“Paysage” Fenêtre sur la nature

au Louvre-Lens, Lens

du 29 mars au 24 juillet 2023

Louvre-Lens

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Extrait du communiqué de presse :

Parcours de l’exposition

Introduction
La représentation du paysage est révolutionnée à la Renaissance, au cours des 14e et 15e siècles, par l’importance que prend la perspective. Le point de vue du peintre, à partir duquel elle est construite, règne désormais en maître sur le paysage. À cette époque, les artistes occidentaux s’identifient au dieu chrétien, créateur du monde. Du chaos de leur imagination, ils font émerger l’oeuvre, qu’ils comparent à la Création racontée dans la Bible. Jusque-là, cette Création ou cosmos, était souvent perçue comme un organisme vivant. Aux environs des 16e et 17e siècles, sous la poussée de la révolution scientifique, le cosmos commence à être vu comme une machine. La nature est assimilée à une matière que l’humain peut modeler à sa guise. Pièce après pièce, étape après étape, le paysage est alors composé comme un monde en réduction.Une immersion dans ce microcosme est proposée par la scénographie de l’exposition dessinée par l’artiste contemporain Laurent Pernot. Sensible et ouverte, elle introduit dans les coulisses de la fabrication du paysage, de l’esquisse fragmentaire à l’oeuvre intégrale, de l’invention de la perspective à celle de l’abstraction évacuant tout objet réel, d’une nature mise à distance à un environnement partagé avec vivant et non-vivant. Le parcours invite à suivre ces phases du travail de l’artiste, jusqu’à la réinvention du paysage aux 19e et 20e siècles. L’exposition s’ouvre au visiteur par un espace cinématographique, conçu par Laurent Pernot. Les extraits proposent de plonger dans des paysages dont la temporalité semble précéder l’apparition des civilisations, sans l’empreinte de l’être humain dans la nature. Les séquences choisies suscitent le rêve, l’émerveillement et la contemplation, par la rencontre d’images et de films de référence qui mêlent les genres et les origines géographiques. Le cinéma d’auteur et la science-fiction se côtoient dans un ballet sonore, spatial et visuel, qui constitue une première expérience sensorielle. Éveillant les sens, cette introduction invite à poursuivre sa visite en sollicitant non seulement son regard et son écoute, mais aussi son attention aux effets des images sur sa propre perception.

À l’origine des mondes
Les notions de nature et de paysage n’ont pas toujours existé, elles sont des constructions culturelles. Pour expliquer la Création du monde, les êtres humains inventent des récits fondateurs : les mythes des origines. La plupart de ces mythes reposent sur des divinités à forme humaine ou animale, qui incarnent les éléments. Ainsi, chez les Égyptiens, la déesse Nout est le Ciel, le dieu Geb la Terre. Encore aujourd’hui, nos langues, nos poésies, nos oeuvres d’art sont imprégnées de cette vision anthropomorphe de la nature, renvoyant les éléments à des êtres à l’apparence humaine. L’idée de nature émerge sans doute peu à peu au Néolithique (entre 8000 et 3000 avant Jésus-Christ), avec l’apparition de l’agriculture, de l’élevage et des villes. Le terme natura est issu de la langue latine, et évoque plutôt des forces qui régissent le monde. Chez les chrétiens, la nature devient la Création d’un dieu omnipotent. Le monde est son chef-d’oeuvre. À la Renaissance se fait jour l’idée que, lorsqu’un artiste peint un paysage, il crée un nouveau monde, un nouveau Paradis, comme Dieu l’avait fait auparavant.

