“Graver la lumière”
L’estampe en 100 chefs-d’oeuvre, de Dürer à Picasso

au musée Marmottan Monet, Paris

du 5 juillet au 17 septembre 2023

Musée Marmottan Monet

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Extrait du communiqué de presse :

Parcours de l’exposition

Le parcours de l’exposition se divise en 7 sections thématiques où les planches d’artistes récents dialoguent avec des chefs-d’oeuvre de la collection consacrés par l’Histoire. Le regard propose donc non pas une chronologie, mais une approche libre et sensible qui tend à favoriser les affinités entre maîtres anciens et créateurs contemporains, ceci pour rappeler que les interrogations formelles et les ambitions techniques se répondent depuis toujours d’oeuvre en oeuvre et transcendent le temps.

L’ESTAMPE AU SERVICE DU LIVRE. LA BIBLE
Depuis son apparition comme moyen de multiplication des images, l’estampe est étroitement liée à l’édition de livres. Les vignettes gravées et insérées dans les premiers ouvrages imprimés remplacent, dès le milieu du XVe siècle, les délicates enluminures des manuscrits médiévaux. De cette manière, la parole, et notamment la parole religieuse, est relayée par l’image et peut être diffusée auprès d’un public illettré. Dürer a réalisé dans ce contexte de nombreuses compositions en relation avec les textes sacrés : Vie de la Vierge, Passion de Jésus-Christ, représentations de scènes de l’Ancien Testament et de l’Apocalypse qui accompagnent des éditions en petit ou en grand format. Un siècle et demi plus tard, Rembrandt interprétera à son tour, mais à l’eau-forte, les passages les plus significatifs du Nouveau Testament. On peut aisément comprendre pourquoi le pasteur William Cuendet a collectionné toute sa vie ces images qui viennent illustrer sa méditation d’homme de foi.

LE VÉDUTISME. ROME ET VENISE
Dès le XVIe siècle, la gravure a largement contribué à l’élargissement des connaissances scientifiques et de la géographie. Très vite d’imposants atlas et cosmographies contiennent de nombreuses vues de ville, des cartes et plans topographiques. Au XVIIIe siècle, se développe en Italie la mode du védutisme qui encourage la restitution par l’image gravée, des monuments historiques et des joyaux ornant les villes visitées par les premiers touristes. Ce sont là des images libres ou reliées en volumes que les voyageurs fortunés peuvent acquérir et emporter aisément avec eux au moment de leur retour au pays. Canaletto à Venise, puis Piranèse à Rome, se révèlent vite les maîtres incontestés de ce genre qui satisfait par moments aux exigences de la vérité topographique et à d’autres répond davantage aux aspirations de la rêverie.

CLASSICISME FRANÇAIS
Grâce à l’apport de plusieurs collectionneurs, la Fondation Cuendet s’est enrichie au cours de ces dernières années d’un ensemble exceptionnel d’estampes de maîtres français du XVIIe siècle. D’une part, une série de paysages de Claude Lorrain, gravés à l’eau-forte, dans lesquels les effets de la lumière apparaissent d’une délicatesse et d’une richesse infinies en dépit de la sobriété du langage employé. À côté de cet ensemble, la collection réunit quelques portraits majeurs des personnages illustres de la cour de France dus aux burinistes Claude Mellan et Robert Nanteuil. Dans ces images emblématiques du classicisme français, la technique à la fois simple et virtuose permet de restituer à l’aide des seuls jeux du noir et blanc toutes les nuances des tissus, les subtils reflets dans les chevelures et sur les visages.

INTIMITÉS
Quand elle ne sert pas à faire circuler à travers l’Europe des interprétations de peintures, sculptures et autres oeuvres d’art ; quand elle ne reproduit pas l’effigie des grands de ce monde ; et quand elle n’est pas destinée à l’édition commerciale diffusant un peu partout en Europe l’image des monuments célèbres, la pratique de l’estampe peut rejoindre les préoccupations plus intimes et personnelles des artistes. La Fondation Cuendet contient ainsi de nombreux portraits qui témoignent de l’attrait des artistes et des collectionneurs pour l’introspection psychologique. Plusieurs planches, remontant principalement à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, témoignent également d’une passion très prononcée pour les scènes de genre, les intérieurs et les dialogues intimes avec la musique ou la poésie.

LA PASSION DU PAYSAGE
La découverte de la peinture de paysage et la relation de celui-ci avec la subjectivité revêt une importance nouvelle à la suite de Jean-Jacques Rousseau, à partir du romantisme. La plupart des artistes travaillant autour de l’Atelier de Saint-Prex sont des peintres qui se sont vivement intéressés dans leur oeuvre personnelle pour le genre en question. Il n’est donc pas étonnant de retrouver dans la collection dont ils ont le souci divers paysages réalisés par un grand nombre de maîtres appartenant à tous les siècles. À ce titre, l’ensemble des clichés-verres de Camille Corot ou des lithographies de Rodolphe Bresdin est exemplaire. Leur modèle ne fournit pas seulement le témoignage d’une extraordinaire liberté dans le maniement de l’outil mais il constitue du même coup pour certains un formidable stimulant pour renouveler leur technique et développer de nouveaux thèmes.

PROUESSES TECHNIQUES
Dans tous les ateliers de gravure, les artistes discutent volontiers des secrets de la technique et des prouesses de métier réalisées par les Anciens. Des images emblématiques sont commentées, soit en raison du mystère qui entoure encore leur fabrication, soit en raison de l’admiration générale qu’on porte à leur beauté. L’Atelier de Saint-Prex, actif aujourd’hui, interroge ainsi en permanence les grands modèles du passé pour essayer non seulement de les comprendre mais de les dépasser. Les exemples de la Sainte Face de Claude Mellan, réalisée d’un seul trait sans jamais lever l’outil de cuivre, ou celui de l’Ange anatomique de Jacques-Fabien Gautier-Dagoty qui figure parmi les premières estampes en couleurs, sont des oeuvres de référence qui ont stimulé bien des réflexions chez les graveurs travaillant à l’atelier.

L’ATELIER
Un atelier est par définition un lieu où se rencontrent de nombreuses personnalités différentes et des expressions contradictoires. Et l’Atelier de Saint-Prex n’a jamais dérogé à cette règle. Néanmoins, une certaine cohérence peut se déceler dans la réunion de ces différences : c’est d’abord un souci du beau métier, puis une connaissance étendue de l’histoire du genre, enfin un respect inconditionnel à l’égard de l’art de l’estampe et de ses procédés. Et si les discussions vont bon train, elles servent à enrichir les très nombreux angles de vue (historique, scientifique, sociologique, technique, polémique, esthétique) sous lesquelles la pratique de l’estampe peut être envisagée.

L’HÉLIOGRAVURE À GRAINS
La photographie, on l’ignore parfois encore, est née des réflexions et des expériences des graveurs autant que de celles des chimistes. Dans l’esprit des pionniers, l’idée de fixer et de multiplier l’image sensible passe très vite par la recherche d’un support capable d’affronter les grands tirages. Le procédé de l’héliogravure, qui permet d’imprimer durablement sur papier les plus fines nuances de la gamme du noir au blanc, s’impose alors comme la technique la plus fiable et, surtout, comme l’une des plus satisfaisantes sur le plan esthétique. En effet, en raison du grain d’aquatinte qui ajoute un léger relief à l’image, le procédé permet à l’oeil de percevoir la troisième dimension de la lumière. Et même si cette pratique complexe et exigeante fut très tôt supplantée par des solutions plus économiques, elle eut toujours la préférence des photographes soucieux de donner à leurs clichés un rendu fouillé et vibrant.