“La collection : revoir Picasso”
Nouvel accrochage de la collection

au Musée national Picasso, Paris

à partir du 12 mars 2024

Musée national Picasso

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Extrait du communiqué de presse :

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Le parcours

1. INTRODUCTION

L’art est un mensonge qui nous permet d’approcher la vérité. Pablo Picasso (Malaga 1881 – Mougins 1973)

La traversée de l’oeuvre de Pablo Picasso, c’est aussi celle de la réception du peintre le plus renommé, le plus regardé, le plus étudié mais aussi le plus discuté. Abritant la plus riche collection publique d’oeuvres de l’artiste, le Musée national Picasso-Paris conserve une grande part de ces « Picasso de Picasso » qu’il garda auprès de lui sa vie durant. La collection reflète ainsi la dimension expérimentale et l’extraordinaire diversité du travail de cet artiste qui incarne dans une large mesure l’art moderne du XXe siècle. Inventeur du cubisme, acteur du surréalisme, peintre figuratif engagé, Picasso n’a cessé de se renouveler, inventant tout au long de sa vie de nouvelles manières de représenter le réel. Peintures, sculptures, assemblages, céramiques, dessins ou estampes de toutes les périodes témoignent de l’ampleur de ses explorations. La présence de tableaux d’Henri Matisse ou de Paul Cézanne, de sculptures d’artistes anonymes d’Afrique ou d’Océanie qui appartenaient à Picasso révèle le dialogue constant que celui-ci a entretenu avec d’autres créateurs. Les archives personnelles de l’artiste, données par les héritiers en 1992 et riches de plus de deux cent mille pièces, apportent enfin à cette collection une épaisseur documentaire et culturelle unique.

2. NOCTURNES

À Barcelone, dès 1895, le jeune Pablo Picasso, étudiant des Beaux-Arts, fréquente les théâtres et les cafés-concerts de l’Edén et du Paralelo dont il dépeint l’atmosphère vibrante et colorée. Après un premier séjour, à l’occasion de l’Exposition universelle de 1900, l’artiste s’installe à Paris en 1904. En compagnie d’autres expatriés catalans ou de ses amis poètes Max Jacob et Guillaume Apollinaire, il mène l’existence précaire de la vie de bohème, loge et travaille dans un atelier à Montmartre, fréquente les salles de spectacle de la place de Clichy, le cirque Medrano et le cabaret Au Lapin agile. Son oeuvre, à la suite d’autres artistes comme Henri de Toulouse-Lautrec ou Edgar Degas, se nourrit de ses observations du monde du spectacle et de la nuit, des rapports de classe et de genre qui s’y donnent à voir exacerbés. Célébrités et marginaux, chanteuses et acrobates peuplent ses peintures dites de la période « bleue » ou « rose », aux accents souvent plus sombres et tragiques que festifs.

3. LE TOURNANT RADICAL

À partir de 1906, fort de sa découverte de la peinture de Paul Cézanne et d’Henri Matisse, de sa rencontre avec la poète Gertrude Stein, Pablo Picasso réinterroge la tradition de l’art occidental. Dès l’été 1906, il expérimente un nouveau langage caractérisé par un traitement massif et simplifié des formes, une stylisation des traits du visage en masque et une franche réduction de la palette chromatique. Ce questionnement fondamental des moyens de la représentation prépare le travail autour du tableau Les Demoiselles d’Avignon (1907, Museum of Modern Art, New York), qui constituera un jalon fondateur dans la définition du modernisme artistique occidental. Face au canon académique, l’art ibérique archaïque, la sculpture médiévale catalane, puis les arts africains et océaniens que Picasso découvre dès 1907 au musée d’ethnographie du Trocadéro offrent autant de contre-modèles à partir desquels l’artiste construit un nouveau langage formel.

