoquer ensemble son processus de création, ce qui anime l’artiste, son geste plastique à travers la matérialité photographique.

Explorant la disparition, le réel et l’imaginaire, l’historique ou le fantasmé, et en se concentrant sur des sujets mémoriels, le travail photographique de Pascaline Marre, se situant à la frontière du documentaire et du sociologique, est une réflexion sur la recherche des signes, de ce qui a été et qui n’est plus, de ces récits qui peuvent êtres révélés par l’absence.

Pour explorer la manière dont Pascaline Marre interprète les signes, sa manière dont elle fait de l’absence, de ces vides laissés par l’histoire, son écriture et vocabulaire plastique, lors de l’entretien, nous y déroulons le fil de ses réflexions. Du projet ArméniÉe que l’artiste a mené pendant dix années, de 2004 à 2014 et qui cristallise dans un temps présent le génocide arménien, nous poursuivons jusqu’à son dernier projet L’équilibriste où en s’articulant en quatre chapitres Les Géantes, Sisyphe, Palimpseste et Atka, Pascaline Marre y questionne et replace le féminin au centre de nos sociétés.

Pour découvrir le fil du processus de création de Pascaline Marre, nous vous invitons à découvrir son interview réalisée pour FranceFineArt.

Anne-Frédérique Fer

À propos de L’équilibriste par l’artiste

L’équilibriste avance sur sa corde d’une confiance aveugle, défiant les lois de la gravité, toujours sur le point de basculer.

Sur ce lien ténu, il faut regarder droit devant, tenir un point à l’horizon, s’aider de nos bras, minces face aux vents contraires ou de côtés, de ceux que l’on ne voit pas arriver.

Ce projet articulé en quatre volets, explore le féminin comme archétype, explorant sa puissance créatrice et ses fragilités, révélant les points de tension entre l’intérieur et l’extérieur, la surface et l’en deçà, ce que l’on donne à voir et ce que l’on révèle.

Je me suis inspirée des mythes fondateurs, de ceux qui nous ramènent à la nature, et à l’importance de renouer nos liens avec cet environnent qui nous constitue.

J’en ai exploré la roche, en premier lieu, comme socle primitif, la roche mise à nu, révélant ses failles, ses aspérités, ses profondeurs; la roche comme point d’ancrage sur lequel s’appuyer, depuis lequel s’élever, être en partance vers des lieux encore inexplorés.

En lien avec cette nature primitive, j’ai exploré le corps ; le corps comme véhicule de nos émotions, de nos aspirations, de nos doutes, de nos questionnements. J’y ai associé des natures mortes, ramenées à leur seul objet, comme autant de points de tensions tangibles sur lesquels je pouvais laisser libre cours à mon imaginaire.

Les Géantes

Il y a deux ans, au détour d’un sentier surplombant la mer, mon regard fut attiré par un entrelacs de rochers immenses surgissant de l’eau. J’imaginais ces blocs lancés par des Titans qui se seraient échappés du Tartare.

Les Géantes est une exploration de la roche, comme métaphore de la femme puissante, la femme créatrice, comme allégorie du féminin dans toutes ses aspérités, ses failles, ses luttes, sa force.

Au-delà de l’inspiration puisée dans les personnages mythologiques, il est question ici de l’archétype féminin, ramené à ce socle primitif d’où il peut s’élancer, engager la lutte, transformer ses maux et douleurs en espérance. J’ausculte la matière rocheuse pour en magnifier les aspérités, la minéralité, la dureté et la friabilité, révéler sa beauté, capter sa puissance, s’élever avec elle ou plonger dans ses chaos.

Sisyphe

« Il faut imaginer Sisyphe heureux »

C’est avec ces quelques mots qu’Albert Camus clôt son essai, abandonnant le lecteur à méditer sur sa propre destinée. Le salut de l’homme viendrait de l’acceptation de sa condition, car de là naîtrait la possibilité de la transcender.

J’ai choisi de m’inspirer de ce mythe grec pour en donner une interprétation sensible et subjective à travers l’exploration du rocher, de la roche, de la terre mise à nu, en contrepoint du rêve liquide que nous fait miroiter l’océan. 

Rocs, traces de l’homme et silhouettes s’entrecroisent dans cette série d’images, donnant chair et matière à l’un des mythes grecs qui nous confronte au mystère de l’existence humaine. J’entends ainsi attraper des interstices de vie, à travers une silhouette défiant le rocher de Sisyphe, un mur façonné de la main de l’homme, un rocher charrié dans la nuit de l’histoire, une pierre laissée comme testament.

Palimpseste

Palimpseste, ce mot glisse avant de s’évanouir, évoque la trace de l’homme traversant le temps, la main de l’homme qui a gratté, écrit, peint. 

Ici, pas d’écriture ni de peinture, mais des images travaillées à la manière d’un palimpseste, enlevant des couches et en révélant d’autres. La lumière est tamisée, travestie, passée au scalpel. En résulte une image sans teint, dépourvue de temps, une image murée dans les dégradés, cloîtrée dans le silence où le sujet photographié s’efface dans un décor phantomatique.

Dans cette série, j’explore la surface sensible de l’image, je la tords pour en extraire les sous-couches et faire apparaître l’envers, dans ce qu’elle peut suggérer et révéler ; ce qui ne se voit pas mais transparait.

Atka

Atka, est inspiré d’un conte inuit. Intitulé La femme squelette, ce conte raconte l’ébranlement ressenti lorsque nous sommes saisis par l’amour, où les forces contraires s’entrechoquent entre émerveillement et effroi, nous laissent chancelant et nous mettent à nu. Il faut alors apprivoiser la femme squelette, cette partie si intime de nous-même, regarder nos peurs, nos faiblesses pour s’ouvrir vers l’être aimé. 

Dans ce volet, j’explore les fêlures, les errements, les manquements, la vulnérabilité, partant du corps comme point d’ancrage, afin de le sonder, l’ausculter, révéler ses aspérités, ses blessures, le temps qui l’alourdit. J’y appose des objets photographiés sobrement sur fond noir, de ceux qui m’habitent et peuplent mon atelier et viennent en regard de ce corps en mouvement. 

Dan cette mise à nu, la photographie m’est un allié salvateur, un moyen d’explorer à tâtons ce chemin, de l’appréhender pour mieux m’en saisir, transformer ces fêlures et blessures en jeux, m’incarner en oiseau qui peine à prendre son envol, en amazone légendaire ou en matadore, et me donner la possibilité de me relever.

Retour sur ArméniÉe

“Pascaline Marre” ArméniÉe

à la galerie binôme, Paris

du 12 juin au 24 juillet 2015

http://www.revue.francefineart.com/index.php/component/content/article/14-agenda/agenda-news/1781-1647-galerie-binome-pascaline-marre

De la toile à l’espace urbain

Diplômée en 2014 du Chelsea College of Art and Design de Londres, naviguant entre peinture, design, scénographie, et direction artistique, basée depuis une petite année à Saint-Ouen et nouvellement installée dans un atelier à Mains d’œuvres, le médium de prédilection de Caroline Derveaux est la peinture. 

Qu’elle soit de chevalet ou murale, destinée à des environnements urbains, en alliant des couleurs vives et un langage géométrique, l’écriture picturale de Caroline Derveaux est la retranscription, l’interprétation abstraites de ses émotions, de ses souvenirs d’enfance, de ses rencontres. 

Le jeu des supports, allant de la toile à l’espace public – murs, façades, parking… – qui inscrivent ainsi l’écriture plastique de Caroline Derveaux dans l’art urbain, les œuvres de l’artiste vont bien au-delà du street art. Les formes sont géométriques et colorées où l’artiste mélange de multiples inspirations. On peut y retrouver celle de l’art abstrait du milieu du XXème siècle, comme celle des cultures traditionnelles issues d’Amérique du Sud et de ses architectures aux façades colorées. 

Par la musicalité de ses compositions, par l’harmonie des formes et des couleurs, les œuvres de Caroline Derveaux sont comme des poèmes qui viennent dialoguer avec l’expérience et l’interprétation du regardeur. Avec ses peintures murales, l’artiste propose ainsi de vivre différemment les espaces délaissés et dévalorisés des métropoles. En rendant ces environnements plus attrayants, chatoyants et accueillants, les compositions de Caroline Derveaux amènent au dialogue et au bien vivre ensemble. 

Pour découvrir l’univers de Caroline Derveaux, sa manière d’appréhender la surface picturale, FranceFineArt a rencontré l’artiste. Nous vous invitons à découvrir son interview.

Anne-Frédérique Fer

Pour découvrir les derniers projets de Caroline Derveaux avec Yespark et RIVP, un parking investit par l’artiste :

Quand le Street Art prend possession d’un parking Yespark x RIVP

Yespark & RIVP redonnent vie à un parking grâce au Street Art (Youtube)

Et Magasin Libre
Magasin Libre – 2021 – à Reims avec Quai 36 

Mêlant plusieurs médiums, au premier regard, l’oeuvre de Raphaëlle Peria est dessinée. Si son processus de création est plus complexe que le jeu du trait, on y retrouve d’abord la photographie, qui en est le support, la matrice. Puis par ses gestes d’écritures, l’artiste y convoque les outils de la gravure, du dessin, de la peinture, de la sculpture. Une photographie où Raphaëlle Peria vient gratter la surface sensible, soulevant la matière photographique pour en faire apparaître le blanc du papier, transformant ainsi la photographie en une image unique, en une photographie dessinée, en une photographie gravée, en une photographie sculptée.

À l’origine des projets de Raphaëlle Peria, généralement, il y a un voyage, les paysages traversés où en retravaillant, en redessinant la matière photographique capturée, l’artiste vient effacer, souligner la fragilité de notre écosystème. Par le soulèvement de la matière du paysage, Raphaëlle Peria interroge, questionne la relation que l’Homme entretient avec son environnement. 

Si la série Narcissus in Flores traitée de la disparition de certaines plantes, Fluo Bleaching de la transformation de nos écosystèmes et du blanchiment des coraux, avec Silva Avium, l’artiste s’attache aux habitants de ces paysages, les oiseaux. Des oiseaux qui sont en voie de disparition, menacés par les trafics, les braconniers, l’exploitation et la destruction de leur habitat naturel.

Projet développé au cœur de la Drawing Factory – atelier #40, dans son désir d’aller au-delà de la photographie grattée, Silva Avium Raphaëlle Peria y a exploré de nouvelles écritures, de nouvelles matérialités plastiques. L’artiste y convoque le dessin, l’encre de chine, la gravure, la cire. Par l’exploration, la manipulation de cette nouvelle matière où la photographie vient s’y insérer, s’y incruster, la cire a permis à l’artiste de matérialiser le processus de destructions de l’habitat naturel des oiseaux.

À travers le projet Silva Avium, pour explorerle processus de création de Raphaëlle Peria, la naissance et l’évolution de son écriture plastique, FranceFineArt a rencontré l’artiste au cœur de son atelier de la Drawing Factory. Pour découvrir les paroles recueillies, nous vous invitions à écouter son interview. 

Anne-Frédérique Fer

Article en lien : la DRAWING FACTORY, des ateliers d’artistes pour le dessin contemporain à Paris :    https://francefineart.com/2021/04/27/061_artistes_drawing-factory/

Diplômée en 2005 de l’Ecole Nationale Supérieure d’Art de Paris-Cergy, en artiste chercheuse, le travail plastique d’Ilanit Illouz est une réflexion sur l’histoire sociale, politique et économique, sur la trace et la disparition, sur le mouvement du corps et de ses déplacements, sur le rapport au paysage, à ses ressources naturelles et à l’histoire qu’ils transmettent. Des recherches qui s’inscrivent dans le temps long, dans la sédimentation, dans l’accumulation des fragments, dans la superposition des couches temporelles.

Si la photographie est le langage, l’écriture plastique d’Ilanit Illouz, dans une démarche expérimentale, l’objet photographique, sa matérialité sont également au cœur de ses réflexions où ses œuvres se matérialisent à travers différents processus de reproductions photographiques et mécaniques de l’image où la matérialité de l’oeuvre est toujours en relation, en réflexion avec l’histoire, le sujet des recherches de l’artiste.

Dans ce lien étroit entre la matérialité des images et l’histoire qu’elle donne à voir, où les ressources naturelles, son épuisement, ses enjeux sociétaux, géographique, politique et économique, sont utilisés comme le témoin d’une histoire, comme la matière des recherches de l’artiste, pour décrypter le processus de création d’Ilanit Illouz, nous vous invitions à écouter son interview.

Anne-Frédérique Fer

Actualité de l’artiste : Ilanit Illouz est lauréate du Prix du public du Prix Découverte Louis Roederer 2021 pour son projet Wadi Qelt, dans la clarté des pierres, actuellement présentée dans le cadre de la 52ème édition des Rencontres de la photographie d’Arles, à découvrir jusqu’au 29 août 2021 à l’Église des Frères-Prêcheurs.

https://francefineart.com/2021/07/04/3108_prix-decouverte-2021-arles/
https://www.rencontres-arles.com/fr/expositions/view/968/ilanit-illouz

Publication : Wadi Qelt, Dans la clarté des pierres, d’Ilanit Illouz, avec le texte d’Emilie Notéris, aux éditions Eyd, 2021.  https://www.eydbooks.com/

Wadi Qelt est un canyon situé dans le désert de Judée  à la frontière de la Palestine et d’Israël bordé par la mer Morte devenu un grand lac salé qui est aujourd’hui  menacée de disparition. La sécheresse a eu pour effet de multiplier les cratères qui trouent de toute part un terrain truffé de poches de sel. Ces « Dolines » ont inspiré à Ilanit le titre éponyme d’ un travail au long cours (2016-2020) documenté dans cet ouvrage par et avec l’artiste WADI, dans la clarté des pierre. L’édition regroupe  ce corpus au long cours (2016-2021) avec des images couleurs entrecoupées de vues et détails des tirages au sel réalisés par Illouz.

