“Look !” 40 ans de mode au musée

au MAD, musée des Arts Décoratifs, Paris

du 30 septembre 2026 au 4 avril 2027

MAD

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Texte Sylvain Silleran

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Extrait du communiqué de presse :

Commissariat :
Commissaire générale : Bénédicte Gady, directrice des musées
Commissaire : Sophie Lemahieu, conservatrice en charge des collections mode et textile après 1947
assistée de Hannah Morelle

Du 30 septembre 2026 au 4 avril 2027, le musée des Arts décoratifs célèbre les 40 ans de la création, en 1986, du musée des Arts de la Mode en ses murs avec « Look ! 40 ans de mode au musée ». Ce projet met en lumière les savoir-faire qui, des ateliers de couture aux coulisses du musée, transforment le vêtement en oeuvre d’art, statut que consacrent quatre décennies d’expositions de mode. Pensée comme une immersion dans deux vies du vêtement – de sa conception à sa présentation lors des défilés ; de son entrée dans les collections nationales à sa mise en scène muséale –, l’exposition dévoile les étapes de sa fabrication, de sa mise en scène et de sa conservation. 57 silhouettes, des dessins, broderies, patrons, archives et photographies de mode : 220 oeuvres provenant des collections réunies de l’UFAC et du musée des Arts décoratifs révèlent la richesse des processus créatifs et la manière dont le vêtement devient objet patrimonial. Dans la nef du musée, 40 silhouettes de grandes maisons de mode offrent un panorama des expositions majeures présentées depuis 1986, parmi lesquelles « Moments de mode », « Christian Dior, couturier du rêve », « Shocking! Les Mondes surréalistes d’Elsa Schiaparelli », « Jouer la lumière » ou encore « La Mécanique des dessous ». Elles témoignent de la diversité des approches du musée, entre célébration de la haute couture, ouverture à la création contemporaine et réflexion sur le rôle culturel et social du vêtement. Le commissariat général de l’exposition est assuré par Bénédicte Gady, directrice des musées, et le commissariat scientifique par Sophie Lemahieu, conservatrice en charge des collections de mode contemporaine.

Pensée comme une immersion dans la vie du vêtement, l’exposition investit la nef et ses galeries latérales dans une scénographie épurée évoquant à la fois les ateliers de couture et les réserves muséales. Le parcours s’organise en trois grands temps qui conduisent le visiteur des coulisses de la création à celles du musée, du croquis initial à l’exposition, de la naissance d’un modèle à sa transmission patrimoniale. Dès l’escalier d’honneur, quelques chefs‑d’oeuvre se laissent deviner dans la nef : une robe à paniers du XVIIIe siècle, un kimono signé John Galliano ou encore la mythique robe portée par Mireille Darc dans Le Grand Blond avec une chaussure noire. Le visiteur débute sa découverte dans la galerie Tuileries par une projection de défilés contemporains conçus comme de véritables performances artistiques. Ils l’invitent à pénétrer dans l’univers des ateliers et à explorer les grandes étapes de la création haute couture et du prêt-à porter de luxe.

Dans un espace décloisonné inspiré du mobilier des ateliers, la scénographie restitue l’effervescence de la naissance d’un modèle. Sur de grandes tables à tréteaux et dans plusieurs vitrines sont présentés dessins, moodboards, échantillons textiles, toiles, patrons et dépôts de modèles révélant les différents moments menant de l’idée au vêtement achevé. Chaque créateur développe son propre langage : Pierre Balmain fixe ses idées par le croquis, Madeleine Vionnet travaille directement le tissu sur mannequin, tandis que Maria Grazia Chiuri compose des moodboards nourris de références visuelles. Les albums d’échantillons textiles permettent également de découvrir l’importance du choix des étoffes dans le tombé et l’apparence finale du vêtement. Les toiles donnent à voir le moment où l’idée devient volume, tandis que les patrons dévoilent l’architecture du vêtement et la précision du travail de coupe.