Les ornements de la nature
Comment créer un paysage ? Si l’on se place trop près de ce que l’on dépeint, le paysage se transforme en portrait d’arbre ou en nature morte. À l’inverse, si le recul est trop grand, ce dernier se métamorphose en carte géographique ou en magma de couleurs mêlées. Pour quitter le chaos originel, il faut trouver la juste distance. S’approcher pour étudier les éléments un à un, puis s’éloigner pour les assembler. C’est du moins ce qu’enseignent divers manuels pédagogiques anciens, comme ceux des artistes Nicolas Mandevare (vers 1773/1793-1829) et Katsushika Hokusai (1760 – 1849). Cette méthode se manifeste dans les travaux préparatoires des artistes. Avant l’élaboration de son paysage, l’artiste s’entraîne à reproduire les « ornements de la nature » : arbres, rochers, ciels et eaux. Il peut le faire d’après les oeuvres des maîtres qui l’ont précédé, mais également « sur le motif », c’est-à-dire en plein air. La phase de la création, de la composition, aura lieu plus tard, souvent dans l’espace clos de l’atelier.

La grande confrontation
Esquissés d’innombrables fois, l’arbre, le rocher, le ciel et l’eau forment un abécédaire. Cependant, pour qu’un paysage naisse, leur combinaison doit respecter certaines règles. Dans le cas inverse, les ornements de la nature flottent à la surface de la toile, motifs décoratifs que rien ne vient unir en un tout cohérent. La grammaire du paysage varie selon les pays et les époques. Les artistes l’apprennent et l’adaptent grâce à la copie des oeuvres de ceux qui les ont précédés, ainsi qu’à l’apprentissage au contact de la nature même. En Occident, la pratique en plein air acquiert une importance grandissante à la Renaissance, qui ne faiblit plus jusqu’au 19^e siècle. Être sur le terrain permet d’étudier non seulement les « ornements de la nature », mais aussi son rythme, ses pulsions, ses mouvements. Il est donc impératif pour un artiste de se confronter avec la nature elle-même. L’aspect matériel des outils a un impact décisif. L’invention du tube de peinture en 1841 permet le développement fulgurant de la peinture en extérieur. Grâce à cette révolution, les déplacements sont facilités. Le paysage réel devient l’atelier du peintre, puisqu’il n’est plus nécessaire de préparer ses couleurs.

Au rythme de la nature
Une fois les ornements de la nature assemblés dans une composition d’ensemble, la quatrième dimension, le temps, peut être introduite. Dès la fin du Moyen Âge, la métamorphoses de la nature en fonction des rythmes journaliers, des saisons ou des convulsions de la croûte terrestre a fasciné les artistes, ces changements pouvant enrichir des créations plastiques autant que chromatiques. Pour évoquer les changements permanents des paysages, ils peuvent travailler sur le mode de la série : un tableau figurant le lever de soleil et son pendant représentant un coucher, un printemps escorté d’un été, d’un automne et d’un hiver. Les techniques de reproductions multiples sont particulièrement en phase avec ce travail en série, par exemple la gravure sur bois pratiquée avec brio par les artistes Katsushika Hokusai et Utagawa Hiroshige (1797-1858) au Japon. La pulsation du temps rappelle que jours, saisons, années sont la mesure de la vie humaine. Le contraste entre sa brièveté et les temps plus longs de la nature ouvre dans le paysage une cinquième dimension, celle de la poésie et des émotions. Par cette brèche s’insinuent, selon les époques et les cultures, harmonie et sérénité ou tempêtes et passions.

Un regard théâtral
Très tôt, la nature a été utilisée comme le support parfait pour accompagner les aventures humaines. Qu’elle soit un simple décor, dans un esprit théâtral, un environnement suggestif ou poétique, un contrepoint allégorique ou dramatique, elle a été conçue, depuis l’Antiquité, mais surtout dans les périodes modernes, comme l’arrière-plan d’innombrables illustrations de récits religieux, historiques, sociaux ou simplement anecdotiques. Cependant, de décor, elle devient souvent actrice. Depuis l’Antiquité jusqu’à l’époque moderne, nombre de sujets – mythologiques, religieux, historiques et littéraires -, ne se conçoivent pas sans sa présence. La relation entre le récit développé dans une oeuvre et la représentation de la nature a longtemps été structurante. Ces utilisations de la nature comme décor sont dès le 17e siècle théorisées avec précision et érudition.

