Commissariat :
Gaëlle Beaujean, Responsable de l’Unité patrimoniale Afrique au musée du quai Branly – Jacques Chirac
Conseil scientifique
Christine Barthe,Responsable de l’Unité patrimoniale des collections photographiques au musée du quai Branly – Jacques Chirac
Avec le soutien de la Fondation Marc Ladreit de Lacharrière

Violence silencieuse. Sous le regard de Roméo Mivekannin invite le public à découvrir le regard sensible et critique de l’artiste franco-béninois sur l’histoire coloniale des musées et des « exhibitions ethnographiques » ou « zoos humains » des 19e et 20e siècles à Paris. À travers treize peintures grand format, quatre sculptures en fer et une céramique – dont la plupart ont été conçues pour cet événement, l’artiste explore les traces de domination coloniale dans les représentations liées aux pratiques de l’exposition, hier comme aujourd’hui, ainsi que les formes de violence silencieuse qui y sont à l’oeuvre.

Roméo Mivekannin
Né à Bouaké en Côte d’Ivoire, en 1986, l’artiste franco-béninois Roméo Mivekannin, vit et travaille à Toulouse. Après une formation en ébénisterie puis des études d’histoire de l’art, Roméo Mivekannin choisit d’intégrer l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Toulouse dont il est diplômé. Son travail est exposé pour la première fois au FRAC Occitanie Les Abattoirs à la fin des années 2010. Ses peintures pour lesquelles il utilise une technique mêlant la peinture acrylique à un élixir de boue brune sur du drap français tissé, introspecte les modèles noirs des peintures et photographies produites par les Européens. Régulièrement, il s’insère par l’autoportrait dans des scènes historiques pour interroger leur construction et leurs enjeux.

Les volières
Roméo Mivekannin répond au dispositif d’enfermement qu’il voit dans l’espace muséal par la création de volières qui réinterprètent différents musées parisiens, étroitement liés à l’histoire de la colonisation, en s’appuyant sur les origines du musée du quai Branly – Jacques Chirac. Cette filiation s’exprime par quatre bâtiments traités en modèle réduit sous forme de volière, en fer, ne disposant d’aucune ouverture : le Musée d’ethnographie du Trocadéro, l’aile Ouest du Palais de Chaillot (où se trouve le Musée de l’Homme), le Palais de la Porte Dorée (successivement devenu Musée des Colonies puis Musée de la France d’Outre-Mer, Musée des arts africains et océaniens puis Musée national des arts d’Afrique et d’Océanie ; aujourd’hui, Musée de l’Histoire de l’immigration) et le musée du quai Branly – Jacques Chirac (qui a hérité des collections du Musée national des arts d’Afrique et d’Océanie et d’une partie de celles du Musée de l’Homme). Réalisées d’après les plans et les instructions fournis par l’artiste, les volières présentées dans ces premières sections sont co-réalisés avec des forgerons ivoiriens à Abidjan.

Toiles et photographies
La suite du parcours de l’exposition est dédiée à treize toiles originales de grand format, suspendues, flottant dans l’espace muséal, dans lesquelles l’artiste se met régulièrement en scène. Elles s’inspirent directement d’images du fonds photographique de la collection du musée du quai Branly sélectionnées par l’artiste et l’équipe du commissariat. Celle qui ouvre cette deuxième section interprète une photographie prise entre 1878 et 1887, qui expose des objets africains du Musée d’ethnographie du Trocadéro, présentés en panoplie et encadrés par deux mannequins. Cette oeuvre assure la transition entre les volières et l’espace d’accrochage des peintures. Les douze oeuvres suivantes reprennent des scènes « d’exhibitions ethnographiques » de femmes et d’hommes sur le Champ-de-Mars et au Jardin d’Acclimatation entre 1888 et 1910. Les photographies originales ayant inspirées les peintures sont visibles à la demande dans un dispositif de cimaise rappelant le verre sans tain. Par ce dispositif, qui reflète les oeuvres et contient les images nourries de violence silencieuse, le visiteur peut également s’observer regardant et, peut-être, agissant pour découvrir l’image originale. À l’issue du parcours, une céramique rend hommage à Sakpata, divinité vodun dédiée à la terre, à la fertilité et la guérison. L’artiste explique que l’oeuvre est « créée avec de la terre européenne et des éléments de la culture béninoise. […] Je veux qu’elle contienne un symbolisme qui soit universel. »