Surface sensible

Diplômée de l’Ecole supérieure nationale des Beaux Arts de Paris, où Coraline de Chiara a suivi l’Atelier de Jean-Michel Alberola de 2008 à 2011, les médiums de prédilections de l’artiste sont la peinture et le dessin. Pourtant ma première rencontre avec l’artiste* se passe dans un autre contexte, celui d’ a ppr oc he, un salon dédié à la pratique expérimentale de la photographie où au printemps dernier, fin mai 2021, Coraline de Chiara évoquait déjà au micro de FranceFineArt son rapport à la surface sensible, ce flirt bienveillant qu’elle entretient à la photographie et à la peinture.

Si la photographie est d’abord une source iconographique où le travail de Coraline de Chiara se construit par superposition, par juxtaposition, par collage, la photographie, sa matérialité par le cyanotype, va devenir une matière picturale, l’un des vocabulaires de la surface sensible. 

Pour poursuivre le premier entretien et entrer plus en détail dans la construction de l’écriture picturale de Coraline de Chiara, de son approche de la surface sensible, nous vous invitions à écouter son interview.

Anne-Frédérique Fer

*L’entretien avec Coraline de Chiara réalisé le 25 mai 2021 lors de la 4ème édition d’ a ppr oc he  https://francefineart.com/2021/05/26/3080_approche/

Extrait du communiqué de presse :

“Comment participer à une vie collective à partir d’une position singulière ? Le projet Fabre est envisagé à partir d’une idée d’une aventure humaine.” 

Fabre est le fruit de collaborations inédites entre une psychanalyste – Annabelle Ponroy, une commissaire d’exposition – Alexandra Fau, un artiste et un galeriste. Avant même de s’envisager, Fabre se voyait plutôt comme une aventure singulière offerte à tous dans un lieu intimiste qui privilégie la rencontre avec l’Autre. Un moment en suspens où l’écoute de la parole des artistes embraye des idées, des concepts, des valeurs qui nous rassemblent.

Aujourd’hui et depuis 2018, avec cinq expositions monographiques inédites (Laëtitia Badaut-Haussmann, Alexandre et Florentine Lamarche-Ovize, Jean-Pascal Flavien, Goni Shifron et Paul Mignard), Fabre s’adapte, étonne, se transforme chaque fois un peu plus au gré des invitations.

L’envie première d’échapper aux cadres imposés, aux formats et aux rythmes conventionnels, de soutenir la création contemporaine reste intacte. Et Fabre, ouvert à l’inattendu de ce que l’oeuvre d’art nous fait.

Fabre – Pourquoi ?

Je viens d’ailleurs, et là d’où je viens – cette institution que l’on nommait hôpital psychiatrique – j’ai appris la nécessité d’avancer dans un certain aveuglement, j’ai découvert l’impossibilité de me taire et l’exigence de la parole dans le courage qu’elle suppose.

La singularité, à la source de toute liberté, est un risque, mais n’est-elle pas la seule à même de réenchanter le monde, de préserver un espace poétique au sein de ce que nos institutions c’est-à-dire notre société – conditionnent de discours standardisés et anonymisants ?

Pourrions-nous initier des discours qui s’inventent au lieu de se calculer, qui se risquent au lieu de prédire, qui ne visent rien, sinon d’exister ; un mode de dire animé par la peur, le doute, le drame, la joie, la mélancolie et l’enthousiasme. Désir qui ayant moins peur des peines, n’affadit pas les joies.

Je puise dans cette philosophie le sentiment d’une responsabilité politique, une responsabilité qui ne renonçant pas à la singularité, s’offre la possibilité d’une rencontre avec l’autre dans un nouveau type de lien social et invite à d’incessants “ nouveaux commencements “, traçant un impossible à se constituer en masse.

Si toute idée est amenée à se scléroser en s’instituant, comment supporter de s’en tenir à un discours minoritaire qui ne cherche pas à convaincre, mais à exister ?

Fabre est à l’origine de toutes ces questions qui ne cessent de me tarauder, de me mettre au travail, de me déstabiliser, de m’inquiéter autant que de me ravir. Elles ne me lâchent plus et me contraignent à sortir de chez moi, à arpenter les trottoirs de l’autre, cet inconnu qui me convie.

Inviter des artistes à travailler à Fabre c’est faire le pari d’une circulation de la parole spécifique, c’est consentir à être parmi les hommes et courir avec l’autre le risque d’une aventure, dont on ne sait pas où elle va nous mener.

J’ai souhaité initier ce projet dans cet appartement qui est aussi mon lieu de travail afin que puisse s’y questionner les entrecroisements entre singulier et collectif, entre privé et public mais aussi les occurrences et les effets de cette écriture originale sur des questions telles que l’inscription, la trace, la mémoire et la rencontre.

Annabelle Ponroy

Installée depuis le 22 mars 2021 à la Drawing Factory, en cette fin de journée de la mi-mai, Camille Fischer m’accueille dans son atelier, la chambre numéro 12, qui comme l’ensemble de l’ancien hôtel du 17ème arrondissement de Paris, situé dans le haut de l’Avenue Mac-Mahon et pour une temporalité de six mois, l’immeuble a été transformé en résidence d’artistes pratiquant le dessin. En l’espace de quelques semaines, l’artiste a déjà recouvert les murs de l’atelier, on distingue à peine le papier de peint d’origine de la chambre. 

Si Camille Fischer est une artiste plurielle où son écriture plastique est un mélange de dessins, de collages, d’objets, de bijoux, de vêtements, de textiles, de performances et d’installations, le dessin est à la base de tout. Pour l’artiste, le dessin est une façon de cristalliser quelque chose qu’elle ressent, qu’elle n’arrive pas à comprendre.

Son dessin, elle le pratique sur des papiers vivants, des papiers japonais, du papier journal, où sous l’action de ses gestes, de la matière qu’elle y applique, le papier fait corps avec l’artiste. De la pliure, de l’encre qui va former une flaque, Camille Fischer se laisse guider par la réaction du papier. 

Si dans l’action de création, la dimension du corps a une place centrale dans l’œuvre de Camille Fischer, le végétal est au cœur de son écriture plastique. Un végétal inspiré de la nature mais aussi de l’ornementation, des papiers peints. Un végétal qui prend ses formes et ses symboles dans une multitude de cultures. Le feu d’artifice d’un chrysanthème, la sensuelle de la plante qui appelle l’animal pour l’aider à être fécondée, toutes ces dimensions du monde végétal, Camille Fischer les convoque dans ses dessins.

L’œuvre de Camille Fischer étant plurielle, pour découvrir son univers, la naissance de son écriture plastique, nous vous invitions à écouter son interview. 

Anne-Frédérique Fer

Extrait du communiqué de presse :

J’aurais voulu être un artiste.fr : exposition en ligne / avril-juin 2021 / 9 artistes \ 6 médiums \ 5 nationalités

Collectif d’artistes : Vos trêves, nos rêves  

Neuf artistes se réunissant pour faire face, en collectif, à un monde en berne

AUVRAY Mariette, France, Vidéaste, performeuse, musicienne, née en 1986

BOULEAU Kaitlin, Australie, Peintre, née en 1987

LÉON & VÉRA, France, Plasticien·nes, poètes, performeur·ses, nés en 1990

PRINCESSE GILBERT, France, Artiste, auteur, né en 1989

LEKER Lucie, France, Musicienne et compositrice, née en 1989

RENSHAW Olivia, Angleterre, Poétesse, née en 1992

ROCHE Dilan, France-Turquie, Plasticienne et performeuse, née en 1989

SERRANO Rafael, Venezuela, Plasticien, né en 1977

SOTOS Candela, Espagne, Photographe, née en 1986

Note d’intention :

On ne peut aujourd’hui fredonner le tube J’aurais voulu être un artiste sans ironie, tant ses paroles des années 1980 contrastent avec la crise actuellement traversée par les artistes. Jouant de cet écho parodique, cette exposition ambitionne de questionner à nouveaux frais la place de la création dans notre ère de crise sanitaire et politique.

Au creux des heures les plus sombres, l’art est réputé revêtir un rôle transformateur. Il catalyserait les révolutions, nourrirait les changements et les combats, inspirerait les foules et les fous. Or la réalité des artistes est méconnaissable, loin de la bohème fantasmée. Leurs possibilités individuelles de créer sont largement déterminées par la situation socio-politique, où privé et politique se mêlent. La production des imaginaires et leurs résonnances avec le regard du public dépendent largement de ces facteurs souvent invisibles mais non moins puissants.

Cette exposition propose ainsi de s’interroger sur ces obstacles sanitaires et sociétaux, envisagés à la fois comme freins et comme irréductiblement liés à la création. Si la crise influe sur les orientations esthétiques des artistes, dans quelle mesure imprègnet- elle aussi davantage leurs démarches de positionnements politiques ? Dans quelle mesure les rapproche-t-elle aussi d’autres formes de luttes ? Rêver aujourd’hui et demain constitue-t-il, finalement, un acte politique ?

Véra Léon, commissaire d’exposition – Lauréate de l’Institut pour la photographie (2021)

Porteuse de projet

Véra Léon, Artiste-chercheuse née en 1990, commissaire d’exposition, et docteure en histoire de l’art contemporain, je vis entre la Seine-Saint-Denis et la Drôme. Nourrie d’une double formation en histoire (ENS de Lyon) et en arts (Paris 8), je m’attache à relier les points qui séparent les approches scientifiques et artistiques, les modes d’écriture académiques et poétiques, les épistémologies théoriques et politiques. Lauréate 2021 du programme de soutien à la recherche et à la création de l’Institut de la photographie, je développe actuellement des recherches (performances, publications…) d’une part sur la formation du regard, et d’autre part sur les pratiques sociales et genrées de légitimation dans les mondes de l’art. En corps et en ligne, en texte et en image, mon travail tente de faire gronder les frondes de l’expérience sensible, les espaces utopiques potentiels contenus dans les révoltes intérieures résonnant avec les tumultes collectifs.

L’exposition J’aurais voulu être un artiste.fr s’articule en 3 axes thématiques

1.L’intime maladie – Replis et reconquêtes

Dans un contexte sous tension, la maladie projette son ombre sur le quotidien de la création. À chaque vague correspond un nouveau repli sur soi : parfait prétexte pour une reconquête des formes ?

Kaitlin Bouleau (Australie) – Au-delà des toi(t)s / Huile sur toile

L’ordre de se retrancher derrière les murs interroge : les frontières du chez-soi sont-elles étanches ? Tracer les contours des corps, c’est aussi sentir les chairs qui hébergent les subjectivités et les couleurs des paysages intimes. À l’abri, peut-être peindre l’effervescence des imaginations collectives.

Lucie Leker (France)- Sans titre / Création sonore

Dans ce temps ralenti, loin des planches, l’écho de musiques d’un autre temps tente de réunifier les fragments isolés des identités. Deux sons se côtoient sans jamais fusionner, tels des êtres voisins qui se ressemblent mais ne s’entendent pas. Dans le silence de la ville, ils sonnent comme la vibrante nécessité d’achever la trêve.

Mariette Auvray (France)- À nos parts absentes / Film-poème

Que reste-t-il des êtres aimés dans les plis d’un temps arrêté ? Leurs fantômes habitent nos imaginaires et nos voix. La maladie, entrave des corps et des esprits, finit par faire émerger cette force de l’intérieur, nouvel espace de relation à soi et à l’altérité.

2.Obstruées, obstinées – Luttes des représentations, luttes d’artistes

Les restrictions condamnent les artistes à créer sous une chape, sans public. Leur précarité matérielle se double ainsi d’une précarité existentielle. Comment faire exister le visible dans un monde des invisibles ?

Rafael Serrano (Venezuela)- Reading Howie / Photographies numériques

Une même page, saisie sous des variations d’exposition lumineuse. L’ouvrage fondateur de la sociologie de l’art, Les mondes de l’art, de Howard Becker, se trouve ici éclairé sous un jour à la fois parodique et obsessionnel. Cet acte photographique interroge la construction d’un regard artistique sur le monde social, à la fois distant et proche, surplombant et sensible.

Olivia Renshaw (Angleterre)- Parts of Days in This Unprecedented Time / Poésie

Dans un réel condamné à l’inertie, faut-il s’échapper coûte que coûte, au risque de nos pires cauchemars ? L’écriture poétique brode sur les failles de ce quotidien déjà entaillé par le handicap. Elle révèle la cruauté des possibles et l’éclat inconnu des corps.

véra & léon (France) – Monopoly de l’artiste / Vidéo

Le noir de l’écran clignote de lumière, comme troué par des enseignes publicitaires. Son vertige hypnotique nous introduit dans les coulisses de l’art comme marchandise, sur le seuil invisible des normes sociales, là où les subjectivités artistiques semblent s’échouer dans un hors-champ. Ce chaos visuel et sonore questionne nos sens : mirage ou émergence de nouvelles surfaces sensibles ?

