“La photographie en toutes lettres” 

à la Maison Européenne de la Photographie, Paris

du 10 juin au 13 septembre 2026

Maison Européenne de la Photographie

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Extrait du communiqué de presse :

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Parcours de l’exposition

L’exposition débute en Bourgogne, avec Nicéphore Niépce qui, entre 1826 et 1827, réalise depuis la fenêtre de sa maison de Saint-Loup-de-Varennes, la première photographie connue de l’histoire. Deux siècles plus tard, cette première salle revient aux origines, à la fois géographiques, historiques et imaginaires, du médium photographique. Trois entrées lexicales structurent cet espace. A, comme Adolescence, interroge cette période de bascule que la photographie sait si bien retenir entre l’enfance qui s’efface et l’âge adulte qui n’est pas encore advenu. Rineke Dijkstra, Yohanne Lamoulère et Claudine Doury apportent chacune leur propre regard sur la jeunesse, qu’elle se vive en France à Marseille, sur les plages de la mer du Nord ou dans un camp de vacances en Crimée. B, comme Bourgogne, ancre la photographie dans son territoire d’origine, avec une sélection d’images de Ralph Gibson qui arpente la région au début des années 1990. C, comme Conte, nous emmène vers la relation ancienne que la photographie entretient avec le merveilleux depuis ses origines, des photographies spirites du XIXᵉ siècle aux « Personnages à réactiver » de Pierre Joseph.

La seconde salle se penche sur les capacités techniques du médium photographique à capter ce que l’oeil humain ne perçoit qu’en fragments, furtivement, sans jamais pouvoir vraiment s’y arrêter. Là où le regard glisse, la caméra fixe. Ces trois mots, D comme Dos, E comme Envers et F comme Face réunissent huit artistes autour d’une même question : que révèle le corps lorsqu’on le regarde autrement ? De dos, J.D. ‘Okhai Ojeikere documente les coiffures féminines nigérianes comme un acte de fierté culturelle, Alexandra Catiere fixe des silhouettes face à la mer et Robert Mapplethorpe offre sa nuque telle une sculpture moderne. De face, Pieter Hugo confronte les spectateur·ices à des regards qui interrogent la notion de couleur de peau, Bettina Rheims photographie des corps androgynes qui déstabilisent les représentations du genre. Enfin, à l’envers, le couple Anna et Bernhard Blume met en scène un quotidien surréaliste et Patrick Tosani photographie les corps par en dessous, les rendant méconnaissables.

La troisième salle élargit le propos vers des pratiques mixant les médias, où photographie, texte et installation se rencontrent autour des notions de géographie, histoire et illusion. Le terme Géographie est l’occasion d’introduire la notion de paysage comme construction artistique avec Nicolas Floc’h, qui plonge dans les écosystèmes sous-marins, et Ilanit Illouz qui cristallise ses images des rives de la mer Morte dans du sel ramassé sur place. H comme Histoire joue sur la relation entre photographie et texte : Sophie Calle rejoue une filature commandée vingt ans plus tôt, Agnès Geoffray tisse une fiction autour des mémoires enfouies dans les coffres d’une banque privée. I comme Illusion remonte aux origines du médium avec Daguerre, peintre de dioramas avant d’être inventeur, et convoque Elina Brotherus, dont les œuvres jouent, chacune à leur manière, avec ce que la photographie cache autant qu’elle montre.

La quatrième salle de l’exposition explore les usages sociaux et institutionnels de la photographie : ses modes de circulation, de diffusion et de consommation, ainsi que son entrée dans les collections muséales. De la presse à la publicité, des clubs amateur·ices au musée, elle s’impose comme un outil indispensable. J comme Journal aborde la photographie comme pratique quotidienne et intime, proche du carnet de vie. K comme Kodak et P comme Pub évoquent la démocratisation du médium et son inscription dans la société de consommation. L comme Life revient sur l’importance des magazines dans la diffusion des images et leurs possibles détournements critiques. M comme Musée interroge le rôle de l’institution dans la légitimation et l’écriture de l’histoire de la photographie. N comme Noctambule met en lumière la fête et la vie nocturne comme espaces d’expérimentation. O comme Ovale présente le travail historique et formel de Florence Henri, en lien avec le Bauhaus. Enfin, Q comme Queer utilise la photographie comme espace de contestation des normes de genre et de sexualité avec des figures pionnières comme Claude Cahun et Marcel Moore jusqu’à des artistes contemporain·es comme Yasumasa Morimura.

