“Anna-Eva Bergman” Voyage vers l’intérieur

au Musée d’Art moderne de Paris

du 31 mars au 16 juillet 2023

Musée d’Art moderne de Paris

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Extrait du communiqué de presse :

Anna-Eva Bergman incarne l’Europe du XXe siècle. Elle grandit en Norvège et débute une formation artistique à Oslo en 1927, qu’elle complète à Vienne l’année suivante. À Paris, en 1929, elle rencontre Hans Hartung, jeune peintre abstrait alors inconnu. Elle l’épouse aussitôt en Allemagne et fréquente les cercles d’artistes engagés de Dresde.

La première partie de sa carrière est marquée par son intérêt pour la caricature et l’illustration. Ses dons d’observatrice font d’elle une chroniqueuse alerte, témoin des bouleversements sociaux et politiques des années 1930. Elle n’hésite pas à pourfendre la doctrine et l’attitude des Nazis, elle s’amuse des stéréotypes culturels des pays qu’elle visite, elle évoque les grands écarts entre marginaux et dominants. Ses dessins sont aussi l’occasion de se décrire parfois elle-même et de raconter ses aventures romanesques aux côtés de Hans Hartung, avec qui elle se maria deux fois. Ces oeuvres graphiques ne sauraient pourtant la réduire au statut d’illustratrice. Elles témoignent d’une puissante individualité, signe d’une émancipation précoce et d’une grande liberté d’esprit. À partir des années 1940, Bergman renoue pleinement avec la peinture, à travers le choix d’une voie non figurative mais toujours symbolique, qu’elle qualifie d’« art d’abstraire ». L’observation de la nature passe au premier plan, nourrie par une profonde introspection sur laquelle l’artiste va fonder sa propre théorie esthétique. Quoiqu’imprégnée par les paysages de la Norvège, et bouleversée par l’expérience du soleil de minuit dans le Finnmark, Anna-Eva Bergman a beaucoup voyagé, notamment sur les côtes méditerranéennes, et a tiré de ces expériences une obsession des lumières, de leurs variations, de leurs contrastes et de leurs nuances.

Son approche repose sur le primat de la ligne, le recours au nombre d’or, la symbolique des couleurs, et l’usage des feuilles de métal, inspiré par l’art du Moyen-Âge. À cette époque, peinture et écriture sont intrinsèquement liées : l’artiste consigne dans ses carnets les questions théoriques et techniques, les réflexions sur l’art, l’esthétique et la philosophie qui la traversent. Le séjour qu’elle effectue en 1950 le long de la côte norvégienne occasionne un profond renouvellement de son vocabulaire artistique. Sa peinture évolue alors vers la recherche d’un nombre restreint de formes simples : lune, astre, planète, montagne, stèle, arbre, tombeau, vallée, barque, proue, miroir… Bergman puise dans ce répertoire naturel et élémentaire pour concevoir un alphabet formel en constante mutation, qui irrigue toute son oeuvre. Après un développement minimaliste, son travail connaît une ultime transfiguration à la fin des années 1970, avec une alternance de très petits formats – qu’elle désigne comme des « mini-peintures » – et de très grands qui adoptent des formes simples et monumentales, à la gamme chromatique resserrée, témoins d’une grande maîtrise de la composition et de la synthèse.

L’oeuvre d’Anna-Eva Bergman se caractérise enfin par un sens grave du mysticisme et du sacré – elle se dit « panthéiste » – combiné avec une très grande attention pour le vivant au-delà de la seule échelle humaine. Il n’est donc pas étonnant que sa peinture rencontre aujourd’hui l’engouement d’une nouvelle génération.

Le Musée d’Art Moderne de Paris a collaboré étroitement avec la Fondation Hartung-Bergman à Antibes ainsi qu’avec le Nasjonalmuseet à Oslo, qui lui consacrera à son tour une exposition du 16 novembre 2023 au 25 février 2024.