3.Résister à la nuit – Politique pandémique des corps

L’épidémie met en lumière les maladies préexistantes de nos démocraties. Comment la joie peut-elle embraser les corps entre psychoses et cancers ? Quelles sont les conditions d’une renaissance ?

Candela Sotos (Espagne) – Yrupé / Vidéo

Né de l’eau trouble des souvenirs, le nénuphar Yrupe ne daigne s’ouvrir que tous les soixante ans. Leçon de patience, sa vie microscopique, captée par la pellicule, nous amène à quelques coudées seulement de l’embrasement des imaginaires, comme des révoltes à venir des mondes aquatiques et végétaux.

Dilan Roche (France-Turquie) – Chute la vie / Encre, papier et photographies

Ce flux intuitif de coulures manuscrites, de lumières encrées, d’écritures de l’ombre, semble adresser un défi à la conscience omniprésente. Invitation à une rêverie labyrinthique, ces formes nous montrent le chemin pour dessiner un commun par-delà les rainures du temps.

Gilbert Princesse (France) – Atlas – clips et politique / Installation interactive

Au gré des clics sur ces captures d’écran, des motifs récurrents surgissent. Ils cartographient des espaces signifiants, affirment des gestes de résistances, dessinent la reconquête des corps face aux injustices d’un monde en crise. Des images de luttes.

11 avenue Mac Mahon I 17ème arrondissement I 5 étages I 1 500 m2 de création I 32 ateliers I 6 mois I 250 m2 d’espaces communs

Ambassadrices depuis plus de 15 ans pour la promotion et la diffusion du dessin contemporain, Christine Phal, fondatrice du Drawing Lab Paris, et Carine Tissot, directrice de DRAWING NOW Art Fair et du Drawing Hotel, renforcent cet engagement en transformant un ancien hôtel du 17ème arrondissement en ateliers destinés à des artistes pratiquant le dessin sous toutes ses formes. Par cet engagement, avec le Centre national des arts plastiques (Cnap) et en partenariat avec SOFERIM, promoteur immobilier, la DRAWING FACTORY a ouvert ses portes le 22 mars 2021 et restera ouverte jusqu’au 19 septembre 2021.

Les 33 artistes invités bénéficient d’un accès gratuit à un espace de travail afin de poursuivre leurs projets et en développer de nouveaux. Pour les artistes sélectionnés avec le Cnap, l’établissement public prend en charge les loyers des ateliers et leur attribue à chacun une bourse de vie de 500 euros / mois.

La DRAWING FACTORY est bien plus qu’un lieu de travail, elle devient un véritable lieu de rencontres, d’expérimentations et réalisations de projets. Des visites professionnelles et pour le public seront organisées en fonction des directives sanitaires en vigueur.

Pilotée par les équipes du Drawing Lab Paris, centre d’art privé dédié au dessin contemporain, la DRAWING FACTORY entend devenir le lieu de création du dessin à Paris des prochains mois.

Afin de trouver les artistes qui participeront au projet, un appel à candidatures national a été réalisé du 15 février au 8 mars 2021. 

Le comité de sélection de la DRAWING FACTORY : 

Sandra Hegedüs, fondatrice de SAM Art Projects et collectionneuse

Florentine Lamarche-Ovize, artiste 

Christine Phal, présidente de DRAWING NOW Art Fair et fondatrice du Drawing Lab Paris

Juliette Pollet, responsable de la collection arts plastiques du Centre national des arts plastiques (Cnap)

Béatrice Salmon, directrice du Centre national des arts plastiques (Cnap)

Guillaume Dégé, artiste

Philippe Piguet, critique d’art et commissaire d’exposition indépendant 

Des 400 candidatures reçues, voici la liste des artistes qui ont intégré la DRAWING FACTORY.

Les artistes invités par le CNAP :

Pooya ABBASIAN / Ethan ASSOULINE / Fabrice CAZENAVE / Camille CHASTANG / Dalila DALLEAS BOUZAR / Odonchimeg DAVAADORJ / Chloé DUGIT-GROS / Camille FISCHER / Gabriel FOLLI / Éléonore GEISSLER / Juliette GREEN / Shuo HAO / Marie HAVEL / Gabrielle KOURDADZÉ / Boris KURDI / Vanina LANGER / Gaspard LAURENT / Benjamin LAURENT-AMAN / Matthias LEHMANN / Thomas LÉON / Claire MALRIEUX / Pauline MARTINET & Zoé TEXEREAU / Audrey MATT-AUBERT / Chloé POIZAT / Clovis RETIF / Araks SAHAKYAN / Thibault SCEMAMA DE GIALLULY / Quentin SPOHN / Louise VENDEL / Maxime VERDIER

Les artistes invités par le DRAWING LAB PARIS :

Raphaëlle PERIA / François RÉAU

D’autres artistes seront ponctuellement invités à investir certains espaces de la DRAWING FACTORY.

LA DRAWING FACTORY

La DRAWING FACTORY se déploie sur 5 niveaux. Au rez-de-chaussée, un FOYER de 250 m2 est conçu comme lieu de vie commun. Espace de discussions, de conférences ou encore de workshops, cet espace commun est le point de rencontres du projet. De plus, 2 ateliers au rez-de-chaussée, accessibles sur réservation, permettront la réalisation de travaux de groupe, l’usage de nouvelles techniques ou le déploiement de projets de plus grands formats. Les 4 niveaux supérieurs sont dédiés aux 32 ateliers individuels. D’une superficie de 13 à 20 m2 chaque atelier est équipé d’un point d’eau, un WC, un rangement, un système d’éclairage et l’électricité. Les ateliers sont bruts, aménageables par les artistes selon leurs besoins. La DRAWING FACTORY est accessible aux artistes 7 jours/7.

LE DRAWING LAB

Fondé par Christine Phal en 2017 sur un modèle philanthropique, le Drawing Lab Paris est un centre d’art privé entièrement dédié à la promotion et à la diffusion du dessin contemporain. Sa programmation, assurée par un comité artistique, est basée sur la production de 4 expositions par an interrogeant le dessin sous toutes ses formes. Chacun des 3 duos lauréats perçoit une dotation de 20 000 euros HT pour la production des nouvelles oeuvres de l’exposition ainsi que leurs rémunérations. En plus de la production des expositions, le Drawing Lab assure la communication, la diffusion, l’accueil des publics, la médiation culturelle et l’organisation d’événements pour un budget de 15 000 euros HT par exposition. La 4ème exposition est celle du lauréat du Prix Drawing Now, remis lors de DRAWING NOW Art Fair. Le centre d’art, situé au niveau -1 du Drawing Hotel est ouvert tous les jours de 11h à 19h gratuitement pour tous, selon les recommandations sanitaires en vigueur.

LE CNAP

Le Centre national des arts plastiques (Cnap) est l’un des principaux opérateurs de la politique du ministère de la Culture dans le domaine des arts visuels contemporains. Il enrichit, pour le compte de l’État, le Fonds national d’art contemporain, collection nationale qu’il conserve et fait connaître par des prêts et des dépôts en France et à l’étranger, des expositions en partenariat et des éditions. Avec près de 105 000 oeuvres acquises depuis plus de deux siècles auprès d’artistes vivants, cette collection constitue un ensemble représentatif de la variété des courants artistiques. Acteur culturel incontournable, le Cnap encourage la scène artistique dans toute sa diversité et accompagne les artistes ainsi que les professionnels à travers plusieurs dispositifs de soutien. Il contribue également à la valorisation des projets soutenus par la mise en oeuvre d’actions de diffusion.

texte de Liyu Yeo, rédacteur pour FranceFineArt.

La scène de l’art contemporain est bouleversée par la pandémie. Les expositions des musées sont soit en attente, reportées ou pire annulées. Les foires sont repoussées à des dates postérieures. Les amateurs regardent de plus en plus les plateformes digitales pour voir de l’art. Instagram est devenu le principal moyen pour les artistes et les collectionneurs de découvrir, de promouvoir et d’acheter des œuvres d’art. Une toute nouvelle génération de jeunes collectionneurs utilisent Instagram pour découvrir l’art et contacter les artistes. Seules les œuvres « instagramables » passent ce cap.

Wu Meng, collectionneur d’art contemporain de trente-cinq ans, basé à Shanghai est tout à fait représentatif de cette jeune génération de collectionneurs chinois. Il s’identifie à la scène internationale d’art contemporain et est totalement à l’aise avec les références culturelles globales. Il est le co-président du groupe Giant Network qui développe des jeux vidéos en ligne. « Les vêtements que je porte viennent d’Europe, le café que je bois est d’Amérique du Sud donc, je trouve tout à fait naturel de collectionner de l’art contemporain international ». C’est un changement d’attitude récent, les collectionneurs chinois auparavant ont commencé par s’intéresser à l’art chinois avant de découvrir l’art international. Wu explique que puisque  son travail consiste en la production de jeux vidéos en ligne, il est tout naturellement attiré par des œuvres très dessinées et aux couleurs vives. Ce n’est pas surprenant que sa première acquisition sérieuse soit une peinture de l’artiste japonais Takashi Murakami. Grâce à Instagram, beaucoup d’artistes inspirés par l’esthétique des jeux vidéos, des mangas et du street art sont devenus des acteurs majeurs de la scène artistique. C’est une conséquence de l’ère numérique : la notion de temps est comprimée et les regardeurs envisagent l’art d’une façon beaucoup plus intense 

Ce que Wu recherche dans l’art contemporain passe par une réaction instinctive à la composition et aux couleurs des œuvres. Une appréciation émotive et forte doit stimuler son regard. L’année dernière, pendant le confinement dû au Covid, il a acheté une grande toile de George Condo « père et fille portant un masque ». Tout un symbole, et l’artiste ajoute : « La pandémie nous a obligé de nous réfugier dans cette région de l’esprit, étrange et non identifiée où tout semble fonctionner par lui-même sans aucune direction. Toutes les règles de conduite de notre quotidien ont aussi été changées. Le port du masque, les désinfections constantes, les gants pour faire la guerre aux germes…. tout cela sans la moindre information ni structures. Cet effort humanitaire pour faire ressurgir la nature profonde de l’homme et combattre le virus avec empathie, notre propre trouble intérieur est devenu beaucoup plus vaste ces derniers mois ».

Wu apprécie beaucoup une peinture abstraite de l’artiste américaine Jennifer Guidi. Wu a été captivé par la combinaison frappante de couleur rose et jaune réalisée à l’aide du sable et d’un médium à base d’huile et d’acrylique. L’artiste, qui travaille à Los Angeles, a réalisé de nouvelles séries d’œuvres utilisant diverses techniques comme le faisait les artistes du mouvement moderniste et minimaliste de l’American Southwest. L’artiste réalise sur une surface tactile de tout petits signes en rayon. C’est devenu sa signature. La composition tel un Mandala crée un effet optique et méditatif très stimulant pour le regardeur. 

Lorsque l’on demande à Wu quelle pièce de sa collection représente le plus son état d’esprit du moment, d’une façon surprenante, il choisit une nature morte de Jonus Wood. La peinture s’intitule : nature morte à l’étagère et aux fleurs de nuit. S’inspirant des scènes d’intérieur de Pierre Bonnard et d’Henri Matisse, la toile, d’une ambiance intime et tranquille, représente des rangées de pots peint d’une façon très plate. L’artiste peint très souvent les pots créés par Shio Kusaka, sa femme, il dit que l’on peut appeler cela : « un journal visuel ou même une histoire personnelle ! ». C’est peut-être cette connexion intime évoquant un total état d’apaisement que Wu apprécie en ce moment. Comme, ces dernières années, il a collectionné des œuvres d’une façon plutôt intense, il aimerait apprendre à moins acheter et même à dire « Non » pour aborder plus calmement son voyage de collectionneur. 

Liyu Yeo

Dixième lauréate de la Résidence BMW à GOBELINS, l’école de l’image, Almudena Romero est issue du photojournalisme, où depuis plusieurs années, sa pratique photographique va au-delà de l’image document, de l’image actualité. Dans ses recherches personnelles, l’artiste y interroge le rôle de la photographie dans la représentation des problèmes sociétaux comme l’identité et sa construction, ou encore sur l’environnement à travers les dimensions de l’écologie, de la durabilité et de la maternité.

Pour questionner ces différentes problématiques, Almudena Romero mélange des procédés photographiques du XIXeme siècle et des procédés contemporains, créant ainsi des images/objets, des images hybrides, où le support photographique peut être à la fois sujet et matière, où l’artiste transforme le végétal en matière photographique.

Dans l’élaboration de son écriture photographique, Almudena Romero a utilisé la Résidence BMW à GOBELINS, l’école de l’image, comme un véritable laboratoire d’expérimentations, où en utilisant et exploitant les propriétés du végétal – la photosynthèse, la photopériodisme, le photoblanchiment – l’artiste a créé ce que l’on appelle des images photographiques, c’est-à-dire des images révélées par la lumière. “Dans ma pensée, tout ce qui est écrire avec la lumière est photographique. Je comprends la photographie dans le sens étymologique. […] Dans ma perspective, l’appareil photo, le papier photo sont des accessoires. […] La technologie qu’on utilise est adjacente, ce n’est pas ce qui détermine la photographie.”

