“Yves Saint Laurent – FORMES”
Décors et œuvres de Claudia Wieser

au Musée Yves Saint Laurent Paris

du 9 juin 2023 au 14 janvier 2024

Musée Yves Saint Laurent

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Extrait du communiqué de presse :

Parcourt de l’exposition

Formes pures
TOUT au long de sa création Yves Saint Laurent a inscrit la beauté féminine en lignes, aplats et formes. Dès ses débuts pour la maison Christian Dior, il conçoit des créations légères, tenues par les épaules et non plus par la taille, qui s’éloignent de la ligne New Look . Cette tendance au dépouillement apparaît ensuite de manière constante dans son oeuvre et au travers de réalisations discrètes, qui témoignent de toujours plus de rigueur. Yves Saint Laurent trace une silhouette toute en verticalité, essentielle et libérée de tout super-flu, afin d’atteindre la pureté de la construction. C’est de cette rigueur que découle son style. Ce dernier est, comme il l’exprime, nourri de multiples influences : « J’ai l’impression de faire toujours la même chose et en fait, pas du tout. Il y a une évolution, qui peut venir d’un tissu, d’une tendance, d’un courant d’idées, d’un mouvement artistique. » Les vêtements empruntés au monde du travail sont une de ses sources d’inspiration. Il les adapte à la haute couture, pour en offrir une version féminisée. Il réinterprète les codes des « formes permanentes » de ce qu’il appelle « les vrais vêtements » Ainsi, le jump-suit, combinaison utile aux aviateurs puis aux spationautes, est transformé en un ensemble monochrome, dont l’élégance est profilée par des lignes simples et fluides. À la fin des années 1960, ce vêtement devient un classique de la garderobe Saint Laurent évoquant à la perfection son esthétique « chic décontractée ». La volonté farouche du couturier est d’habiller le corps de la femme, de sorte que le tissu suive ses mouvements et ses attitudes. La mode, selon lui, ne doit pas être raide mais bien au service de la femme. Il l’explique ainsi : « Une robe, ce n’est pas de “l’architecture”, c’est une maison : elle n’est pas faite pour être contemplée, mais pour être habitée et il faut que la femme qui l’habite se sente belle et bien dedans ». Le secret d’un art qui entre en maturité pour toucher l’absolu raffinement, la grâce et l’intempora-lité d’un vêtement.

Formes et couleurs
LA COULEUR est pour Yves Saint Laurent l’essence même de la composition des formes. Les premières créations du couturier sont des robes courtes, droites aux coloris exubérants, à l’image d’une femme élégante et moderne. Les collections des années 1965 et 1966 proposent un style avant-gardiste, puisant leurs sources dans l’univers des peintres abstraits. Combinant rigueur de la coupe et fantaisie chromatique, ces robes se présentent comme des constructions nouvelles, nées de la rencontre de plusieurs plans aux tonalités vives, qui dynamisent l’ensemble. La nature et la disposition de ces surfaces colorées participent à la diversité des formes produites. Chez Yves Saint Laurent la couleur est au coeur de sa démarche créative, elle se fait matière et expression. Il privilégie des assemblages par aplats de couleurs saturées, faits sur des matières unies et lisses comme le jersey. La juxtaposition « en vagues » qui avait caractérisé une grande partie de la collection automne-hiver 1966 est remplacée dans les décennies suivantes par des imbrications bien plus nettes, entre rectangles de couleur ou matières différentes et lignes tranchantes. Les teintes sont assemblées par deux ou par trois et s’étagent tel un colorama. Une couleur foudroyante s’impose toujours plus que les autres, attirant le regard sur une partie choisie de la silhouette. Coloriste hors pair, Saint Laurent ose une palette radicalement nouvelle, empruntant pour ses tenues les tons vifs de l’abstraction géométrique ou ceux vibrant du Pop art. La forme se définit ainsi par contraste entre ces couleurs. Des accords stridents, parfois même imprévisibles, s’affrontent sur une même tenue avec inventivité et précision, et un jeu de tension se met en place entre forme et couleur.

