“Global(e) Resistance”

au Centre Pompidou, Paris

du 29 juillet 2020 au 4 janvier 2021

Centre Pompidou

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^{© Anne-Frédérique Fer, visite de l’exposition en fin de montage, le 28 juillet 2020.}

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Parcours de l’exposition 

L’exposition « Global(e) Resistance » dévoile une centaine d’oeuvres de plus d’une soixantaine d’artistes entrées dans les collections du Musée national d’art moderne au cours de la dernière décennie, dont beaucoup acquises grâce au soutien des amis du Centre Pompidou. Elle présente une majorité d’artistes issus des « Suds » (essentiellement l’Afrique de l’Ouest et du Sud, le Moyen-Orient, l’Asie du Sud-Est et l’Amérique latine) et se donne pour ambition d’examiner les stratégies contemporaines de résistance.

Résister à travers une pratique à la fois artistique et politique, voire activiste, a souvent été l’apanage d’artistes vivant des situations d’oppression ou d’inégalité. L’effondrement de l’ancien Bloc communiste et la fin de la colonisation ont par exemple fait jaillir de nombreuses voix qui se sont élevées pour explorer de nouveaux chemins de résistance, purement politiques, ou pour questionner les histoires collectives et individuelles, les mémoires demeurées à vif ou menacées de délitement. L’art peut être par ailleurs en lui-même un acte de résistance, esthétique et éthique, voire la matrice même de leur rencontre, selon, entre autres, la pensée postcoloniale.

Dès l’entrée, le visiteur est invité à parcourir un salon/espace discursif reflétant les engagements des artistes en dehors de leurs pratiques artistiques et de certains « lieux » de l’activisme basés en France.

L’artiste camerounais Barthélémy Toguo, déjà présent dans le Forum avec sa sculpture Rédemption, rythme le parcours de l’exposition répartie sur 1500 m2, grâce à des empreintes de tampons aux slogans de résistance, courant sur les murs des différents espaces.

Dans la partie 1 de l’exposition sont présentés des artistes qui s’emparent des problématiques environnementales et se consacrent aux luttes politiques, aux questions liées à l’histoire et à la mémoire, ainsi qu’à l’art comme alternative et résistance spirituelle.

Plusieurs oeuvres s’emparent tout d’abord de problématiques environnementales. Puis, à partir de la vidéo Partially Buried de Renée Green, matrice historique de l’exposition réalisée dans les années 1990, s’élève une stratégie de résistance polysémique pensée à l’échelle du paysage comme du territoire, de luttes collectives mais aussi rattachées à une mémoire intime. L’imaginaire complexe de certaines villes comme Braddock, Johannesburg ou Dakar, marquées par le déclin économique, la contestation socio-politique ou la recomposition urbaine, hantent plusieurs oeuvres. Parallèlement, les artistes accompagnent la ferveur et les inquiétudes surgies des décolonisations, notamment en Afrique du Sud où persiste l’apartheid jusqu’en 1991. La mise en question de certains régimes politiques et la progression d’un monde autoritaire sont également le point de départ d’oeuvres engagées qui tentent de réconcilier récits individuels et traumatismes collectifs. Dans une section plus contemplative et spirituelle, l’art, la littérature et la philosophie deviennent des modes de résistance en soi.

Dans la partie 2 de l’exposition sont présentés des artistes qui se consacrent aux récits post-coloniaux et aux dynamiques migratoires, ou délivrent une réflexion sur le corps et le genre. Dans la lignée de la mascarade amérindienne de Coco Fusco et Guillermo Gómez-Peña, œuvre majeure de la collection réalisée dans les années 1990, les artistes mettent en lumière certains résidus du monde colonial, en attente d’une recomposition pluriculturelle et poétique. D’autres envisagent les questions posées par les mobilités et les migrations au coeur des préoccupations contemporaines. Les luttes féministes et la redéfinition du genre irriguent enfin plusieurs oeuvres où le corps et ses représentations deviennent des outils d’affirmation comme de réinvention de soi.

La partie 3 est un espace documentaire qui accueille des textes, ouvrages, archives, musiques et vidéos proposées par les artistes à l’invitation des commissaires. Organisé autour de l’escalier central, l’espace permet de découvrir les engagements sociopolitiques des artistes au-delà de leurs oeuvres et met en lumière des démarches de résistance basées en France ou ailleurs. Onze vitrines disposées autour du salon invitent à se plonger dans la grande variété des pratiques et des actions sociales voire militantes de certains artistes de l’exposition. Des assises sont disponibles pour parcourir textes, livres et revues, une table audio permet d’écouter l’album Par les damné.e.s de la terre du musicien Rocé invité par Bouchra Khalili et un moniteur diffuse une conférence enregistrée à La Colonie, lieu culturel parisien dont Kader Attia est l’un des fondateurs. Des exemplaires de la revue Chimurenga – en écho à l’invitation de son créateur Ntone Edjabe pour le projet Chimurenga Library dans le cadre de la saison Africa 2020-21 – et d’autres revues engagées, telles Afrikadaa, Pétunia et Terremoto, sont également visibles dans les vitrines. Enfin, le philosophe Paul B. Preciado, invité de l’année au Centre Pompidou, présente ses ouvrages et archives sur les études du genre.

Marcos Ávila Forero, lauréat du 21e Prix Fondation d’entreprise Ricard

Depuis 2000, le Centre Pompidou accueille, chaque année, le Prix Fondation d’entreprise Ricard qui récompense un artiste émergent de la jeune scène française. Un jury de collectionneurs, de professionnels et d’artistes a attribué le 21e Prix Fondation d’entreprise Ricard 2019 à l’artiste Marcos Ávila Forero pour son installation « Théorie du vol des oies sauvages, notes sur les mouvements ouvriers ». Le prix a été décerné à l’occasion de l’exposition « Le fil d’alerte », conçue par Claire Le Restif, à la Fondation d’entreprise Ricard, en 2019.

Le Musée national d’art moderne a sélectionné trois oeuvres de la série « Alpargatas de Zuratoque ». Pour réaliser ce projet, Marcos Ávila Forero s’est rendu entre 2012 et 2013 dans le bidonville de Zuratoque, en Colombie, où sont cantonnés des milliers de paysans dépossédés de leurs terres et déplacés massivement par le conflit armé qui ravage le pays. L’artiste a proposé à plusieurs familles d’écrire sur des sacs de jute leurs témoignages et revendications, l’expérience de leurs vies passées, les choses qu’elles ont possédées et perdues. Il leur a ensuite demandé de détricoter les sacs et de transformer les traces de leurs souvenirs afin d’en récupérer les fils pour créer une paire d’« alpargatas ». Ces chaussures traditionnelles paysannes, métamorphosées en un outil de résilience, symbolisent l’errance des familles et mettent en lumière les expulsions et les déplacements forcés en Colombie.

Les trois pièces de la série « Alpargatas de Zuratoque » seront présentées dans le cadre de l’exposition « Global(e) Resistance ».