4. CUBISME

Avec l’invention du cubisme, Pablo Picasso et le peintre Georges Braque transposent de manière littérale la formule de Paul Cézanne, qui invitait à traiter « la nature par le cylindre, la sphère, le cône, le tout mis en perspective ». La multiplication des lignes et des plans superposés brise les formes, les fait éclater dans des harmonies de gris et de bistre. Motifs et fonds tendent à se confondre. Se perçoit-là, dans ces expérimentations autour de la représentation sur une toile plane d’un volume dans l’espace, l’influence diffuse des travaux sur l’espace et le temps de mathématiciens comme Raymond Poincaré ou Esprit Jouffret, dont les idées furent alors vulgarisées auprès du cercle de Picasso par Maurice Princet. Cette logique de fragmentation de l’objet qui, poussée très loin pendant l’année 1911, menace la lisibilité du sujet, conduit Picasso et Braque à réinsérer le réel par le signe et la citation, puis à inventer des procédés artistiques inédits qui ouvrent une voie nouvelle pour l’art du XXe siècle : le collage, les papiers collés et l’assemblage.

5. LABORATOIRE

Avec le procédé des papiers collés à l’automne 1912, le cubisme de Georges Braque et de Pablo Picasso s’engage dans la conquête du volume. Les passages se multiplient entre la deuxième et la troisième dimension. Par le pliage, le collage devient relief. Dans ce laboratoire des formes qu’est l’atelier, l’artiste bricoleur s’empare de tous les matériaux à sa disposition, bouts de carton, ficelles et cordes, papiers d’emballage, toile cirée, etc. S’ouvre alors un vaste « espace mental » que Picasso ne refermera jamais, où par le jeu combinatoire de l’assemblage et l’inclusion de l’objet concret dans le processus de création s’invente une nouvelle « écriture du réel », selon les mots du critique et galeriste Daniel-Henry Kahnweiler.

6. RÉALISME ET DÉCORS

À partir de 1917, en pleine guerre mondiale, Pablo Picasso, resté à l’arrière, pacifiste et ressortissant d’un pays demeuré neutre, l’Espagne, collabore avec le monde de la scène. Sollicité par les Ballets russes de Serge de Diaghilev, pour lesquels il signera notamment le rideau de scène, les décors et les costumes de Parade (mai 1917) puis Le Tricorne (1919) et Pulcinella (1920), il voyage en Italie. Il réinterroge alors les notions d’héritage classique et d’humanisme à travers un dessin à la ligne claire et les thèmes du nu et du portrait, qu’il a commencé à explorer dès 1914, en parallèle de sa production cubiste. Le scandale qui entoure la première de Parade, en mai 1917, confère à l’événement une dimension de manifeste esthétique, entre déconstruction dada et onirisme surréaliste. Grâce aux ballets, Picasso prend part à des créations collectives, mêlant peinture, sculpture, musique, danse et poésie, et collabore avec les plus grands compositeurs de son temps, parmi lesquels Erik Satie, Manuel de Falla, Igor Stravinsky et Darius Milhaud.

7. BAIGNEURS / BAIGNEUSES

Le thème classique et antique de la Baigneuse ou du Baigneur est repris par Pablo Picasso, mais aussi Henri Matisse ou André Derain, dans le sillage des grandes compositions tardives de Paul Cézanne qui renouvellent le genre en 1907-1908. Dans les représentations de baignades ou de bords de mer, Picasso utilise une gamme étendue de stylisations et d’émotions : classicisante et nostalgique dans les compositions au trait de l’été 1921 ou La Flûte de Pan de 1923 ; surréalisante et inquiétante pour La Nageuse de 1929. Il offre une version modernisée et triviale du thème à travers le motif de la plage, lieu d’exhibition des corps, espace de jeu et de détente, qui se trouve alors souvent assorti d’une menace latente, comme le montrent les scènes de noyade dans sa peinture. Liée à une vaste tradition, dont on trouve quelques exemples dans la collection personnelle de l’artiste – de Camille Corot et Jean-Auguste-Dominique Ingres à Auguste Renoir –, l’iconographie du bain, à laquelle se mêle étroitement le thème de la danse, irrigue continûment l’oeuvre de Picasso.

