“Julia Margaret Cameron” Capturer la beauté

au Jeu de Paume, Paris

du 10 octobre 2023 au 28 janvier 2024

Jeu de Paume

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Extrait du communiqué de presse :

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Parcours de l’exposition

Introduction
Peu de photographes du XIXe siècle ont suscité autant d’attention que Julia Margaret Cameron. Abondamment critiquée de son vivant pour la liberté dont elle faisait preuve à l’égard des conventions de la photographie de son époque, admirée dans le même temps pour le caractère inspiré de ses portraits, Cameron est aujourd’hui encensée pour sa contribution révolutionnaire au médium. Pionnière du gros plan, n’hésitant pas à recourir à une mise au point légèrement floue, puisant dans la religion, la littérature et l’histoire nombre de ses sujets, elle a laissé une oeuvre singulière, à nulle autre pareille. À propos de Julia Margaret Cameron, l’écrivaine Virginia Woolf, sa petite-nièce, évoquait une « vitalité indomptable ». Née Julia Margaret Pattle à Calcutta (actuel Kolkata), fille d’une aristocrate française installée à Pondichéry et d’un fonctionnaire anglais de l’administration du Bengale, élevée entre la France et l’Inde, elle a rejoint l’Angleterre en 1848 lorsque son mari a pris sa retraite de l’administration coloniale britannique. Ils s’installèrent alors sur l’île de Wight, où ils s’entourèrent d’écrivains et d’artistes tout en conservant des liens avec leurs amis et parents établis d’un bout à l’autre de l’Empire britannique. La carrière photographique de Cameron fut brève mais intense. Elle reçut son premier appareil photographique à l’âge de quarante-huit ans, en 1863, et se mit immédiatement à photographier ses proches, famille, employés de maison, voisins célèbres ou habitants de son village. Excentrique, généreuse et autoritaire, elle a marqué par son engagement artistique ceux qui l’approchaient et posaient pour elle. Son travail, qu’elle rangeait en trois catégories, « portraits », « madones » et « sujets d’imagination », fut exposé en Grande-Bretagne comme à l’étranger, diffusé commercialement et envoyé par elle-même à des proches, amis et mentors. Lorsqu’elle retourne vivre à Ceylan (actuel Sri Lanka), elle aura produit en douze ans des centaines d’images et écrit un court texte autobiographique, Annales de ma maison de verre, dont plusieurs des citations reproduites dans l’exposition sont tirées. L’exposition est organisée principalement à partir des collections du Victoria and Albert Museum de Londres, qui, sous son ancien nom de South Kensington Museum, fut un défenseur du travail de Julia Margaret Cameron, lui achetant des dizaines d’épreuves dès les années 1860. Cette collection historique a été depuis complétée par l’entrée du fonds de la Royal Photographic Society, faisant aujourd’hui du Victoria and Albert Museum le dépositaire de la plus importante collection d’oeuvres de Julia Margaret Cameron au monde.

1. « La beauté qui s’offrait à moi » 1864
En décembre 1863, à l’âge de quarante-huit ans, Cameron reçoit son premier appareil photographique en cadeau de la part de sa fille et de son gendre. Si ses premières images signées datent de cette période, il semble toutefois qu’elle se soit auparavant déjà familiarisée avec la technique photographique, notamment le tirage, auprès de quelques praticiens. À partir de cette date, elle consacre son énergie et son ambition à ce nouveau médium. Comme elle l’écrit elle-même dans ses mémoires : « J’ai converti mon abri à charbon en chambre noire, et le poulailler vitré que j’avais offert à mes enfants est devenu ma maison de verre ! […] la compagnie des poules et des poulets céda bientôt la place à celle des poètes, prophètes, peintres et ravissantes jeunes filles ». Son appareil photographique est une chambre sur pied, de grande dimension, et les négatifs utilisés sont en verre : leur sensibilisation doit être effectuée juste avant la prise de vue, à la main, en y étendant une solution liquide appelée collodion. Le procédé est complexe, avec une grande part de risque d’accidents qu’elle-même utilise avec une certaine liberté, ignorant les conventions techniques. Dès ses premières photographies, elle rejette la précision que s’efforcent d’atteindre ses pairs dans la mise au point et laisse souvent apparentes rayures, bavures et autres traces de son travail sur les négatifs et les épreuves. En 1864, en quelques mois à peine, elle élabore un style et un univers dont elle s’éloignera peu par la suite. La singularité de son travail réside en ce qu’il est exclusivement centré sur la figure humaine, à l’exception de tout autre genre (paysage, nature morte) : portraits de sa famille et de ses proches, images religieuses de madones, quelques mises en scène tirées de récits littéraires, la plupart réalisés dans son studio. Tant dans les sujets que dans les formats de ses images, les premières expérimentations de Cameron montrent qu’elle recherche des sources d’inspiration dans les peintures des maîtres anciens – de la Renaissance italienne en particulier –, et dans la sculpture classique qui font son admiration et celle son entourage, tels les marbres du Parthénon.