Réinventer la nature – Dépasser le réalisme
À la fin du 19e siècle, la stimulation de la photographie et du cinéma amène des artistes, tel Vassily Kandinsky (1866-1944), à développer une réflexion nouvelle sur ce que doit être la peinture. Dans son ouvrage intitulé Du spirituel dans l’art, et dans la peinture en particulier (1910), Kandinsky établit que le peintre doit se libérer de l’injonction d’imiter la nature. Il doit rechercher le vrai et, pour cela, se fier à ce qu’il ressent et pense. Peu à peu émergent des visions et des techniques très personnelles, où couleur, trait, touche, motif se libèrent des règles de l’art. C’est finalement l’aboutissement du point de vue unique mis en place par la perspective à la Renaissance. Le paysage n’est plus seulement un morceau de réel découpé dans le visible, ni un petit théâtre dans lequel se raconte une histoire. Totalement intériorisé, c’est une création issue de la sensibilité de l’artiste et de son intellect. Apparaissent ainsi des mondes abstraits, constitués de formes et de couleurs, de souvenirs, de rêves et de symboles, tels les paysages éclatants de Georgia O’Keeffe (1887-1986). Des bandes de couleurs irradiantes se déroulent, miroitent sur une rive mobile et communiquent les énergies perçues par l’artiste ; le paysage acquiert une individualité qui ne passe pas par la mimesis. Joan Mitchell (1925-1992) développe une peinture où le geste-couleur est très présent ; les paysages qu’elle crée sont des souvenirs d’émotions ressenties.

Réinventer la nature – Du spirituel dans la nature : états d’âmes
Aux 19e et 20e siècles, le paysage devient également un état d’âme. L’artiste projette son humeur sur la toile. Non seulement les éléments comme les arbres ou la lumière sont traités de manière à exprimer sa tristesse ou sa joie, sa mélancolie ou sa sérénité, mais ensuite le peintre choisit des endroits qui lui ressemblent. L’aggravation des problèmes écologiques vient menacer cette relation en miroir. Elle amène à se poser la question suivante : et si les paysages avaient une âme bien à eux ? La conscience écologique se précise au 19e siècle, par exemple dans la forêt de Fontainebleau, menacée par des coupes massives. Des artistes, comme le peintre Théodore Rousseau (1812-1867) et l’écrivaine George Sand (1804-1876), prennent position publiquement : la forêt devient et demeure « réserve artistique ». Dans une tribune, George Sand écrit : « Quand la terre sera vaste et mutilée, nos productions et nos idées seront à l’avenant des choses pauvres et laides qui frapperont nos yeux à toute heure. Les idées rétrécies réagissent sur les sentiments qui s’appauvrissent et se faussent ». Le 20e siècle poursuit ces explorations, flirtant avec les limites de ce que peut être un paysage. Les préoccupations écologiques invitent peu à peu dans ce ballet de nouveaux acteurs, sous l’égide d’une nature recouvrant insensiblement l’âme qui lui a été ôtée au temps de la révolution mécaniste. La « crise de la sensibilité », aujourd’hui évoquée par le philosophe Baptiste Morizot et l’historienne de l’art Estelle Zhong Mengual, invite à renouer avec les êtres vivants et non vivants, en multipliant les points de vue. Ce parcours au sein de la fabrique du paysage se termine par une note ouverte et onirique avec l’artiste-vidéaste Anne-Charlotte Finel ; à la lisière du jour ou de la nuit, de la lumière ou de l’ombre, de la forêt ou de la ville, du défini ou de l’indéfini, où toutes les rêveries, toutes les idées sont possibles. La place est laissée à l’imagination et à la sensibilité, forces considérables, grâce auxquelles nous sommes toutes et tous créateurs de paysage.