8. MÉTAMORPHOSES

« La beauté sera convulsive ou ne sera pas » : cette formule du surréaliste André Breton se lit dans plusieurs oeuvres de Pablo Picasso où la déformation touche la figure humaine, nouvel assemblage de formes biomorphiques, à l’instar des compositions d’André Masson, de Max Ernst ou des photographies de Dora Maar. Au gré des métamorphoses, les membres courbes se transforment en faisceau de lignes dans Figure : projet pour un monument à Guillaume Apollinaire (1928), « une profonde statue en rien, comme la poésie » (Le Poète assassiné, 1916). Le projet est traduit en sculpture grâce aux conseils de son ami Julio González, qui l’initie à la technique du fer soudé. L’intérêt de Picasso pour la psychanalyse et l’écriture automatique au début des années 1930 se lit dans l’enchevêtrement des lignes qui dessine des figures humaines imbriquées dans des aplats de couleur beige, grise ou noire, faisant parfois apparaître, dans une formalisation extrême, la figure inédite de l’artiste.

9. L’OEIL SAUVAGE

À la fin des années 1920, Pablo Picasso pousse à un point jamais atteint auparavant dans son oeuvre la violence des couleurs, des formes et des matières. Plébiscitée par les surréalistes, cette nouvelle inflexion se traduit d’abord par l’utilisation d’objets de rebut : Louis Aragon évoque de « vrais déchets de la vie humaine, quelque chose de pauvre, de sali, de méprisé ». L’artiste éprouve un plaisir manifeste à violenter les règles académiques. Loin de chercher à charmer ou à séduire, les oeuvres déploient une forme d’agressivité envers le spectateur : l’une des Guitare de 1926 laisse ainsi apparaître des clous plantés au verso de la toile, dont les pointes sont dangereusement tournées vers l’oeil du public, à la manière de certaines sculptures d‘Alberto Giacometti. Les créatures archaïques et monumentales à l’apparence hostile qui surgissent dans la peinture et la sculpture de cette période témoignent également de cette exploration des territoires de l’inconscient.

10. PICASSO POÈTE

La poésie tient une place importante dans la vie et la démarche créatrice de Pablo Picasso. Fasciné par la figure du poète, il noue des amitiés fondatrices avec Max Jacob, Gertrude Stein, Guillaume Apollinaire, André Salmon, Jean Cocteau, Michel Leiris, Pierre Reverdy… De 1935 aux années 1950, il écrit environ trois cent quarante poèmes, qui se ramifient en de multiples états et variantes, traversés par quelques motifs obsédants : l’amour, l’érotisme, la tauromachie, la nourriture, la crucifixion, le sacrifice, d’ailleurs souvent étroitement imbriqués les uns dans les autres. Dans les carnets, sur des bouts de papier ou, le plus souvent, sur de belles feuilles de papier à dessin, les manuscrits laissent transparaître le geste du dessinateur. Tour à tour rugueux, acérés ou luxuriants, les textes, parfois accompagnés de dessins, déploient une grande variété calligraphique. Dès 1936, dans la revue Cahiers d’art, le poète André Breton consacre un long article aux poèmes de Picasso, saluant l’importance de ce « journal intime à la fois sensoriel et sentimental ».

11. IMAGES CINÉMATOGRAPHIQUES

Dans l’entre-deux-guerres, le cinéma s’impose comme un art majeur profondément lié aux développements des avant-gardes artistiques. Dans le sillage du mouvement surréaliste, avec La Coquille et le Clergyman (1928) de Germaine Dulac et Un chien andalou (1929) de Luis Buñuel, le film devient l’un des moyens mis au service de l’exploration de l’inconscient, mais aussi un instrument d’enquête sociale, comme en témoigne Terre sans pain (1932) du cinéaste espagnol. Les documentaires scientifiques de Jean Painlevé donnent aussi à voir, notamment dans La Pieuvre, un merveilleux naturaliste subaquatique qui fascine les surréalistes et qui résonne avec le biomorphisme- de certaines oeuvres de Picasso, où bras et jambes se muent en tentacules. Les archives conservées au musée Picasso, à travers les nombreux tickets ou invitations à des projections, attestent son intérêt pour ce nouvel univers visuel.