2. « Poètes, prophètes, peintres et ravissantes jeunes filles » Des portraits originaux
Dans son poulailler devenu studio, à Freshwater, sur l’île de Wight, Julia Margaret Cameron fait poser devant son objectif amis, domestiques et membres de sa famille. Il en résulte des images dont le registre va de la représentation héroïque d’hommes éminents tel le poète Alfred Tennyson, qui compte parmi ses amis les plus proches, aux scènes de famille intimes et aux portraits éthérés de ses femmes de chambre. Pratiquement dès ses débuts, Cameron opte pour la diffusion commerciale de ses portraits : lorsqu’elle choisit un modèle, la photographe agit souvent par désir d’en tirer des gains pour soulager les difficultés financières de la famille, causées en partie par le déclin des plantations de café dont elle est propriétaire à Ceylan (actuel Sri Lanka). Aussi les portraits de grands hommes de son entourage et de célébrités de passage sur l’île de Wight sont-ils davantage susceptibles de trouver un public que ceux d’inconnus. Cameron n’ouvrira pourtant jamais de studio ni n’acceptera de commandes, préférant rechercher elle-même, avec abnégation, ses propres sujets et modèles. Par le choix d’un grand format et de temps de pose longs, elle s’oppose en tout point aux usages de la photographie commerciale de son temps, marquée par une recherche de l’instantané et une réduction du format des images. La proximité avec son modèle, comme le recours fréquent à une forme de clair-obscur, la démarque également de ses contemporains. Son goût prononcé pour des vêtements intemporels rend enfin parfois difficile la distinction entre portraits purs et images narratives ou allégoriques. Pour Cameron, fervente chrétienne, chaque portrait exprime une idéalisation et est « l’incarnation d’une prière », une forme d’épiphanie.

3. « Voix, mémoire et vigueur créatrice » Les récits illustrés de Julia Margaret Cameron
« [D]ès le premier instant, je manipulai mon objectif avec une tendre ardeur, tant et si bien qu’il est devenu à mes yeux semblable à un être vivant doté d’une voix, d’une mémoire, et d’une vigueur créatrice. » Cameron se sert de son appareil photographique pour raconter des histoires : elle créera des images allégoriques et narratives tout au long de sa carrière photographique. Elle met en scène des personnages et des épisodes de la Bible, de la mythologie et de la littérature classiques – dont des oeuvres de William Shakespeare, de John Milton et d’Alfred Tennyson –, leur donnant vie sous des allures de songe. Elle inscrit sur un grand nombre de ces photographies des citations littéraires et publie des illustrations destinées à accompagner le cycle poétique arthurien de Tennyson, Idylls of the King [Les Idylles du roi]. Incluant une vaste panoplie de costumes et d’accessoires, ces images illustrent l’exploration du récit photographique entreprise par Cameron sous sa forme la plus ambitieuse et la plus assidue. En cela, Julia Margaret Cameron n’est pas totalement isolée. D’autres photographes, en Angleterre, à la même période, pratiquent également ce type de mises en scène. Pourtant, ces images, qu’elle a abondamment exposées et diffusées, resteront, de son vivant et longtemps après sa mort, la part mal aimée de son oeuvre. De même qu’elle rejette les conventions techniques auxquelles sont attachés la plupart des photographes de son temps, Cameron ignore l’opinion dominante qui s’interroge quant à l’opportunité d’employer un médium réputé fidèle à la réalité pour représenter des personnages de fiction. Ses « compositions d’imagination » sont ainsi souvent mal reçues par ses contemporains, qui lui reprochent la naïveté de celles-ci et d’engager la photographie dans une voie impossible. Si ces images ont continué à être largement négligées pendant toute une partie du XXe siècle, elles sont aujourd’hui reconnues comme des éléments essentiels de son legs artistique, témoignant de sa volonté d’embrasser le potentiel créatif de la photographie.