En utilisant la matière végétale comme matière photographique, pour son projet The pigment change, Almudena Romero y explore des formes alternatives et durables, où son principal support photographique est naturel. Elle y utilise les plantes et leur capacité à réagir à la lumière comme un matériau photographique, comme la matière qui va permettre de révéler ses pensées, ses préoccupations sociétales et environnementales.

Pour découvrir la matérialité de l’œuvre de Almudena Romero, sa conception photographique, je vous invite à découvrir et écouter son entretien.

Anne-Frédérique Fer

# [extrait du communiqué de presse ] Le projet The pigment change s’articule en 4 séries : Faire une photo, Family album, Offspring et The act of producing.

« Pigment Change » utilise des procédés photographiques qui se produisent naturellement dans les plantes et la matière organique, comme le photopériodisme et le photoblanchiment, pour créer des oeuvres d’art photographiques. Ce projet explore les formes et les matériaux photographiques en relation avec d’autres formes d’art, notamment la vidéo, la performance et l’installation. Les plantes et la matière organique sont exposées à des quantités spécifiques de lumière et à des longueurs d’onde particulières pour produire des objets-images et des expériences photographiques qui explorent un sens expansif du médium.

Dans « Automne » et « Printemps » de la série Faire une photo, des plantes sont soumises à des régimes de lumière spécifiques pour forcer un changement de la pigmentation des feuilles, tandis que dans Family album, Almudena expose des négatifs de ses archives familiales directement sur des panneaux de culture de cresson pour faire pousser des tirages photographiques.

Dans Printemps, une source artificielle est créée dans le studio d’Almudena avec un ensemble d’éclairage continu et lumineux qui permet à un groupe de 50 Poinsettias ou « plante de noël » de recevoir quotidiennement une quantité de lumière printanière pendant une période de 10 semaines. Grâce à ce régime lumineux, les plantes produisent des feuilles vertes riches en chlorophylle qui absorbent l’énergie lumineuse disponible tout en libérant des feuilles blanches inutiles.

Dans The act of producing et la série Offspring, Almudena Romero utilise des plantes entières comme toiles photographiques pour enregistrer des images.

The act of producing, expose des collages de plusieurs feuilles de très grand format (1,5 x 2 m) à des quantités extraordinaires de lumière UV pour forcer un changement de pigment sur les feuilles. Ce changement de pigment est basé sur le mécanisme de survie des plantes qui consiste à remplacer les pigments de chlorophylle (vert) par des caroténoïdes (jaune) pour libérer l’excès d’énergie.

L’artiste utilise la capacité de la plante à changer de pigment pour enregistrer des images très détaillées de ses propres mains tout en travaillant avec les plantes. 

Offspring (ou progéniture en français) utilise les stratégies de reproduction sélective des plantes comme une métaphore pour exprimer le point de vue de l’artiste qui a choisi de ne pas devenir mère en raison de la crise climatique et environnementale actuelle. À l’appui des données scientifiques démontrant les difficultés auxquelles l’homme sera confronté dans les décennies à venir, de nombreuses jeunes femmes ne souhaitent pas avoir d’enfant. Si le choix de ne pas devenir mère est souvent associé à tort à des facteurs génétiques, émotionnels ou socio-économiques, un nombre croissant de femmes expriment leur volonté de ne pas devenir mère, de même que certaines plantes peuvent ne produire que deux feuilles dans leur vie entière dans le cadre d’une stratégie de reproduction contrôlée. 

Cette série comprend un time-lapse de 30 jours documentant la naissance d’une nouvelle feuille et une série d’impressions textuelles directement réalisées sur des feuilles de plantes. 

Faire une photo, Family album, Offspring et The act of producing représentent le point de vue de l’artiste sur la production ou la cause de l’existence, parfois en faisant une déclaration claire sur la maternité (Offspring), parfois en se concentrant sur l’acte de produire en tant que tel.

La Résidence BMW à Gobelins lui permet d’élargir ses recherches grâce aux moyens mis à sa disposition. Elle expérimente ainsi avec des matériaux complexes, fragiles, onéreux (les plantes, les semences), et de grande dimension dans l’environnement de GOBELINS, avec l’assistance de deux étudiants et l’accompagnement de professeurs. 

Les résultats obtenus lui permettent d’obtenir et de développer une nouvelle écriture qui se déploiera sur les prochaines années dans sa pratique.

Pour plus d’informations sur la Résidence BMW à GOBELINS, l’école de l’image

https://www.gobelins.fr/residence-bmw-gobelins

https://www.gobelins.fr/nouvelle-laureate-pour-residence-bmw

https://www.bmw.fr/fr/topics/univers/bmw-art-et-culture/bmw-art-et-culture.html

texte de Liyu Yeo, rédacteur pour FranceFineArt.

Mr Zhao Youhou de Beijing collectionne l’art contemporain depuis 15 ans et, comme de nombreux collectionneurs chinois, il a commencé avec l’art contemporain chinois.

Zhao avait acheté dans la galerie chinoise Vitamin Creative Space qui expose à la foire Art Basel à Bâle et à la FIAC et sa collection a essentiellement tous les artistes contemporains chinois importants. Il est très proches d’artistes chinois comme Hao Liang et Liu Ye qui ont rejoint respectivement Gagosian et David Zwirner. 

Zhao a prêté les peintures de l’artiste chinoise Firenze Lai pour la Biennale de Venise en 2017 et il a également prêté les œuvres de Firenze Lai pour son exposition personnelle au MAMC musée d’art moderne et contemporain de Saint Etienne en 2020. 

Pour l’art contemporain occidental, Zhao a beaucoup soutenu la galerie Chantal Crousel et Jocelyn wolff, où il a acquis de nombreuses pièces importantes de Danh Vo et Miriam Cahn. Zhao a prêté les peintures de Miriam Cahn pour Documenta 14. Grâce à Danh Vo, Zhao a également acquis de nombreuses œuvres importantes de Martin Wong. 

Les artistes de la collection de Zhao incluent : Rachel Whiteread, Danh Vo, Martin Wong, Katherine Bernhardt, Calvin Marcus, Matthew Barney, Emily Mae Smith, Nicole Eisenman, Ben Sledsens, Walter Price, Sedrick Chisom, Aaron Garber-Maikovska, Yoshitomo Nara, Robin F Williams, Miriam Cahn, …

De profession, Zhao est un important antiquaire chinois, mais il se passionne pour l’art contemporain et il a aidé de nombreux artistes occidentaux tels que Danh Vo, Tarek Atoui et Matthew Barney dans leur processus de production lorsqu’ils travaillent en Chine.


Liyu Yeo

4 questions à Zhao Youhou – propos recueillis par Liyu Yeo

1 – Quand avez-vous commencé à collectionner de l’art contemporain?

En 2002 pendant ma deuxième année à l’université. 

2 – Quelle a été la première et la dernière pièce que vous avez collectionné ? 

La première pièce est une esquisse d’un professeur à l’Académie des beaux-arts chinois.

La dernière que je viens d’acheter est un rouleau peint à la main par Evelyn Taocheng Wang.

3 – Choisissez cinq œuvres que vous préférez dans votre collection et expliquez-nous pourquoi les aimez-vous ?

Celui que j’aime le plus est un tableau de Chen Zhen (陈箴) peint en 1985, appelé « Qi Flottant ». Les tableaux de cette période sont très précieux, surtout pour moi. Je l’ai acheté lors d’une petite vente aux enchères à Paris en 2006 pour 1000 euros. C’est ce travail qui a encouragé ma collection.

La deuxième pièce est un tableau de Duan Jianyu, appelé « Sister ». Ce tableau de Duan Jianyu m’a fait connaître la galerie Vitamin Creative Space, ce qui m’a évité de faire beaucoup d’erreur dans ma collection.

Le troisième est un tableau de l’artiste hongkongaise Firenze Lai. C’était une œuvre très précoce et très bon marché. Je l’ai d’ailleurs prêté pour la Biennale de Venise en 2017.

La quatrième est l’une des premières photographies les plus importantes de Zheng Guogu, intitulée « Mon professeur et moi » 1993. L’artiste rentre tous les jours chez lui et voit un fou sur le bord de la route. Il fait sa connaissance et ce fou lui apprend énormément de choses.

Le cinquième est un manuscrit que Duan Jianyu  m’a donné, c’est ce qui le rend très cher à mes yeux. 

4 – Quelle œuvre de la collection vous représente le plus et pourquoi ?

Je ne pense pas qu’il y ait une œuvre dans ma collection qui puisse me représenter. Ce sont toutes les œuvres qui me font envisager l’avenir avec sérénité, et je suis honorée de vivre avec elles.

Entièrement dédiée à la photographie, la maison d’édition Rue du bouquet est créée en 2016 par Samantha Millar. Dans la conception de son projet et dans la multitude des maisons d’éditions consacrées à la photographie, qu’elle soit “institutionnelle”, indépendante ou en autoédition, Samantha Millar a conçu une maison d’édition à son image. Par son regard singulier et pour se distinguer, elle a pour ambition de concevoir des livres en édition limitée [500 exemplaires] pensés comme des objets, comme une expérience à partager où chaque livre est le résultat d’une étroite collaboration entre l’éditrice, le photographe et le graphiste avec le studio de design Bizzarri & Rodriguez.

Pour former son regard et mettre sa sensibilité éditoriale à l’épreuve, Samantha Millar commence son approche d’éditrice avec Les Carnets, où sous l’identité d’une collection, ils sont fabriqués sous une même matrice, au format 15 x 21 cm, constitués de 80 pages en papier 120 grammes ivoire, où seule la couverture est imprimée en quadri présentant l’image unique d’un photographe. Cette photographie de couverture, on la retrouve dans le carnet sous la forme d’une carte postale avec au verso la biographie de l’artiste. 

Si Les Carnets sont conçus comme une collection, les livres eux sont des objets singuliers, où par son travail éditorial, en collaboration avec le photographe et le graphiste, par le choix du format, du papier, de la typographie venant enrichir le récit photographique, Samantha Millar se réinvente à chaque livre. 

À ce jour, le catalogue de Rue du bouquet est constitué de cinq ouvrages Japon de Yann Audic publié en 2016, Views, Phnom-Penh de Chantal Stoman en 2017, Zone supérieure de Samuel Hoppe en 2017, Oasis de Stéphane Ruchaud en 2019 et Aménagements successifs du noir de Sladjana Stankovic en 2020. Un sixième livre est actuellement en préparation avec le travail de Letizia Le Fur.

Pour découvrir le regard d’éditrice de Samantha Millar, la façon dont elle pense son métier, sa philosophie d’accompagnement et de collaboration avec les artistes photographes, FranceFineArt.com vous invite à écouter son entretien.

Anne-Frédérique Fer

À l’origine de l’écriture plastique de Morvarid K, il y a la photographie. Une photographie que l’artiste utilise comme matière première. Dans les manipulations de cette matière, on retrouve le collage, où par les superpositions, les couches temporelles, on y lit les gestes créateurs. De ces interventions, par l‘ajout d’encre, de crayon, la photographie devient surface picturale. 

Par ces différents gestes, les œuvres de Morvarid K sont comme des frontières, comme des continents. Qu’elles soient visibles, invisibles, réelles, imaginaires, rêvées, fantasmées ou imposées, ces frontières sont pour l’artiste des ponts entre identités et cultures, entre les origines et le présent.

Pour élaborer son écriture plastique, créer ses frontières, Morvarid K y fait intervenir plusieurs gestes, venant ainsi transformer la matérialité même de la photographie. Il y a le geste du recouvrement de la surface photographique où l’on peut citer la série Once Upon A Time et Ecotone. Avec les séries Ecotone et Yuko Moon, on retrouve le geste de la collaboration et de la performance. Par ces différent gestes, que l’on peut rapprocher à une philosophie de pensée, les œuvres de Morvarid K prennent la mesure du temps. Par la mémoire de ses gestes, la photographie se fait le réceptacle de la charge de son vécu. Elle est la géographie de ces mouvements. 

Pour découvrir la matérialité de l’œuvre de Morvarid K, l’évolution de ses gestes, de sa pensée plastique où l’artiste accepte et prend la mesure de l’imprévu, je vous invite à découvrir et écouter son entretien.

Anne-Frédérique Fer

En cette période étrange de crise sanitaire liée au Covid 19 où le monde de la culture et de l’art est en sommeil, où les actions dématérialisées et numériques se mettent en place pour soutenir les acteurs de la création, pour ce portrait consacré aux métiers du patrimoine, le 13e épisode de la série est dédié au Festival  du Regard. 

Au moment où de nombreux festivals sont dans l’obligation d’annuler leur édition 2020, la 5e édition du Festival du Regard, initialement prévu au printemps – du 5 juin au 19 juillet –  a la chance d’être reporté à l’automne – du 9 octobre au 29 novembre.

Une programmation que ses directrices artistiques, Sylvie Hugues et Mathilde Terraube, ont pu remodeler sans changement majeur, juste avec des petits ajustements qui n’auront pas d’incidence pour les artistes.

