“Echo Delay Reverb”
Art américain, pensées francophones

au Palais de Tokyo, Paris

du 22 octobre 2025 au 15 février 2026

Palais de Tokyo

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Extrait du communiqué de presse :

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L’Exposition ECHO DELAY REVERB :
Art Américain, pensée francophone

L’exposition collective « ECHO DELAY REVERB : Art américain, pensées francophones » propose une histoire de la circulation transatlantique de formes et d’idées à travers les oeuvres d’une soixantaine d’artistes, réunissant une grande variété de médiums et plusieurs productions spécifiques.

Elle montre comment l’art aux États-Unis a catalysé les énergies révolutionnaires de penseurs et penseuses, activistes et poètes qui ont transgressé les genres et profondément modifié les perspectives sur le monde d’aujourd’hui, de Simone de Beauvoir, Michel Foucault et Jacques Derrida à Frantz Fanon, Jean Genet, Aimé Césaire, Jacques Lacan, Monique Wittig, Pierre Bourdieu ou Edouard Glissant… Leur lecture aux États-Unis a permis de traduire leurs idées dans des formes inattendues et de fabriquer des outils pour une vision critique des institutions, celles de l’art comme celles de la société. La théorie ici est un instrument pour contester les normes sociales, esthétiques et linguistiques, ouvrant vers de nouvelles manières de voir et d’agir dans le monde.

« ECHO DELAY REVERB : Art américain, pensées francophones » propose une cartographie originale de ces échanges marquants et souvent méconnus. L’exposition présente les oeuvres de plusieurs générations d’artistes, des années 1970 jusqu’aujourd’hui : certaines attestent d’un dialogue direct entre théorie et pratique, d’autres se présentent comme des hommages parfois subversifs, d’autres encore comme des correspondances plus allusives ou détournées.

Des artistes historiques tels que Dan Graham, Hans Haacke, Theresa Hak Kyung Cha, Renée Green, Cindy Sherman, Lorna Simpson, Glenn Ligon, côtoient de plus jeunes artistes comme Tiona Nekkia McClodden, Kameelah Janan Rasheed, Char Jeré et Cici Wu. Une manière de revisiter selon une nouvelle perspective certaines figures majeures de l’art états-unien de ces dernières décennies. Un ensemble d’archives jalonne l’exposition en mettant en relief certaines des figures, institutions et maisons d’édition qui ont été essentielles dans la dissémination de ces idées aux États-Unis.

Un ouvrage, dirigé par Naomi Beckwith et Elvan Zabunyan, professeure
d’histoire de l’art contemporain à l’Université Paris 1 – Panthéon- Sorbonne, et publié par les éditions B42, accompagne cette exposition. À travers des essais d’Adam Shatz et d’Aria Dean, des entretiens avec Judith Butler, Huey Copeland et Renée Green, il explore les divers échanges qui ont établi une circulation des idées entre le monde francophone et les États-Unis, dans les deux sens. De nombreuses notes rédigées par des théoricien·nes francophones déploient ces circulations aujourd’hui.

Focus : Melvin Edwards

Dans le cadre de la carte blanche confiée à Naomi Beckwith, le Palais de Tokyo présente une exposition rétrospective du sculpteur Melvin Edwards, figure importante de l’histoire contemporaine de l’art américain.

Melvin Edwards est principalement connu pour ses sculptures abstraites de grandes dimensions, pour ses installations in situ en fil de fer barbelé, l’incorporation de chaînes ou leur représentation, ainsi que pour sa série des Lynch Fragments : des conglomérats d’objets et de matériaux industriels soudés et fixés au mur qu’il développe depuis 1963.

Dans le contexte du Mouvement des droits civiques dans lequel s’inscrivent les débuts de sa
pratique, l’usage de ces matériaux interroge une histoire mémorielle, culturelle et socio-économique américaine.

Ses sculptures sont souvent des hommages et des monuments intimes ; des portails qui lient le passé et le présent des géographies de l’Atlantique Noir. À la fois matérielles et subtiles, radicales et complexes, elles jouent avec des concepts et des matériaux, en se nourrissant de linguistique, d’architecture et d’une réflexion anthropologique sur le travail du fer qui revalorise l’Afrique comme foyer universel du développement de l’industrie.

Par ailleurs, imprégnée de poésie et de musique jazz, l’oeuvre de Melvin Edwards témoigne de ses relations avec des poètes comme Léon-Gontran Damas rencontré en 1969 à New York, Édouard Glissant rencontré à Paris au début des années 1980 et Jayne Cortez, avec laquelle il a longuement collaboré sur l’illustration de ses ouvrages. La dimension collaborative de ce travail imprimé de Melvin Edwards est également valorisée dans l’exposition à travers le récit de son implication dans la création d’un atelier de gravure à Dakar à la fin des années 1990.

Cette exposition est organisée en collaboration avec le musée Fridericianum de Kassel (Allemagne) et la Kunsthalle Bern (Suisse). Elle couvre soixante années de création de l’artiste, façonnée par des nombreux voyages, amitiés, engagements et collaborations principalement entre les États-Unis, les Caraïbes et l’Afrique de l’Ouest. Elle revient également sur l’histoire de son exposition à Paris à l’UNESCO en 1984 comme un moment de confluence de ces réseaux culturels panafricains solidaires, dans la circulation d’artistes et d’idées, engagés dans une décolonisation des savoirs.

Focus : Au sein du voile, une grammaire Caroline Kent

« Au sein du voile, une Grammaire » (Within the veil, a Grammar) est une œuvre murale conçue par l’artiste Caroline Kent dans le cadre de la siason « ECHO DELAY REVERB : Art américain, pensées francophones » et sur une invitation de Naomi Beckwith.

Sur le large mur de la Zone, l’espace d’accueil gratuit du Palais de Tokyo, Caroline Kent déploie un vocabulaire visuel fait de différentes formes abstraites colorées qui se détachent d’un fond noir unifié, prenant parfois littéralement du volume et du relief lorsqu’elles sont complétées par des éléments tridimensionnels en bois. Elles s’augmentent enfin de lignes, de points et de finitions irrégulières réalisées à la main. L’artiste compose comme un alphabet codé et imagine ainsi un langage cryptique avec sa propre grammaire, syntaxe, ponctuation et signes diacritiques. La répétition des éléments et leurs variations invitent à une méditation sur le langage comme un terrain de multiplicité, d’opacité, de jeu et de surprises. Sa peinture murale, conçue pour le Palais de Tokyo, rappelle par sa composition dispersée et vibrante la sémantique instable mais productrice qui caractérise de nombreux textes théoriques français et francophones. Structurée en deux parties de part et d’autre d’un escalier central, la fresque renvoie également aux dynamiques complexes d’échange, de diffusion et de transformation qui sont au coeur de la saison d’expositions.