Noir et blanc, dessiner la forme
INTEMPORELS et contemporains, le noir et le blanc font partie intégrante de l’univers créatif d’Yves Saint Laurent et ce dès l’origine. Avec le couturier, tout travail sur la forme commence par un trait de crayon sur le papier pour esquisser ses modèles. « […] je pense qu’une feuille blanche, c’est très ennuyeux et que sans le noir il n’y a pas de traits, pas de lignes. C’est pour ça que mes femmes sont souvent en noir, j’aime que les femmes ressemblent à des dessins, à des épures ». En effet, Yves Saint Laurent utilise la ligne noire comme un moyen d’expression concordant avec sa recherche constante de simplicité et de pureté. Le noir, teinte favorite du couturier pour le soir comme pour le jour, est dans l’inconscient collectif encore associé au deuil par opposition au blanc, symbole de lumière. Pourtant, dès le XIVe siècle, il s’impose peu à peu dans la mode, puis entre, au XIXe siècle, dans toutes les garde-robes devenant la quintessence de la simplicité, de l’élégance et de la séduc-tion. Si, en 1926, il connaît un apogée avec la couturière Coco Chanel (1883–1971) et sa cé-lèbre petite robe noire, Yves Saint Laurent s’aventure encore plus loin. « Je l’aime parce qu’il affirme. […] Mais attention, pas la “petite robe noire” qu’on porte avec des perles et une étole de vison. Du noir moderne. » Car, si dès les années 1910–1920, le noir devient un manifeste de la modernité en opposition binaire avec le blanc avec des artistes comme le peintre russe Kasimir Malevitch (1879–1935) et son fameux tableau Carré noir sur fond blanc (1915), il est poussé à son paroxysme dans l’oeuvre du couturier. À l’instar des artistes mini-malistes ou de l’Op art, par un subtil jeu de contrastes, de symétries et de dissimulations, Yves Saint Laurent crée un répertoire visuel et formel qu’il décline à l’infini.

Formes géométriques
LA FORME peut être donnée de différentes manières : par la coupe, la ligne ou la couleur. Ces trois états sont ici réunis pour façonner des ensembles. Comme en témoignent ses multiples dessins de recherches, Yves Saint Laurent construit sa collection SAINT LAURENT rive gauche de l’automne-hiver 1988 autour de formes géométriques colorées. À l’instar des peintres cubistes et dans la continuité des collections haute couture de cette même année, il va jusqu’au bout d’une thématique en la déclinant grâce à de nombreuses combinaisons de lignes, couleurs ou textiles. C’est à l’aide du pastel et d’échantillons qu’il réfléchit dès son dessin à différentes compositions. Comme le maitre verrier élaborant son vitrail, il sépare les formes de larges ganses noires pour appuyer les lignes du corps féminin. Les textiles choisis pour réaliser ces vestes créent un nouvel effet d’optique par l’alternance de mates et de brillants, de surface lisses ou côtelés et de reliefs engendrés par les ganses et les sequins. Les accessoires, des gants colorés et des chapeaux constitués de cubes superposés ou de cônes, prolongent la pensée du couturier. Yves Saint Laurent avait affirmé l’importance de la forme dès sa première collection chez Christian Dior au printemps-été 1958, où une majeure partie des modèles était confectionnée à partir du trapèze qualifiant ainsi la ligne de cette collection. La forme reste présente au fil des collections et se retrouve jusqu’à la fin de sa carrière.

TREIZE vestes de la collection SAINT LAURENT rive gauche de l’automne – hiver 1988 sont d’inspiration cubiste. Elles sont façonnées à partir de formes géométriques imbriquées les unes aux autres, aux textiles et aux couleurs contrastantes. Celle-ci est composée d’un patchwork de satin et cuir, procurant brillance et rigidité, aux cinq couleurs fortes et tranchantes : rose, blanc, noir, fuchsia et jaune. Lors du défilé, Iman porte cette veste avec une jupe droite de satin cuir noir et des accessoires venant accentuer la silhouette : un chapeau créé de deux cubes enchevêtrés fuchsia et noir et des boucles d’oreille composées de triangles et de cercles.

DANS sa collection haute couture printemps – été 1980, Yves Saint Laurent remet au goût du jour l’un de ses précédents succès : l’hommage à Piet Mondrian (1872 – 1944) et au mouvement « De Stijl », dont il a trouvé l’inspiration dans l’ouvrage Piet Mondrian, Sa vie, son oeuvre écrit par Michel Seuphor en 1956. En effet, le couturier transforme de nouveau les créations du peintre en une oeuvre animée tridimensionnelle. Il reprend les codes de ses fameuses robes de la collection haute couture automne – hiver 1965 en optant cette fois-ci pour un tailleur-jupe de toile et gabardine : proche de l’abstraction, la coupe est simple, droite et structurée. Les grands aplats de couleurs primaires sont soulignés par un grillage composé de traits noirs, donnant ainsi un effet géométrique à l’oeuvre.

Oeuvres et décors de Claudia Wieser
APRÈS une formation en ferronnerie et des études à l’Académie des beaux-arts de Munich, Claudia Wieser (née en 1973, en Allemagne) développe une pratique artistique dominée par le travail de la géométrie et de l’espace. Elle mélange les techniques et les matières (céramique, miroir, bois, photographie) en créant des compositions graphiques ainsi que des volumes décoratifs. Depuis 2002, elle expose régulièrement à l’international et participe à de nombreuses résidences. En 2010, elle réinterprète Le Poème de l’angle droit du Corbusier au sein du Drawing Center à New York. En 2021, invitée par le Public Art Fund de New York, l’artiste conçoit son premier projet d’art dans l’espace public : cinq sculptures monumentales mettent en lumière le dynamisme de la ville et ses habitants.