Pour faire un historique du festival, si depuis 1970 et la création des Rencontres de la photographie d’Arles, le territoire français compte de nombreux festivals dédiés à la photographie, le Festival du Regard, fondé en 2015 par Eric Vialatel, directeur de la société Marianne Participations, collectionneur et passionné de photographie, est né du constat de l’absence d’institutions, de festivals valorisant la photographie dans l’Ouest de la région parisienne.

Pour orchestrer la programmation du Festival du Regard, Éric Vialatel s’entoure d’une direction artistique, un duo composé de Mathilde Terraube et de Sylvie Hugues. Deux personnalités du monde de la photographie qui, par leurs expériences personnelles et professionnelles, ont mis leurs expertises, leurs sensibilités au service de la création et des artistes photographes.

Créé à Saint-Germain-en-Laye, le festival du Regard y réalise ses deux premières éditions, pour ensuite et depuis sa troisième édition, être accueilli par la communauté d’agglomération de Cergy-Pontoise. Par les lieux proposés par les élus de la ville, le festival qui a comme particularité de se construire chaque année autour d’une thématique singulière, les espaces choisis vont contribuer aux choix de la thématique développée.

Pour entrer au cœur du Festival du Regard, de sa naissance, de sa construction, de son fonctionnement, de son identité artistique, de sa politique de soutien aux artistes, des conséquences de la crise sanitaire actuelle due au Covid 19, FranceFineArt.com vous invite à écouter l’entretien, réalisé par téléphone, avec Sylvie Hugues, co-directrice artistique du Festival du Regard.

Anne-Frédérique Fer

Historique du Festival du Regard

2020 – 5ème édition – Voyages extra-ordinaires – [à venir du 9 octobre au 29 novembre 2020] Communauté d’agglomération de Cergy-Pontoise

Avec Evgenia Arbugaeva, Gregor Beltzig, Anita Conti, Cédric Delsaux, FLORE, Ronan Guillou, Graciela Iturbide, Bogdan Konopka, Robert Kluba, Davide Monteleone, Richard Mosse, Giorgio Negro, Rémi Noël, Richard Pak, Philippe Séclier, l’exposition “Les voyages extra-ordinaires vus par” : Bernard Plossu, Max Pam, Vivian Maier, Françoise Nunez, Sabine Weiss, Jean-Christophe Béchet, Eric Dessert, l’exposition “Le tour du monde en 20 photographies du XIXème siècle”.

2019 – 4ème édition – Habiter – Communauté d’agglomération de Cergy-Pontoise

Avec Cyrus Cornut, Frank Kunert, Anne Rearick, Michael Wolf, Hortense Soichet, Thomas Pesquet, Peter Granser, Arthur Crestani, Marie- Pierre Dieterlé, Yohanne Lamoulère, Gideon Mendel, Nikos Zompolas et l’exposition “Habiter vu par” : Eugene Atget, Lucien Hervé, Robert Doisneau, Sabine Weiss, Jean-Claude Gautrand, JC Béchet.

2018 – 3ème édition – Adolescences – Communauté d’agglomération de Cergy-Pontoise.

Avec Claudine Doury, Marion Poussier, Sian Davey, Thibaud Yevnine, Delphine Blast, Coco Amardeil, Martin Barzilai, Jérôme Blin, Françoise Chadaillac, Guillaume Herbaut, Gil Lefauconnier, Reiko Nonaka et l’xposition « L’adolescence vue par » : Sabine Weiss, Jean-Claude Gautrand, Jean-Cristophe Béchet, Mickael Ackerman, Denis Dailleux, Ingar Krauss, Bernard Plossu, Marc Riboud, Françoise Nunez.

2016 – 2ème édition – Saint-Germain-en-Laye

Avec Stéphane Couturier, Coco Fronsac, Gilbert Garcin, Jean-Claude Gautrand, Bogdan Konopka, Stéphane Lagoutte, Sarah Moon, Georges Rousse, Sophie Zénon.

2015 – 1ère édition – Communauté d’Agglomération de Saint-Germain Seine et Forêts.

Avec Liu Bolin, Gilles de Beauchêne, Marion Dubier-Clark, Algis Griskevicius, Chen, Jiagang, Zhou Jun, Michael Kenna, Guy Le Querrec, Maleonn, Wang Nindge, Matthias Olmeta, Alexei Titarenko, Julie de Waroquier, Li Wei, Masao Yamamoto, Yang Yi, Yang Yongliang et une collection particulière de photographies datant de la fin du XIXème siècle.

_{Pour sa 5e édition, FranceFineArt.com est partenaire du Festival du Regard.}

La Fondation CHU Teh-Chun

Née de la volonté de son épouse Ching Chao CHU (Présidente de la Fondation) et de son fils Yvon CHU (Vice-président), créée en 2017 à Genève, et officiellement lancée le 19 novembre 2019, la Fondation CHU Teh-Chun, a pour objet de promouvoir l’oeuvre et de rendre hommage au travail de l’artiste. Afin de valoriser l’oeuvre du peintre, la Fondation organise des expositions et des événements relatifs au travail de l’artiste dans le monde entier. Ainsi, elle travaille en partenariat avec les différents acteurs du monde l’art, musées, universités ou collectionneurs. Elle gère également l’authentification et la certification des oeuvres de l’artiste. Elle édite le catalogue raisonné des oeuvres du peintre, grâce au riche fond d’archives en sa possession qui lui permet de documenter l’œuvre de l’artiste. Afin de perpétuer la mémoire artistique de CHU Teh Chun, la Fondation encourage la publication d’études le concernant et accorde des bourses à de jeunes artistes ou chercheurs.

Préface par Yvon CHU, fils de CHU Teh-Chun et vice-président de la Fondation

« L’univers artistique de mon père m’accompagne depuis ma tendre enfance. L’atelier n’était pas seulement le lieu de sa création distillant l’odeur de la peinture à l’huile et de la térébenthine, c’était aussi mon aire de jeu, parfois mon bureau ou le lieu de mes longues discussions avec mon père. Puis ses tableaux ont habillé mes murs et son univers a ainsi continué à se mélanger au mien.

Habité toute sa vie par cette volonté de créer, il se levait chaque matin avec rigueur pour rejoindre son atelier, ma mère à ses côtés pour assurer le quotidien, le soutenir dans son travail, inventorier scrupuleusement chaque œuvre et s’informer des actualités. Je participais modestement à l’effort familial en prenant en photo les tableaux, aménageant son atelier ou en participant à ses rendez-vous. Au fil des années, j’ai appris à regarder différemment son travail, à percevoir le lien entre son histoire personnelle et son oeuvre et à en mesurer la puissance et la richesse.

La création de la Fondation est animée par la volonté de continuer à faire vivre l’oeuvre de mon père malgré sa disparition en 2014 et de permettre ainsi à d’autres spectateurs de découvrir son univers lyrique à la fois si empreint de sa culture française et si ancré dans la tradition chinoise, et si intemporel. La Fondation a aussi l’objectif, outre la documentation de l’oeuvre, le catalogue raisonné ou la certification, de soutenir la création artistique en encourageant de jeunes talents.

Une exposition au Musée National de Chine à Pékin en avril 2020 est le premier évènement organisé par la Fondation, nous souhaitions commémorer les 100 ans de la naissance de mon père et le musée National de Chine a accueilli l’idée avec enthousiasme nous offrant 2000m2 d’exposition. Cette exposition dont la fondation assure le commissariat en collaboration avec le musée, nous donnera l’occasion de faire découvrir d’autres facettes de l’oeuvre et de l’artiste et de montrer la diversité et la complémentarité de tous les supports utilisés. Un documentaire d’une heure, en cours de réalisation, permettra de se plonger un peu plus dans son univers. Cette exposition itinérante se déplacera ensuite en Chine, au Moyen-Orient, en Occident et aux États-Unis.

Si l’objectif de la Fondation est ambitieux et mobilise beaucoup de temps, d’énergie et d’organisation, c’est à la fois un devoir et une fierté de pouvoir perpétuer la mémoire de mon père et de continuer à faire vivre son oeuvre. »

Une exposition commémorative en 2020 à Pékin à l’occasion des 100 ans de la naissance de CHU Teh-Chun

À l’occasion du siècle écoulé depuis la naissance de CHU Teh-Chun, la Fondation organise une grande exposition itinérante. Elle prendra ses racines en Chine en 2020 pour voyager en Asie, au Moyen Orient, en Europe et aux États-Unis.

La première exposition se déroulera en avril 2020 au Musée National de Chine à Pékin, le 2ème musée le plus visité au monde (8,61 millions de visiteurs en 2018). À travers un parcours de 2000m2, elle proposera de dévoiler l’univers lyrique de l’artiste autour de plus de 200 oeuvres originales, datant des années 50 aux années 2000, sur tous les supports utilisés, peintures à l’huile, lavis, calligraphies, gouaches ou encore céramiques. Cette exposition présentera des oeuvres encore inconnues du public, des documents personnels ainsi qu’un documentaire inédit sur la vie et l’oeuvre de l’artiste.

Le commissariat d’exposition est réalisé conjointement par le Musée National et par la Fondation. Celle-ci participera à la scénographie de l’exposition, qui soulignera les thèmes chers à l’artiste, nature, poésie et musique, afin de mettre en lumière l’univers très personnel de l’artiste.

Biographie de CHU Teh-Chun :

Né dans la province de Chine du Jiangsu en 1920, CHU Teh-Chun est issu d’une famille d’érudits, qui collectionne l’art et l’initie dès son plus jeune âge à la calligraphie. Il entre à 15 ans à la célèbre Académie des Beaux-Arts de Hangzhou où il s’initie à la peinture occidentale. La guerre Sino-Japonaise oblige l’école à s’exiler vers l’ouest de la Chine, c’est une découverte pour l’artiste qui est émerveillé par la beauté des paysages. À l’issue de la guerre et une fois diplômé, il devient professeur et enseigne le dessin.

Il part pour Paris en 1955 afin d’admirer de ses propres yeux les oeuvres des maîtres occidentaux. Il décide de s’y installer et d’abandonner la peinture figurative pour se consacrer à l’abstraction.

En 1958, trois galeries parisiennes lui consacrent une exposition et il signe un contrat de six ans avec la galerie Legendre.

Les expositions personnelles et collectives s’enchaînent, diffusant son travail en France et à l’étranger : Musée de Pittsburg en 1964, Biennale de Sao Paulo en 1969, Charlottenburg Museum de Copenhague en 1967. Son travail est salué par la critique qui souligne le mélange subtil et réussi entre les deux cultures chinoise et française.

À partir de 1965, il expose régulièrement en Suisse. Si les années 60 sont des années de recherche, les années 70 lui permettent d’imposer son style abstrait unique, empreint de lyrisme et de poésie.

Les années 80 marquent les liens renoués avec la Chine, il est invité à Hong-Kong, puis à Pékin par l’association des artistes qui accueille chaleureusement son retour en Chine. Plusieurs expositions sont organisées à Taiwan et, en 1982, le musée du Havre lui consacre sa première rétrospective. Les années 90 lui permettent de découvrir le continent américain et d’y exposer.

À partir de 1997, la Chine l’invite à exposer et salue la qualité de son travail aussi bien pour ses œuvres sur toiles que pour le très difficile exercice de la calligraphie qu’il maîtrise parfaitement. En 1997, il est élu membre de l’Académie des Beaux-Arts de Paris.

Dans les années 2000, il se consacre à des projets emblématiques et à des expositions muséales, il réalise notamment sa plus grande oeuvre, une huile sur toile de 4m par 7m pour le foyer de l’opéra de Shanghai.

Ses oeuvres figurent dans de nombreuses collections publiques telles que le Musée d’Art Moderne de la ville de Paris, l’Université Columbia à NYC, le Musée de Dhaka au Bangladesh, le Musée Cuauthemoc au Mexique, le Musée d’art Contemporain de Liège en Belgique, Le Musée Guimet à Paris ou encore Le Musée d’art Moderne de Pékin.

CHU Teh-Chun a réalisé un grand nombre d’expositions : près de 450 dont 156 personnelles et 285 collectives, dans plus de 24 pays. Il a vécu en France jusqu’à son décès en 2014.

Bien qu’aujourd’hui Sophie Zénon soit une artiste photographe dont les œuvres sont dans de nombreuses collections publiques et privées et où de nombreuses institutions lui consacrent des expositions, à l’origine elle ne se destinait pas à une pratique plastique. Elle entre dans le monde de l’image par une formation d’historienne et par la découverte de la Mongolie, en 1996, qui la mèneront en 1998 à reprendre des études universitaires en ethnologie et en sciences des religions (DEA- Ecole Pratique des Hautes Etudes).

Une pratique photographique que Sophie Zénon débute par le voyage, dans une approche documentaire et qu’elle fera évoluer vers une réflexion plastique. La Mongolie qu’elle va capturer pendant huit ans, lors de plusieurs séjours, jusqu’en 2004, sera donc l’acte fondateur de son écriture plastique où dans la continuité de sa formation initiale d’historienne et d’ethnologue, les projets de l’artiste sont, aujourd’hui, empreints des rapports à la mémoire, aux traces du passé toujours présentes dans notre quotidien, aux ancêtres et à la filiation.

Pour découvrir l’évolution de l’écriture plastique de Sophie Zénon, l’entretien, réalisé dans l’atelier parisien de l’artiste, a pour fil conducteur “Ce que murmurent les fantômes”, sa dernière exposition monographique. Celle-ci est présentée à la Galerie L’Imagerie à Lannion jusqu’au 8 juin 2019, et retrace à travers neuf séries, une installation, quatre livres d’artistes et une vidéo, plus de quinze années de son travail plastique.