12. PRÉHISTOIRE

Pablo Picasso s’adonne à la sculpture, particulièrement en 1930, dans son atelier de Boisgeloup en Normandie. Têtes et bustes en plâtre, au nez de plus en plus proéminent, aux yeux en forme de boules ou creusés en amande, à la poitrine saillante et au cou allongé, font l’objet d’infinies variations, chargées de jeu et d’érotisme. Alors qu’est découverte en 1922 l’effigie paléolithique de la Vénus de Lespugue et que les origines de l’art et de l’humanité sont repoussées de manière vertigineuse et énigmatique dans la profondeur du temps long, l’attrait pour la préhistoire suscite chez Picasso, comme chez Joan Miró ou Alberto Giacometti, une profusion d’idoles aux formes biomorphiques. Plus tard, il sculpte et grave des galets zoomorphes, quand le photographe Brassaï publie ses photos de graffitis parisiens dans la revue Minotaure sous le titre « Du mur des cavernes au mur d’usine » (1933).

13. POLYPTIQUE

Pablo Picasso n’a cessé d’explorer le genre du portrait, réduisant la tête à une forme élémentaire ou la complexifiant à l’extrême, permutant ses organes ou jouant avec ses contours. « Qu’est-ce qu’un visage, au fond ? » se demandait Picasso en 1946, « Ce qui est devant ? dedans ? derrière ? Et le reste ? Chacun ne le voit-il pas à sa façon ? » Dans les années 1930, les portraits de Marie-Thérèse Walter puis de Dora Maar, ses compagnes et modèles d’alors, constituent l’une des parts majeures de sa création. La réunion en un seul visage de la face et du profil devient l’un des problèmes plastiques les plus insistants de son travail. Plusieurs photographies de Dora Maar montrent les tableaux disposés bord à bord et les uns sur les autres dans l’atelier des Grands-Augustins. Ces accrochages éphémères sur le mode de l’accumulation mettent en lumière l’inscription de chaque oeuvre au sein d’une série de variations possibles ; ils témoignent également d’une fascination pour le dispositif médiéval du polyptique, alors que l’artiste découvre l’expressive Crucifixion du retable d’Issenheim de Matthias Grünewald.

14. GRAVURE

Les années 1930 sont marquées par le travail intense de Pablo Picasso dans le domaine de la gravure. Après la publication de deux livres illustrés majeurs au début de la décennie, Les Métamorphoses d’Ovide et Le Chef-d’oeuvre inconnu d’Honoré de Balzac, la Suite Vollard, du nom du marchand d’art qui en fit la commande, Ambroise Vollard, manifeste l’ampleur nouvelle que l’estampe prend alors dans la création de l’artiste. Les cent planches réunies en suite, gravées entre le 16 septembre 1930 et le 4 mars 1937, ne s’enchaînent pas selon le fil d’une narration, mais constituent autant de fragments d’un théâtre imaginaire et érotique, mises en scène du regard voyeur, dont les deux thématiques centrales sont l’atelier du sculpteur antique et la figure du minotaure. Dans la Suite Vollard, la ligne claire du dessin à la pointe sèche alterne avec les noirs profonds des aquatintes, démontrant une grande maîtrise des techniques de l’estampe par l’artiste.

15. LA GUERRE

À partir du déclenchement de la guerre d’Espagne en 1936, la violence de l’Histoire percute brutalement la création de Pablo Picasso. Guernica, peint en réponse au bombardement de la ville basque de Gernika par l’aviation nazie avec l’appui de l’Italie fasciste, puis la série des Femmes qui pleurent, variation sur le motif de la mater dolorosa, deviennent des symboles universels des désastres de la guerre. L’atmosphère sombre et inquiétante des oeuvres créées pendant les années d’Occupation fait écho à ces temps troubles. L’Aubade est la plus emblématique et la plus monumentale. Transposant progressivement la Vénus écoutant de la musique (1550) du Titien et L’Odalisque à l’esclave (1839) de Jean-Auguste-Dominique Ingres, Picasso compose une scène énigmatique de veillée funèbre d’un gisant entravé, supplicié. « Je n’ai pas peint la guerre, disait Picasso, parce que je ne suis pas ce genre de peintre qui va comme un photographe à la quête d’un sujet. Mais il n’y a pas de doute que la guerre existe dans les tableaux que j’ai faits alors. »