L’exposition met également en lumière les métiers d’art qui accompagnent les maisons de couture, à travers des objets rarement présentés au public. Les échantillons de broderie des maisons Rébé et Lesage dialoguent avec les métiers à plisser de la maison Lognon, tandis que les tissus imprimés de Brossin de Méré résonnent avec les techniques contemporaines d’impression 3D. Ces objets témoignent de l’excellence des savoir-faire qui participent à l’invention d’une pièce de mode. Cette première galerie s’achève sur un ensemble de photographies de mode qui consacrent le vêtement comme image et comme objet de désir médiatique. Certaines ont été réalisées au sein même du musée des Arts décoratifs, dont les espaces deviennent le décor de véritables mises en scène photographiques.

Point culminant de la visite, la nef accueille 40 silhouettes iconiques présentées comme autant de sculptures dans un jardin de papier. Sous une installation lumineuse évoquant les fils de couture, les podiums rappellent des fragments de patrons découpés, comme un écho entre l’outil de création et l’oeuvre achevée. Le visiteur déambule parmi les créations de Maison Margiela, Maison Balenciaga, Chanel (par Karl Lagerfeld), Christian Lacroix, Valentino ou Azzedine Alaïa, chacune incarnant une exposition marquante organisée par le musée de 1986 à 2026, parmi près de 70 expositions consacrées à la mode. De « Yves Saint-Laurent. 28 années de création » à « Paul Poiret. La mode est une fête », en passant par « Christian Dior, couturier du rêve » ou « Tenue correcte exigée », cet ensemble illustre la diversité des approches du musée, des chefs‑d’oeuvre de la haute couture à la création émergente et à la réflexion sur le rôle culturel et social du vêtement.

La galerie Rivoli dévoile la seconde vie du vêtement au musée et met en lumière les métiers de celles et ceux qui oeuvrent à la préservation de ce patrimoine. Organisée comme une succession d’alcôves évoquant les espaces de travail habituellement invisibles au public, cette galerie plonge le visiteur dans les coulisses de l’institution. L’exposition revient d’abord sur les modalités d’acquisition des oeuvres et rend hommage aux donateurs, mécènes et à l’Union française des arts du costume (UFAC), dont les collections sont, avec celles de l’Union centrale des Arts décoratifs, à l’origine de la création du musée des Arts de la Mode. Le travail des documentalistes est révélé à travers photographies, dessins, invitations de défilés, dossiers d’acquisition, coupures de presse et archives de restauration, qui permettent de retracer l’histoire des oeuvres et de mieux les comprendre. Le visiteur découvre ensuite les enjeux de la conservation textile dans les réserves, où les vêtements sont conditionnés à plat dans des boîtes ou suspendus sur des cintres rembourrés dits « morphologiques ». Ces réserves sont également des lieux d’inspiration pour certains créateurs, comme Dries Van Noten.

Dans les ateliers de restauration, la beauté des gestes va de pair avec les analyses scientifiques dans l’étude et la sauvegarde des matériaux anciens et contemporains, de la radiographie aux problématiques liées aux textiles modernes. Étape essentielle et méconnue des expositions de mode, le mannequinage consiste à redonner forme et présence au vêtement tout en respectant son intégrité. Un buste mannequiné présenté sans costume permet ainsi de révéler le travail de sculpture et de modelage réalisé pour accueillir les oeuvres. Enfin, une dernière salle consacrée aux affiches et catalogues des expositions organisées par le musée depuis quarante ans témoigne de l’importance du graphisme dans l’identité visuelle de ces événements.

D’étape en étape, cette exposition compose ainsi une véritable ode à la mode et à toutes celles et ceux qui la créent, la préservent et la magnifient.

#expo_look – Catalogue de l’exposition « Look ! 40 ans de mode au musée » aux éditions du MAD – musée des arts décoratifs