Anne-Frédérique Fer

---

Pour découvrir l’exposition Ce que murmurent les fantômes du 13 avril au 08 juin 2019 à la Galerie L’Imagerie – Lannion. www.galerie-imagerie.fr

---

En écho à l’exposition et pour découvrir le livre Pour vivre ici aux Editions LOCO, sortie le 19 avril 2019. 

Pour vivre ici aux Editions LOCO est un livre d’artiste sur le travail de recherche mené en résidence de création sur le site vosgien de la première guerre mondiale du HWK (Hartmannswillerkopf), et avec les textes d’Héloïse Conesa et de Sophie Zénon. www.editionsloco.com/Pour-vivre-ici

texte de Liyu Yeo, rédacteur pour FranceFineArt.

Zhao Yao est né en 1981, à Luzhou. Il est diplômé de l’institut des Beaux Arts de Sichuan et est très vite devenu un artiste incontournable de la génération post Mao. Zhao a grandi dans la Chine nouvelle transformée par les réformes économiques de Deng Xiaoping. Il a reçu une éducation relativement stable et n’a pas été traumatisé par la politique de Mao. Les artistes de la génération d’après les années 1980 sont très peu intéressés par la politique, ils sont beaucoup plus enclins à explorer des préoccupations sociales et individuelles.


Zhao est un artiste conceptuel, il explore dans sa pratique des rituels spirituels et religieux, en réalisant des peintures, des sculptures, de la vidéo ou des installations. Élevé dans la province du Sichuan, il a connu le bouddhisme tibétain. En 2013 à la Pace gallery à Londres, son exposition « Spirit above all » ( l’esprit par dessus tout ) l’a rendu célèbre en occident.


Zhao peint des motifs géométriques sur du jean (denim) seulement introduit en Chine dans les années 1980. Il se sert également de casse-tête comme inspiration pour créer des compositions géométriques. Les murs de la galerie étaient couverts d’images photographiques de paysages montagneux tibétains. Zhao avait emporté ses peintures roulées en pèlerinage au Tibet pour les faire bénir par un « bouddha vivant ». Ce voyage, documenté et présenté dans des albums photo, était étalé sur des tapis. Zhao a cherché à y injecter une dimension spirituelle en évoquant différentes expériences visuelles.


Dans une Chine se développant et changeant à la vitesse de l’éclair, la quête de Zhao est celle d’une jeune génération ressentant le besoin de combler un vide émotionnel et spirituel.


En imaginant l’idée de peinture conceptuelle, Zhao a réalisé les séries : Peinture de la pensée. Il utilise une approche systématique en construisant d’abord un motif géométrique inspiré par des casse-têtes chinois. Ensuite il applique d’épaisses couches de peinture acrylique sur des tissus imprimés achetés chez des marchands de tissus. Zhao crée des peintures avec de nombreuses couches géométriques colorées. L’effet marbré s’obtient par polissage pour faire apparaître toutes les couches de peinture. Les surfaces aux effets marbrés ressemblent aux matériaux en PVC imitant le marbre que l’on voit souvent dans les projets de construction de la campagne chinoise.


Comme Zhao l’explique « j’espère qu’en voyant mon travail, les spectateurs pensent à quel point on se sert de ce matériau dans la vie quotidienne, et comment cette sensation est différente de celle produite en regardant une œuvre d’art. » C’est comme si Zhao créait ses propres casse-têtes alors que ses peintures, très énigmatiques, ressemblent apparemment à des matériaux industriels banalisés.

À la fin 2018, lors de son exposition personnelle à Pékin, Zhao continue d’explorer les rituels religieux dans ses pratiques artistiques. Pour cette nouvelle série intitulée « Signaux venus du ciel » Zhao a voyagé dans la province de Quinghai (ouest de la Chine) à Nangqian et à Ganzi. Selon une tradition locale, tous les ans des bouddhistes dévots construisent de petites cabanes en pleine nature, et pendant cent jours vont y pratiquer une méditation intense et des réflexions solitaires. Zhao a récupéré neuf de ces cabanes construites en toiles et en tissus éprouvées durement par les éléments. Ensuite Zhao y a installé des moniteurs affichant des textes traduits des conférences internet de TED. Les différents sujets choisis traitent de la guerre, du bonheur personnel, des relations interraciales, etc etc ….

Les spectateurs regardent à l’intérieur des cabanes par des sortes de fenêtres. Ils peuvent lire des transcriptions bilingues sur des écrans unicolores inspirés par la palette du logo de Google. Les textes bilingues sans images animées ni effets sonores peuvent être lus comme des manuscrits. Pour les milleniums chinois totalement accros à la technologie, Zhao semble leurs suggérer que les rituels de méditation spirituelle ont été remplacés par l’usage intensif du net. Ces conférenciers motivateurs sont les nouveaux prophètes pour la jeune génération en quête d’éveil spirituel.

Peut-être Zhao se désole que Google est devenu le nouveau Dieu et que le monde virtuel a trouvé une nouvelle niche parmi le divin et le sacré.

Les œuvres de Zhao ont été exposées au palais de Tokyo, au San Francisco Asian Art Museum, au Broad Art Museum, dans la collection de la famille Rubell, à la Whitechapel Gallery et à la Tate Modern.

Liyu Yeo

Jacqueline de Jong est récompensée du Prix d’honneur AWARE pour les artistes femmes 2019, en reconnaissance de l’excellence de sa carrière et de son oeuvre récemment remise en lumière.

Née aux Pays-Bas, Jacqueline de Jong (1939) vit et travaille entre la France et son pays d’origine. Marquée par le mouvement COBRA, elle participe à l’Internationale Situationniste. Son oeuvre se déploie dans des médiums et techniques variés, allant de la peinture gestuelle figurative à la création de bijoux. Après des expositions personnelles au Moderna Museet (Stockholm, 2012) ou aux Abattoirs Musée–Frac Occitanie Toulouse (du 21 septembre 2018 au 13 janvier 2019), une rétrospective lui est actuellement (du 9 février au 18 août 2019) consacrée au Stedelijk Museum (Amsterdam). www.stedelijk.nl/en/exhibitions/
Ses oeuvres sont présentes dans des collections publiques en France et à l’international telles que le Cobra Museum voor Moderne Kunst (Amstelveen), le musée national d’Art moderne – Centre Georges-Pompidou, la Bibliothèque nationale de France, le Museum of Amherst University (Amherst, Massachusetts), le KunstCentret Silkeborg Bad (Silkeborg), le musée Lenbachhaus (Munich), le Henie Onstad Kunstsenter (Oslo). Ses archives sont conservées par la Beinecke Rare Book and Manuscript Library de l’université de Yale (New Haven, Connecticut). Elle est représentée par la Galerie Dürst Britt & Mayhew (La Haye) et la Galerie Château Shatto (Los Angeles).

Les Prix AWARE – Les femmes artistes moins récompensées que les hommes

Les Prix AWARE pour les artistes femmes sont nés d’un constat : les femmes sont largement sous-représentées parmi les artistes célébré·e·s par les récompenses qui jalonnent l’agenda du monde de l’art.

Alors qu’elles sont majoritaires durant leurs études en écoles d’art, les artistes femmes ne constituent qu’une minorité des nommé·e·s et lauréat·e·s des plus prestigieux prix d’art contemporain. Elles représentent entre 20% et 30% des artistes sélectionné·e·s et promu·e·s au prix Marcel Duchamp français, au Turner Prize anglais, au Hugo Boss Prize américain ou encore au Praemium Imperiale japonais pour ne citer qu’eux.

Avec la parité dans les prix mixtes en ligne de mire, certaines institutions ont fait le choix de valoriser le travail des artistes femmes par des prix dédiés, à l’instar du Max Mara Art Prize for Women anglais ou du Gabriele Münter Preis allemand. En France, étonnamment, un tel prix n’existait pas avant la création des Prix AWARE en 2017.

Les Prix AWARE pour les artistes femmes bénéficient du soutien du ministère de la Culture et du Fonds CHANEL pour les femmes dans les arts et la culture.

L’édition 2019

Quatre rapporteurs et rapporteuses – jeunes professionnel·le·s du monde de la culture : historien·ne·s de l’art, critiques, directeurs et directrices de musées ou de centres d’art – ont chacun·e présélectionné un duo d’artistes, nommées respectivement au prix (artistes ayant commencé leur carrière depuis dix ans au plus) et au prix d’honneur (artistes ayant commencé leur carrière depuis plus de trente ans).

Les rapporteurs et rapporteuses de l’édition 2019 – Gallien Déjean (critique d’art, commissaire d’exposition et enseignant à l’École cantonale d’art de Lausanne – ECAL), Céline Poulin (directrice du CAC-Brétigny), Sonia Recasens (critique d’art et commissaire d’exposition indépendante) et Joël Riff (commissaire d’exposition, auteur et enseignant à l’École Duperré à Paris) – présenteront et défendront le travail des artistes, devant un jury composé de sept figures majeures du monde de la culture.

Ce dernier est composé de Alfred Pacquement (conservateur général honoraire du patrimoine, ancien directeur du musée national d’Art moderne – Centre Pompidou), président du jury, Manuel Borja-Villel (directeur du Museo nacional centro de arte Reina Sofia, Madrid), Marie Cozette (directrice du Crac Occitanie/ Pyrénées-Méditerranée, Sète), Fanny Gonella (directrice du 49 Nord Est – Frac Lorraine, Metz), Camille Morineau (directrice des expositions et des collections de la Monnaie de Paris, cofondatrice et présidente d’AWARE), Catherine Petitgas (collectionneuse et historienne de l’Art), Yves Robert (directeur du Centre National des Arts Plastiques – Cnap).

https://awarewomenartists.com/prix_aware/2019/

En suspens

Située à la frontière de plusieurs médiums, le fil de coton, matière première de la création de l’artiste, place l’œuvre de Mathieu Ducournau dans une hybridité plastique. Si au fil du temps, la technique et le vocabulaire artistiques de Mathieu Ducournau ont évolué, que la machine à coudre s’est transformée en un jeté de fil sur la toile, le geste de l’artiste se veut être le même, il s’inscrit dans une tradition picturale.

Convoquant la matérialité de la tapisserie et de la toile, l’oeuvre de Mathieu Ducournau est inclassable. Elle est peinture car le support en est la toile de coton où l’artiste utilise la couleur des fils comme des pigments. De ces couleurs qui s’entremêlent, de cette subtile chorégraphie du chaos de la matière picturale, des formes apparaissent, les motifs se dessinent, laissant ainsi les figures surgir de la toile. De ces figures matérialisées, la toile se transforme alors en une surface moelleuse, ouateuse et vaporeuse. De ce geste de l’accumulation de la matière, la peinture devenue relief peut aussi se lire comme une sculpture, comme un bas-relief, comme la matrice d’un devenir.

De cette tradition picturale et académique, Mathieu Ducournau a hérité de la justesse du geste. Par le placement du fil, dans l’accumulation et la juxtaposition de la matière, provoquant ainsi des jeux de lumière et de clair-obscur, le geste de l’artiste devient métamorphose. Tel un enchanteur, par une action d’envoûtement, le fil, alors inerte devient mouvement et impulse la vie. De ce geste suspendu et maîtrisé, le fil imposant à Mathieu Ducournau la bonne distance de son corps, provoque l’apparition du sujet, la création de l’œuvre.

Si ses inspirations peuvent être liées aux figures de Velázquez ou de Rembrandt, en poursuivant ses recherches formelles du fil, les dernières œuvres, créées spécialement pour la 21e édition d‘Art Paris Art Fair, peuvent se lire comme une métaphore du monde. Un monde où le côté obscur s’entremêlerait à sa fragilité, où telle son origine, cette dualité provoquerait son harmonie. Un monde qui placé dans son cadre, tel un reliquaire, un trésor à protéger, se révèlerait comme un objet de dévotion. Un monde où la figure de l’homme en recherche de liberté se transformerait, où le point de basculement serait un être hydride, un être où l’on ne distinguerait plus le genre, ni l’espèce. Un monde qui se matérialiserait dans un temps suspendu.

Dans ce geste de composition, où par la matière même de l’œuvre, on sent la fragilité du monde, les points de faille d’une histoire en train de s’écrire, Mathieu Ducournau nous fait entrer dans un univers onirique et poétique, dans un monde surgi du passé où les motifs de l’histoire composés par des artistes peintres, viendraient frapper à notre porte. Ce messager serait un oiseau. Un animal qui dans l’imaginaire de l’artiste, et par opposition à notre monde chaotique engendré par l’indécision et l’attente, inspire ce désir d’harmonie et de liberté, le désir de construire un avenir.