16. FRANÇOISE GILOT (1921-2023)

Françoise Gilot, peintre proche du groupe des Réalités nouvelles, notamment de Nicolas de Staël (1913-1955), rencontre Pablo Picasso en 1943. Leur liaison dure une dizaine d’années ; elle le quitte en 1953. Les deux artistes peignent côte à côte en 1946, au cours d’un été passé à Antibes. En 1952, Françoise Gilot expose son travail à la galerie Louise Leiris, faisant partie des rares artistes femmes à avoir signé un contrat avec le célèbre marchand Daniel-Henry Kahnweiler. Les années 1960 voient se multiplier les expositions consacrées à l’artiste dans plusieurs galeries européennes et américaines. À partir de 1965 et de la publication de son ouvrage Vivre avec Picasso, qui provoque un tollé en France, Françoise Gilot se tient à l’écart du milieu artistique français. Son indépendance est renforcée par son départ pour les États-Unis, où elle s’installe en 1970. Elle y poursuit sa carrière, alternant entre une figuration structurée et une abstraction colorée, jusqu’aux grandes compositions totémiques des « peintures emblématiques », dans les années 1980.

17. LE « SALON DE LA LIBÉRATION »

Interrompu pendant les années de guerre, le Salon d’Automne ouvre à nouveau ses portes au Palais de Tokyo à Paris le 6 octobre 1944 et est présenté comme le « Salon de la Libération » marquant la fin de l’Occupation, à la gloire de la Résistance. Une salle entière est consacrée à Picasso, avec des œuvres récentes dont L’Aubade ou Chat saisissant un oiseau. L’adhésion du peintre au Parti communiste français, la veille de l’ouverture, confère à la manifestation une portée politique et déclenche de violentes polémiques. Expliquant son ralliement dans un article de l’Humanité du 30 octobre 1944, Picasso date son engagement personnel de la Guerre d’Espagne ; il recherche vraisemblablement aussi, au sein du Parti Communiste, une appartenance à une communauté dont il est privé par l’Espagne franquiste et par son statut d’étranger en France. Proche des idéaux communistes mais jamais membre actif du parti, il peint en 1949 la célèbre Colombe de la paix, à l’occasion de son adhésion au Conseil mondial de la paix.

18. L’HOMME AU MOUTON

Pablo Picasso modèle la statue L’Homme au mouton en réaction à l’esthétique néoclassique fasciste des sculptures d’Arno Brecker exposées à l’Orangerie des Tuileries à Paris, en 1942. L’oeuvre incarne une forme d’humanisme et, à certains égards, la position de solitude et de résistance de Picasso, resté dans son atelier parisien durant l’Occupation et à qui il importe d’exorciser l’appropriation de l’idéal antique par la statuaire de propagande totalitaire. Dès l’après-guerre, la sculpture est interprétée comme une représentation du Bon Pasteur, image de paix et de générosité. André Malraux y voit « le Guernica de la sculpture ». Reproduite en trois exemplaires, l’un est offert par Picasso à la Ville de Vallauris. Lors de l’érection de la statue sur la place du marché en 1950, Tristan Tzara compare le porteur d’agneau au célèbre Moscophore antique ; quand Picasso réfute tout caractère symbolique de l’oeuvre : « Il n’y a pas de symbolisme là-dedans. C’est simplement beau. […] Dans L’Homme au mouton j’ai exprimé un sentiment humain, un sentiment qui existe aujourd’hui comme il a toujours existé. »

19. CÉRAMIQUE

Dans les années d’après-guerre, qui voient le peintre affirmer son engagement communiste, la céramique lui apparaît comme un art étroitement mêlé à la vie et au peuple. Installé à Vallauris, petite ville de potiers du sud de la France, Pablo Picasso, devient à partir des années 1950 une véritable « vedette » de la Côte d’Azur, photographiée, interviewée, entourée d’une cour de sympathisants communistes, de célébrités, mais aussi d’artisans, d’aficionados, d’affichistes… Initié à la technique de la céramique par Suzanne Ramié, Picasso invente, avec son travail de l’argile, un nouveau vocabulaire associant les formes rondes et pleines des pots et pichets pansus aux cassures irrégulières des fragments de marmites ou de tuiles creuses. Comme la lithographie ou la linogravure que l’artiste pratique intensément dans les mêmes années, la céramique ouvre la voie d’un art diffusé à grande échelle. Picasso confiait ainsi dès 1948 à propos de ces poteries : « Je voudrais qu’on les trouve sur tous les marchés, qu’on voit, dans un village de Bretagne ou d’ailleurs, une femme s’en allant à la fontaine chercher de l’eau avec un de mes pots. ».