La cinquième et dernière salle aborde la photographie à travers ses systèmes de classification, ses normes et ses codes, qu’elle contribue autant à établir qu’à remettre en question. De la règle d’échelle à la taxonomie, du simulacre à la vérité, du carrefour des luttes à l’esprit du temps, ces entrées dessinent une pluralité de regards sur le monde. R comme Règle d’échelle met en lumière, avec Joachim Mogarra, le potentiel poétique des objets ordinaires, détournés pour évoquer des architectures monumentales. S comme Simulacre explore, avec Kasimir Zgorecki, la capacité du studio à produire des identités et à mettre en scène des aspirations sociales. T comme Taxonomie présente le travail d’Ari Versluis et Ellie Uyttenbroek qui, depuis 1994, recensent les styles vestimentaires à travers le monde, révélant à la fois uniformité et singularité des groupes sociaux. U comme UV et W comme Weekend s’intéressent aux pratiques liées aux loisirs et aux vacances, terrain privilégié de l’image vernaculaire, avec Rogério Reis. V comme Vérité réunit David Goldblatt, diCorcia et Sophie Ristelhueber autour d’une même question : que signifie témoigner du réel ? X comme Interdit interroge frontalement la dimension politique du médium : Philip-Lorca diCorcia photographie de jeunes hommes à Los Angeles en réponse à la censure du sénateur Jesse Helms. Enfin, Y comme Carrefour des luttes et Z comme Zeitgeist clôturent le parcours. Bruno Serralongue documente des engagements politiques, sociaux et environnementaux, tandis que Nan Goldin incarne la capacité de la photographie à saisir, depuis une position intime, l’esprit d’une époque, ses tensions et ses transformations.

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Au même moment à la MEP

Camille Vivier
10.06.2026 du 13.09.2026

Commissaire : Victoria Aresheva

Du 10 juin au 13 septembre 2026, la MEP présente la première rétrospective consacrée à l’artiste française Camille Vivier, figure de la photographie contemporaine. À travers un ensemble d’œuvres où dialoguent corps, formes sculpturales et présences troublantes, un univers à la fois sensuel et énigmatique se déploie, traversé de références multiples et d’échos visuels inattendus. Les figures féminines de Camille Vivier fascinent autant qu’elles déstabilisent, affirmant toute la puissance et la complexité de leurs identités.

Depuis plus de vingt-cinq ans, Camille Vivier (1977, France) développe une pratique située à la croisée de la photographie d’auteur·e et de la photographie de mode. Son travail, centré sur le corps et la nature morte, dialogue avec des commandes réalisées pour de grands magazines.

De ces deux versants naît un langage visuel singulier, où sensualité, mystère et poésie, s’entrelacent pour interroger la relation entre le vivant et l’inanimé. Au coeur de sa pratique, la représentation féminine, et plus particulièrement le nu, se déploie en s’appuyant sur de nombreuses références culturelles. Fascinée par les figures de femmes puissantes issues des beaux-arts, de la pop culture et des scènes underground, elle puise également dans la littérature, la bande dessinée ou les premières icônes hollywoodiennes. Ses modèles affirment leur présence avec force. Les corps hors normes de bodybuildeuses – Sophie, Tjiki, Deborah – constituent un terrain d’exploration privilégié. À travers eux, l’artiste engage une réflexion sur la pluralité des féminités, où la construction du corps et celle de l’identité entrent en résonance avec le travail de la sculpture.

Dans des mises en scène énigmatiques, ces figures dialoguent avec des objets anthropomorphes choisis pour leur esthétique autant que pour leur charge symbolique : sculptures monumentales dans l’espace public, bougies votives, marionnettes modernistes ou décors biomécaniques conçus par H.R. Giger pour Alien (1979) de Ridley Scott. La photographie devient le lieu de rapprochements inédits, où s’installe une tension parfois inquiétante entre corps humains et corps façonnés, entre matière et chair, entre ce qui respire et ce qui en conserve la forme.

L’exposition retrace l’ensemble de la carrière artistique de Camille Vivier à travers un parcours thématique réunissant une dizaine de séries et près d’une centaine d’oeuvres : tirages gélatino-argentiques et numériques, Polaroïds, ainsi que des oeuvres conçues spécialement pour l’exposition, dont certaines jouent avec les échelles et les dispositifs de présentation.