Si Mathieu Ducournau est empreint des figures classiques de la peinture occidentale [on peut y déceler le détournement de quelques figures de Rembrandt comme l’Homme au casque d’or de 1650, l’Homme en costume oriental de 1632 ou encore La lutte de Jacob avec l’Ange de 1659], l’histoire, le voyage pourrait commencer en Asie, au pays du soleil levant. L’oiseau bleu [En suspens III], aurait pu s’échapper d’une peinture de Jakuchū, artiste japonais du XVIIIe siècle qui par les motifs de la faune et de la flore rend hommage à une nature célébrée, vénérée. Une nature qui, sous les gestes de Mathieu Ducournau, se métamorphose en des êtres chimériques. Le nid [En suspens VI] devient cocon, la chrysalide devient ange [En suspens VII], la figure devient oiseau. Un oiseau aux multiples identités où chaque toile serait le réceptacle d’une personnalité. D’une personnalité sans rupture où la matérialité même de leur intériorité est ce fil qui se déroule de toile en toile.

Des figures qui dans la construction de leurs individualités se débattent avec le fil qui les constitue. Telle une toile d’araignée, le vêtement de figure au casque [En suspens IV] se fait armure, rempart, camouflage. La figure aux ailes [En suspens VII], sortant de sa chrysalide, s’arrachant de ses lianes, se métamorphose en être de lumière. Le décolleté de la figure au turban [En suspens V] se fait voile protecteur, sa coiffe, tel un nid devient la couveuse, le réceptacle de la mémoire naissante du penseur, où son visage, comme un miroir à l’oiseau blanc [En suspens I], se matérialise en aura, en une tache de couleur qui, comme l’éclatement d’un pigment, se transforme en une forme abstraite.

En choisissant la figure de l’oiseau qui dans la construction du nid tisse son foyer, Mathieu Ducournau, en sublimant l’entrelacement du fil, en créant ces oiseaux et leurs environnements, sollicite l’harmonie du monde animal et du règne végétal. Par ce geste en suspens, l’artiste convoque, dans ses œuvres, la conjonction du fond et de la forme. Le matériau et le sujet sont continuités, il n’y a plus aucune rupture.

Anne-Frédérique Fer, commissaire de l’exposition et rédactrice en chef de FranceFineArt.com, mars 2019.

Texte réalisé dans le cadre du catalogue de l’exposition En suspens, solo show de Mathieu Ducournau présenté par la Galerie Chevalier dans le cadre de la 21e édition d’Art Paris Art Fair présentée du 4 au 7 avril 2019 sous la Nef du Grand Palais.

texte de Liyu Yeo, rédacteur pour FranceFineArt

Né en 1943 à Shanghai, Yu Youhan 余友涵 est considéré comme un pionnier de l’art contemporain chinois. C’est un peintre abstrait à l’expression visuelle originale tout en étant le leader incontesté du mouvement « Politique Pop ».

Yu a fait ses études à Pékin, à l’académie des Beaux-arts avant de retourner à Shanghai en 1973. Yu enseigne au collège des arts appliqués de cette ville pendant 30 ans. Il a de nombreux échanges sur la peinture non figurative avec Chen Zhen, un artiste franco-chinois.

Dans les années 1970, Yu a été influencé par le post-expressionnisme, découvert dans des livres. C’était le contraire du style officiel du réalisme social prôné par le gouvernement. À partir de 1984/85, s’inspirant des écrits de Laozi ( 5 siècle avant J C ), le fondateur du Taoïsme, Yu commença de peindre les séries circulaires : un ensemble de peintures non figuratives influencées par le texte : le Dao de jin. L’univers Taoïste change sans cesse et cela d’une façon cylindrique. Les peintures cherchent à représenter cette qualité universelle par des points et des lignes dynamiques et fluides de consistance et d’épaisseur variable. Les coups de pinceaux monochromes en acrylique ressemblent aux peintures traditionnelles à l’encre sèche du peintre Huang Binhong au début du XXème siècle. Yu n’a cessé d’explorer cette voie tout au long de sa carrière.

Avec pour toile de fond, les réformes économiques, Yu commença à peindre à la fin des années 1980, les séries du mouvement politique pop, reflet des changements sociaux, urbains et économiques. La palette des portraits colorés de Mao semblent inspirés par l’art populaire chinois. Mao est souvent peint d’une façon humoristique à côté de pop stars comme Whitney Houston. Il est associé à des souvenirs symboliques de l’ère Mao tel des bouquets de fleurs spécifiques et à des bouteilles Thermos. Yu, jeune homme, a traversé, la turbulente période Mao depuis « le grand bond en avant » des années 1950 jusqu’à la révolution culturelle des années 1966/76. Les peintures de cette période sont sûrement une tentative pour se réconcilier et faire la paix avec la mémoire de Mao.

Dans les années 1990, au cours d’un voyage dans les montagnes Yimeng de la province du Shandong, Yu a perçu dans ce paysage une façon de renouer avec la nature et un mode d’existence idéal totalement perdu alors par la course éperdue au développement économique. Il a commencé la série de paysages du Yimeng en hommage à l’obsession de Cézanne pour la montagne Sainte Victoire.

Avec pour référence les principes Taoistes, les peintures de Yu semblent accomplir un cycle complet. Ces nouvelles séries abstraites comportent en toile de fond une exploration de couleurs tandis que le regardeur serpente entre les points et les lignes. Les points pourraient symboliser le yin et le yang. Les lignes pouvant être lues comme un accident vasculaire cérébral fondamental qui dans la calligraphie représente le chiffre un.

Tout au long de sa carrière de peintre, Yu a cherché à rester un artiste libre de peindre et d’évoluer selon son tempérament même si son travail va à contre-courant des tendances et de la mode. Yu se résume par cette formule : « l’art se valorise par sa liberté, et j’ai le droit de choisir ».

Yu a participé aux biennales de Venize et de Sao Paolo en 1993 et en 1994. En Chine, Yu a exposé en 1989 à Pékin à l’exposition « China/avant-garde ». Il a eu une rétrospective en 2016 à la Powerstation of art de Shanghai et une autre au Long Muséum dans la ville de Chongqing en 2018. En France, Yu a participé à l’exposition « Chine le corps partout » au musée d’art contemporain de Marseille en 2004 et à l’espace Cardin en 2002 « Paris-Pekin » une exposition d’art contemporain chinois.

Liyu Yeo

texte de Liyu Yeo, rédacteur pour FranceFineArt.

Gao Zhenyu, né en 1964, est un maître potier spécialisé dans l’art du zisha, ce sable pourpre originaire de Yixing dans la province du Jiangsu [argile de Yixing 宜興]. Ses parents sont des potiers reconnus. Sa femme Xu Xu est aussi une potière où ils partagent les mêmes ateliers à Pékin et à Yixing. En 1982, Gao est l’apprenti du maître Gu Jingzhou (1915-1996). Il a ensuite complété sa formation en céramique à l’université Musashino de Tokyo en 1990. Depuis son retour en Chine, il est chercheur à l’Académie nationale chinoise des arts.

Depuis plus de 30 ans, la carrière artistique de Gao tourne autour du zisha. La saga du zisha est passionnante et liée à l’histoire de la civilisation chinoise. Les théières en zisha furent introduites à la fin de la dynastie Ming (1368/1644) lors d’un changement de coutume dans la façon de faire le thé. L’empereur Hongwu a décrété que l’on devait boire du thé infusé plutôt que du thé battu. Yixing, d’où provient le zisha est proche de Suzhou, important centre culturel à la fin de l’ère Ming. Les lettrés et les peintres de la période Ming se servaient de théières en zisha, elles sont donc devenues leurs préférées. La palette des terres de zisha : ocre, gris et jaune, tout comme l’absence de glaçure correspond parfaitement à l’esthétique humble et naturelle des lettrés confucéens. Les théières zisha ont une autre caractéristique, elles sont signées sous la base, du nom du potier. C’est tout à fait remarquable car le travail des artisans chinois, des architectes, des ébénistes, des porcelainiers, était anonyme. Les potiers du zisha sont une exception sûrement due à leurs liens avec les élites intellectuelles.

Les théières en zisha sont tellement liées à celle du thé infusé que leurs usages s’est répandus dans toute la population. Ces théières correspondent tout à fait à la politique de Mao des années 1950 : l’art devant servir au peuple. Chaque théière est façonnée individuellement, à la main, sans l’aide de machine. C’est ce qui explique que des entreprises d’état restaient ouvertes même pendant la révolution culturelle (1966/1976) et la production manuelle ne fut pas arrêtée. Cette tradition ininterrompue de l’art du zisha est unique en Chine, malgré les dégâts de la révolution culturelle.

Tout comme Gao Zhenyu, de nombreux potiers sont devenus des artistes renommés. Gao a eu la chance d’appartenir à la génération ayant bénéficié des réformes économiques de Deng Xiaoping de 1979. En 1985 suivant le mouvement de la nouvelle vague artistique, la population eut désormais accès aux informations internationales. Les chinois sont devenu curieux de l’art et des mouvements culturels étrangers. Cela a rendu possible le voyage de Gao au Japon pour qu’il approfondisse sa technique. C’est là qu’il a découvert une théière en zisha ayant appartenu au moine chinois Ingen Ryūki (1592-1673). Ingen s’est rendu au Japon en 1654. Il est censé avoir introduit l’usage de l’infusion du thé vert au Japon. Cette théière a été créée par Shi Dabing, l’un des potiers de zisha le plus célèbre actif de la fin de l’ère Ming (1368/1644) au début de l’ère Qing (1644/1911). La théière de Shi se trouve dans les collections impériales, véritable exploit pour un artisan. Gao a eu le privilège de voir et de toucher cette théière créée par Shi, ça l’a bouleversé. Il en a fait plusieurs versions dont une se trouve au musée Victoria et Albert de Londres. Paradoxalement son séjour au Japon lui a permis d’approfondir ses connaissances des traditions chinoise du zisha.

Après avoir maîtriser toutes les formes classiques des théières en zisha avec leurs subtilités et les qualités harmonieuses de lignes et de proportions, Gao a interprété toutes les formes céramiques datant des dynasties Tang, Song, Yuan, Ming et Qing. À chaque création en zisha, Gao a tenté d’incarner dans ces objets la quintessence de la forme et de l’esprit de chaque dynastie impériale. Il a aussi créé d’autres séries inspirées par les jades et les bronzes archaïques datant des dynasties Xia, Shang, Zhou (âge du bronze). Un exemple de l’innovation de Gao est une théière en zisha à quatre pieds inspirée de « He » avec un réceptacle de bronze servant pour des cultes ancestraux. En se servant du zisha comme langage personnel Gao rend hommage, avec lyrisme, aux formes classiques chinoises.

Après des décennies de réformes économiques, la Chine est maintenant, dans une période de renaissance culturelle et les formes artistiques traditionnelles sont revisitées. Une nouvelle génération de potier travaille librement et explore bien au-delà des limites traditionnelles. Pour sa première exposition au musée national de Pékin, en 1997, Gao a exprimé que seuls les objets fonctionnels avaient une âme. Gao a infléchi son attitude à partir de 2014. Son exposition en 2017 au musée national de Pékin s’intitulait « le nirvana de l’argile » et témoigne de son renouveau artistique. Ses nouveaux travaux s’inspirent des formes des outils et instruments de chasse de la période néolithique. Gao est persuadé que par tradition, la création chinoise est intégrée dans l’esprit de faire corps avec la nature. Le principal désir de Gao est désormais de souligner et de célébrer toutes les qualités de l’argile.

Maître Gu lui a donné la compétence pour réaliser la théière la plus classique « duozi » et maître Gu y a gravé les lignes suivantes : « hérites et respectes les normes traditionnelles, innoves et chéris l’esprit intérieur ». Appliquant la philosophie du Taoïsme avec ses changements constants et cycliques, Gao suit sa propre renaissance artistique ce qui lui permet d’aborder de nouveaux territoires tout en restant fidèle à ses origines classiques. Gao s’est embarqué pour un nouveau voyage, marqué par cette nouvelle liberté de ne créer ce que son cœur lui inspire.

Liyu Yeo

En choisissant Emeric Lhuisset comme lauréat, la 8e édition de la Résidence BMW s’ancre dans la réalité. Une réalité inscrite dans l’actualité, dans une analyse géopolitique où en détournant les codes du documentaire, l’artiste nous interroge sur le réel et sa représentation.

Au premier abord, par les sujets traités, se situant fréquemment dans des zones de conflit ou en lien avec les conséquences des guerres, qu’elles soient religieuses, ethnique ou économique, on peut assimiler le travail d’Emeric Lhuisset à celui d’un reporter photographe. Pourtant, il n’en est rien, si les projets d’Emeric Lhuisset sont ancrés dans la réalité, la forme en est la mise en scène. Des mises en situation inspirées par les images des médias mais également par l’histoire de l’art et ses peintures dites d’Histoire.

Comme tout artiste, Emeric Lhuisset porte une attention particulière aux vocabulaires plastiques et au choix du médium qui sera le plus adapté à sa démarche plastique, au message qu’il veut transmettre. En choisissant la photographie, par l’action de capturer un temps, un instant choisi, le médium lui permet ainsi de comprendre et de témoigner de l’histoire en construction, d’une histoire qui se construit souvent par la violence.

Au 21e siècle, cette histoire construite par la violence se concentre principalement au Moyen-Orient et plus particulièrement en Afghanistan, en Syrie ou en Irak. Une zone géographique, où depuis 15 ans, l’artiste va régulièrement et où il a construit plusieurs projets. On peut citer Combattants en 2010, Théâtres de guerre en 2011-12, ou Last water war, ruins of a future en 2016.