20. MATISSE DISPARU

En 1955, Pablo Picasso s’installe à la villa La Californie, située sur les hauteurs de Cannes : lieu de vie et atelier s’y entremêlent. Les oeuvres de l’artiste et de sa collection personnelle, ainsi qu’un amas d’objets hétéroclites, s’accumulent et remplissent peu à peu l’espace de la villa, jusqu’au jardin où Picasso présente certaines de ses sculptures. Il réalise à cette époque une série de dessins et de tableaux montrant des intérieurs d’atelier, un thème central dans la peinture d’Henri Matisse, mort quelques mois auparavant, en 1954. Ces oeuvres sont parmi les plus matissiennes de Picasso. Les fenêtres en arabesque, ainsi que les palmiers et la végétation évoqués derrière, forment de véritables citations du peintre et ont souvent été considérées comme un hommage à son ami disparu, venant clore un dialogue artistique de près de cinq décennies. À la fin de sa vie, Picasso possédait sept tableaux de Matisse, dont l’exceptionnelle Nature morte aux oranges (1912), acquise en 1942.

21. LA PEINTURE, SEULE

Du style tardif de Pablo Picasso, fait à la fin des années 1960 d’un geste hâtif, d’un mélange de peinture épaisse et fluide, générant coulures et empâtements, émane un sentiment d’urgence. La figure humaine, l’homme tout particulièrement, est au centre de cette dernière et réflexive production, qui le décline seul, en couple ou en famille, mais aussi à travers le personnage du matador, ultime lien de l’artiste avec son Espagne natale. Le public découvre ce travail lors de deux grandes expositions organisées au Palais des Papes d’Avignon, en 1970 et 1973. Si de nombreux critiques soulignent la virtuosité picturale et la créativité intactes de l’artiste à l’aube de ses 90 ans, certains commentateurs moquent un art grotesque et sénile, à l’image d’un Douglas Cooper déplorant les « gribouillages incohérents exécutés par un vieillard frénétique dans l’antichambre de la mort ». Pourtant, dès 1981, le Kunstmuseum Basel consacre une exposition à l’oeuvre tardif de Picasso, tandis que la Royal Academy of Arts à Londres organise l’exposition « A New Spirit in Painting », où cinq toiles de la dernière période de Picasso figurent comme des références majeures pour la jeune génération de peintres (Francesco Clemente, Georg Baselitz, Julian Schnabel, Markus Lüpertz).

22. DE PICASSO AU MUSÉE PICASSO

À la mort de Pablo Picasso, le 8 avril 1973, débute l’immense travail d’inventaire des oeuvres restées en sa possession et se trouvant dans ses différents ateliers : près de deux mille peintures, plus de onze mille dessins, des milliers de sculptures, céramiques et gravures. L’artiste ayant conservé auprès de lui des oeuvres réalisées tout au long de sa vie, l’ensemble constitue une saisissante traversée d’une carrière longue de près de quatre-vingts ans. Ces « Picasso de Picasso », dont une partie importante entre dans les collections publiques en 1979, forment le coeur du musée Picasso, inauguré en 1985. Picasso, comme peu d’autres artistes, appartient à un imaginaire collectif mondial et incarne, encore aujourd’hui, la figure de l’artiste moderne. Son travail fait l’objet d’un nombre croissant d’allusions, de détournements, d’hommages ou de caricatures, sa personnalité suscite de nombreuses questions et débats. Au-delà du mythe Picasso, le Musée national Picasso-Paris, à travers ses collections, a pour vocation de donner à voir la richesse et la diversité de son oeuvre, d’explorer aussi sa réception large, complexe et toujours vivace au XXIe siècle, dans un contexte culturel qui ne cesse de se réinventer.