En 15 années d’apprentissage et de connaissance de ce territoire, Emeric Lhuisset a rencontré de nombreuses personnes. Certaines, dans leurs pays respectifs, l’ont aidé à réaliser ses projets. Certaines sont devenues des amis où malgré les frontières, les conflits et les guerres, grâce aux nouvelles technologies et à internet, ils peuvent rester en contact, suivre l’évolution des vies de chacun.

Dans la construction de l’histoire avec un grand H, dans l’histoire personnelle de chacun, certains amis d’Emeric Lhuisset, natifs d’Afghanistan, de Syrie ou d’Irak, ont décidé de quitter leurs pays. Aujourd’hui, ils se retrouvent soit dans l’étape de la migration, soit en Europe en situation de réfugiés.

En Europe, le regard sur les réfugiés est généralement une image négative, une image fabriquée et générée par les médias, puis manipulée par les politiques des “extrêmes” et reprise en commentaire à travers les sites d’informations et les réseaux sociaux.

En réaction à ces commentaires, Emeric Lhuisset, en tant qu’artiste connaissant ce territoire et ses populations, a décidé de rendre hommage à ces hommes, à ces femmes qui ont décidé de tout quitter, leur vie, leur racine, leur culture. Un hommage à ces hommes, à ces femmes qui ont décidé d’essayer de construire une vie meilleure ailleurs, une vie où la mort, la peur, le combat ne rythment plus les pensées, les journées. Un hommage à ces hommes, à ces femmes qui ont décidé d’avoir une vie normale, dans la banalité du quotidien.

C’est dans cette banalité du quotidien et dans leur nouvelle condition de vie qu’Emeric Lhuisset a décidé de les photographier. Cette série L’autre rive est une partie du projet que l’artiste a réalisé lors de sa Résidence BMW à Gobelins – école de l’image. Un projet qui sera un livre aux éditions Trocadéro et aussi une exposition présentée cet été à Arles lors de la 50e édition des Rencontres de la photographie puis à l’automne sous la nef du Grand Palais lors de la 23e édition de Paris Photo.

Anne-Frédérique Fer

Classé monument historique en 1996, l’histoire de l’église Saint-Louis de Vincennes commence en 1912 quand les architectes Jacques Droz (1882-1955) et Joseph Marrast (1881-1971) remportent le concours pour l’édification de ce bâtiment religieux. Dès le départ, les deux architectes décidèrent d’en faire un espace d’expression artistique de premier ordre et interdisciplinaires où en intégrant différent corps de métiers comme des ferronniers, des céramistes mais aussi des peintres et des sculpteurs, ils inscriront le bâtiment dans le renouveau de l’art chrétien de la première moitié du XXe siècle.

Dans sa chronologie de construction, les travaux commencèrent en 1914, ils seront interrompus par la Première guerre mondiale, pour reprendre en 1919 et se terminer en 1924.

L’inscription de Saint-Louis de Vincennes dans le renouveau de l’art chrétien est également dû à une innovation technologique du milieu du XIXe siècle avec le ciment armé, où le premier brevet de ce matériau est déposé en 1867 par Joseph Monier (1823-1906), horticulteur qui avec ce mélange, un système à base de fer et de ciment-calcaire, d’argile et de sable, confectionne des bacs à fleurs.

Dès la fin du XIXe siècle, ce nouveau matériau révolutionnaire, par la rapidité de sa mise en place et de sa structure, sera abondement utilisé pour la construction d’immeubles. Jacques Droz et Joseph Marrast, dans l’idée d’une architecture simplifiée, feront le choix d’utiliser le béton armé pour la construction de l’église, et notamment pour sa structure avec ses deux paires d’arcs, ancrés dans le sol, coupant perpendiculairement et délimitant une nef unique, en forme de croix grecque.

Par cette construction en plan centré d’inspiration byzantine qui est l’un des premiers exemples d’architecture religieuse exploitant les possibilités constructives du béton armé alliant modernité et recherche de la simplicité de l’église primitive, Saint-Louis de Vincennes poursuit dans l’innovation et la modernité avec des décors incrustés à même la structure du béton.

Au moment du lancement des recherches de financement, le grand enjeu de la restauration de Saint-Louis de Vincennes est de redonner vie au grand rêve fondateur de Droz et Marrast, à cette association intime entre l’architecture et son décor, où selon Pierre Antoine Gatier, pour respecter la cohérence de l’édifice, il va falloir traiter tout à la fois, donc réaliser un projet global. De ce constat, l’architecte en chef des monuments historiques compare l’église à une coquille d’oeuf, à une sorte de grand vide qui est limité par une paroi mince périphérique. Cette paroi, façade à l’extérieur, est également, à l’intérieur, le support d’une peinture murale. C’est donc cette coquille, que la campagne de restauration va devoir traiter, consolider, étanchéifier pour qu’il n’y est plus de désordre à l’intérieur, sur les peintures murales.

Pour mieux cerner les enjeux de cette restauration, FranceFineArt a rencontré Monseigneur Michel Santier, évêque de Créteil, mais surtout Pierre Antoine Gatier, architecte en chef des monuments historiques. Nous vous invitons à écouter leurs entretiens.

Anne-Frédérique Fer

Quand l’écriture plastique devient un outil pédagogique

Après une année de réflexions, de mise au point et de répétitions, le Centre Pompidou lance son école pro. Une école de formation professionnelle où les œuvres des collections modernes et contemporaines du musée national d’art moderne vont devenir un support pédagogique.

Grâce à son expérience auprès du jeune public avec la galerie des enfants, le studio 13/16 dédié aux adolescents, le Centre Pompidou développe aujourd’hui son action auprès du monde adulte et professionnel. Par son cœur de métier et en étant accompagné d’experts [collaborateurs, conservateurs, artistes, partenaires privés et publics], l’institution culturelle se met aux services des entreprises ; elle transforme l’art en un outil de réflexion pour une meilleure compréhension du monde contemporain et accompagne les professionnels dans le développement de leur savoir-faire.

Des formations et une approche pédagogique articulées en 3 dimensions – scientifique, artistique et pratique – qui se dérouleront en 4 temps : découvrir, échanger, faire et s’approprier. Des propositions conçues à la carte qui souhaitent apporter une réponse singulière aux besoins de transformation des entreprises et du monde professionnel.

Une école qui a pour “écrin” le musée lui-même et pour salle de classe, une œuvre intitulée 3-8. Cette œuvre, spécialement conceptualisée pour le centre de formation, a été confiée et réalisée par l’artiste-architecte suisse Leopold Banchini en collaboration avec Laure Jaffuel. Un espace au sein des collections contemporaines du musée national d’art moderne [niveau 4 du Centre Pompidou] qui hors période de formation redevient une œuvre visible et visitable par le public.

Pour décrypter les enjeux de la création d’une école professionnelle au sein d’un musée et de ses collections ; un lieu pour apprendre à voir et à analyser nos sociétés contemporaines à travers et avec des œuvres d’art en outil pédagogique, FranceFineArt a rencontré Marion Laporte, responsable de l’Ecole Pro du Centre Pompidou ainsi qu’Anne-Gaël Ladrière et Camille Azaïs, duo expert ”art & luxe”. Nous vous invitions à écouter leurs entretiens.

Anne-Frédérique Fer

extrait du communiqué de presse :

Une expérience de formation unique en 4 temps :

Découvrir
À travers une visite active dans les collections du musée, L’école pro propose aux participants d’aller à la rencontre de ce que nous apprennent les chefs-d’oeuvre modernes et contemporains sur un sujet préalablement défini. Mené par une personnalité du Centre Pompidou, ce parcours sur-mesure explore l’état de l’art sur une question en engageant un dialogue critique et constructif par la rencontre avec les oeuvres d’art originales.

Échanger
L’école pro propose à ses partenaires de rencontrer des personnalités du monde de la recherche et / ou du secteur culturel, experts sur le sujet, sous forme de Master Class animées par une personnalité du Centre Pompidou. Il s’agit de poursuivre le débat engagé lors de la phase de découverte et d’approfondir le sujet, sous forme de dialogue structuré et argumenté.

Faire
Un artiste est choisi pour son travail sur le sujet questionné. Il imagine, en collaboration avec le Centre Pompidou, un atelier de pratique pour s’engager collectivement et individuellement dans un processus créatif.

S’approprier
À l’issue du parcours global, une séquence est consacrée à la synthèse générale pour traduire individuellement et collectivement son expérience dans sa pratique professionnelle.

Des exemples de thématiques déjà abordées avec un premier réseau de partenaires  :
Que peuvent les artistes, l’art et la création avec le Centre Pompidou pour accompagner la réflexion des organisations et des entreprises sur le monde qui vient ?

• Travailler sur des thématiques transverses pour favoriser son intelligence collective, sensible et relationnelle, développer sa curiosité :
– Art & Créativité : repenser son organisation (avec Sciences Po Executive Education)
– Art & (Intra) Entrepreneuriat : expérimenter la création pour entreprendre (avec La fabrique de l’improbable, ESCP Europe)
– Art & Transformation : s’inspirer pour comprendre et engager le changement (avec Brightness)
– Art & Espaces de travail : imaginer de nouveaux espaces pour transformer les usages
– Art & Décélération : ralentir pour voir autrement
– Art & Leadership : incarner la confiance et l’éthique pour influencer son secteur économique

• Appréhender le secteur économique sous un prisme différent pour enrichir ses questionnements. Favoriser l’expérience croisée pour s’inspirer :
– Art & Luxe : comprendre l’expérience immatérielle de l’art pour créer une expérience enrichie
– Art & Design : décoder la couleur dans les mondes industriels, de la communication et du numérique (avec l’ENSCI)

Du militaire au civil, un regard porté vers l’autre

Fermés en 2006 pour de grands travaux de rénovations, la salle « général Niox – documentation & bibliothèque » ainsi que le « cabinet des dessins, estampes et photographies du musée de l’Armée » ont ouvert leurs portes au public le 7 mars 2018.

Installés dans une aile de l’Hôtel national des Invalides, les nouveaux espaces répartis sur environ 800m2 comprennent des lieux de conservations des collections mais aussi de consultation qui offrent un ensemble de ressources bibliographiques, documentaires et artistiques aux publics intéressés par l’histoire et la représentation des conflits armés.

[La salle général Niox, dédiée à la communication des ressources documentaires, est accessible sans rendez-vous. La salle de réserve du cabinet des dessins, estampes et photographies ainsi que des livres et manuscrits anciens, rares et précieux, nécessite de prendre rendez-vous]

Crée en 1905 par la fusion du musée d’Artillerie (1871) et du musée historique de l’Armée (1896), le musée de l’Armée dédiée à l’histoire militaire abrite plusieurs collections comprenant près de 500 000 pièces allant de l’âge de bronze au XXIe siècle.
– La collection du cabinet des dessins, estampes et photographies s’articule autour de 9 000 dessins, 20 000 estampes et affiches et de 60 000 photographies dont 400 albums, 20 000 plaques, 4 000 négatifs souples et plusieurs milliers de tirages.
– La collection de la documentation & bibliothèque est constituée de 30 000 ouvrages (et non 300 000 comme indiqué dans l’interview) et de 650 périodiques.
Ces deux collections couvrant une période allant du XVIe siècle à nos jours qui avaient pour première vocation une fonction pédagogique, sont aujourd’hui regardées différemment. De documents de travail au statut d’œuvre d’art, la collection du cabinet des dessins, estampes et photographies par ses nouvelles acquisitions a pour ambition de créer des passerelles entre l’intérieur – le militaire et l’extérieur – le civil et de permettre ainsi un regard transversal, un regard porté vers l’autre.

Pour décrypter la collection du cabinet des dessins, estampes et photographies, la rédaction de FranceFineArt a rencontré Sylvie Le Ray-Burimi, conservateur du patrimoine, chef du département des peintures et sculptures, du cabinet d’art graphique et photographique et du centre de documentation du musée de l’Armée et Anthony Petiteau, responsable des collections de photographies au cabinet des Dessins, des Estampes et de la Photographie du musée de l’Armée. Nous vous invitons à écouter l’entretien.

Cacher pour dévoiler

Jeune artiste photographe, fraîchement diplômée de l’école des Gobelins en juin 2017 ; les photographies de Charlotte Mano sont une expérience à vivre.

Ma première vision de son travail a été une image sombre, presque noire, une image où il n’y avait rien à voir, juste un aplat. Pour voir, j’ai du toucher l’objet, manipuler la surface sensible du papier. C’est la chaleur, de mes mains, qui a révélé la photographie.

Vous connaissez peut-être le principe de l’image latente, de l’image en devenir, de l’image qui a été capturée, et qui attend d’être développée pour apparaître et exister, avec Blind visions, Charlotte Mano utilise le même principe. Le révélateur est l’action du regardeur. Sans son implication, l’image reste absente, aveugle. L’image non révélée reste un fantasme, un imaginaire.

Charlotte Mano le sait, elle le dit, le propre de la photographie est de montrer. Par esprit de contradiction, dans une société où l’image est omniprésente, pour son travail de recherche, la jeune artiste explore de nouvelles possibilités. Elle essaye de trouver de nouvelles formes d’écritures photographiques. Par la somme d’expériences mais aussi par pudeur, en mettant des obstacles, elle cherche à détourner l’image. Entre dévoiler, cacher, apparaître, disparaître, Charlotte Mano détourne le réel.


Anne-Frédérique Fer