“Botticelli” Artiste et designer, au Musée Jacquemart-André, Paris, du 10 septembre 2021 au 24 janvier 2022
“Botticelli” Artiste et designer
au Musée Jacquemart-André, Paris
du 10 septembre 2021 au 24 janvier 2022
©Sylvain Silleran, visite de l’exposition, le 22 septembre 2021.
Texte de Sylvain Silleran :
A côté de la Vierge à l’Enfant de Filippo Lippi, si délicate de mélancolie et de tendresse, se trouve sa sœur, celle peinte par Botticelli. Après des années passées dans l’atelier de Lippi, l’élève dépasse le maître. Botticelli ne copie pas, il offre une incarnation nouvelle à ce tableau, la sentimentalité cède le pas à l’introspection. Les yeux de la Vierge, son visage vivent une foi, une expérience réelle. La moue pleureuse de l’Enfant, son regard intense, tout est un élan, organique. Le personnage qui posait jusque là oublie le peintre qui le regarde et se met à vivre, lui offrant sa chair et son âme.
La formation d’orfèvre de Botticelli apporte à son dessin une finesse, une élégance éblouissante. Un trait fin comme un fil de soie effleure à peine la toile. Sa Madone au livre est un dialogue aussi intense que silencieux. La lumière caresse les douces rondeurs, plie les étoffes, traverse les voiles. Les mains de l’enfant imitent celles si gracieuses de sa mère avec maladresse. Le sujet s’élève avec légèreté, vivant intensément, divinement. Le portrait reste suspendu entre ciel et terre, surpris en pleine ascension.
Deux dessins réalisés pour illustrer l’Enfer de Dante montrent une foule grouillante, tordue, affreuse, tourmentée par des démons ricanants. Le sobre tracé à la plume sur parchemin montre sans artifice l’extraordinaire main de Botticelli. Le trait dansant, mouvant, dessine plus que des corps, il donne vie aux caractères, fait résonner les cris de douleur. Les hommes brûlent dans leurs tombes ouvertes, se noient, s’étreignent, tentent désespérément une ultime rédemption, des anges se battent contre de monstrueuses succubes. Botticelli designer peint l’histoire d’Esther sur un coffre de mariage. La modestie du décor laisse s’exprimer des personnages flamboyants. La peinture-narration se suffit d’un portrait comme celui, posthume, de Julien de Médicis, ascétique d’intelligence et de droiture, debout pour l’éternité face à ses assassins. Une page illustrée du Triomphe de l’Amour de Pétrarque a pâli sous les outrages du temps. Ses chevaux sont modelés au lavis brun, leurs rondeurs délicates et sensuelles finissent par se cabrer dans un rictus fougueux. La tendresse d’un chérubin contemple la fureur du monde.
La peinture religieuse des Tondi trahit un travail d’atelier. La main du maître se noie dans le tableau rond. Le trait si gracieux, inimitable, s’estompe, il disparait peu à peu dans l’œuvre collégiale. Ses disciples ne le dépasseront pas cette fois. Botticelli mourra dans une telle misère que ses héritiers refuseront la succession, dispersant son inventaire. Mais revenons au XVéme siècle, nous n’avons encore rien vu.
Le voile transparent de la Vénus de Lorenzo di Credi qui serpente le long de son corps se voit chez Botticelli remplacé par sa longue chevelure, ondoyant en une amoureuse cascade. Jamais pudeur ne fut si érotique. Deux Vénus se détachent sur leur fond noir, rien ne nous distrait alors de leur beauté. Dans ce silence qu’impose leur grâce apparait La Belle Simonetta. Son profil s’affiche partout, sur les murs du métro, les flancs des bus : Simonetta icône de la Botticellimania place le musée Jacquemart-André au centre de Paris. Et ce n’est que justice : ce portrait a une beauté hypnotique, à la fois réel et irréel. Cinq cent ans après, ce miracle de la peinture de la Renaissance se produit toujours. On quitte Simonetta à regrets, on traine dans la boutique du musée à la recherche d’une petite reproduction, pour qu’elle reste encore un peu avec nous.
Sylvain Silleran
Extrait du communiqué de presse :
Commissariat :
Ana Debenedetti, historienne de l’art, spécialiste de l’art florentin de la Renaissance.
Pierre Curie, conservateur en chef du patrimoine, conservateur du musée Jacquemart-André.
À l’automne 2021, le musée Jacquemart-André célébrera le génie créatif de Sandro Botticelli (vers 1445 – 1510) et l’activité de son atelier, en exposant une quarantaine d’oeuvres de ce peintre raffiné accompagnées de quelques peintures de ses contemporains florentins sur lesquels Botticelli eut une influence particulière. La carrière de Botticelli, devenu l’un des plus grands artistes de Florence, témoigne du rayonnement et des changements profonds qui transforment la cité sous les Médicis.
Botticelli est l’un des peintres les plus illustres de la Renaissance italienne malgré une certaine part de mystère qui entoure toujours sa vie et l’activité de son atelier. Sans relâche, il a alterné création unique et production en série achevée avec l’aide de ses nombreux assistants. L’exposition montrera l’importance de cette pratique d’atelier, laboratoire foisonnant d’idées et lieu de formation, typique de la Renaissance italienne. Elle présentera Botticelli dans son rôle de créateur, mais également d’entrepreneur et de formateur.
Première exposition en France depuis celle de 2003 au Musée du Luxembourg, « Botticelli, artiste et designer », selon un parcours chronologique et thématique, illustrera le développement stylistique personnel de Botticelli, les liens entre son oeuvre et la culture de son temps, ainsi que l’influence qu’il a lui-même exercée sur les artistes florentins du Quattrocento.
L’exposition bénéficiera de prêts d’institutions prestigieuses comme le musée du Louvre, la National Gallery de Londres, le Rijksmuseum d’Amsterdam, les musées et bibliothèques du Vatican, les Offices de Florence, et la Gemäldegalerie de Berlin.
Extrait du parcours de l’exposition
De l’atelier de Filippo Lippi à l’indépendance
Cette première section rassemble les premières œuvres de Botticelli encore très influencées par son maître Filippo Lippi (1406-1469), le dernier grand représentant de la peinture du premier Quattrocento, mais également par ses contemporains tel qu’Andrea del Verrocchio. Aux côtés de Filippo Lippi, le jeune Sandro acquiert la technique de la peinture de chevalet mais également celle de la fresque. C’est à travers la thématique de la Vierge à l’Enfant, sujet généralement destiné à la dévotion privée, que Botticelli crée ses première oeuvres, à l’image de son maître. Élève prodige, le jeune artiste acquiert rapidement une grande maîtrise des volumes et des couleurs. S’il assimile pleinement les leçons de son maître, Botticelli déploie néanmoins une vision déjà très personnelle, comme en témoigne ici la mise en regard de la Vierge à l’Enfant de Filippo -présentée pour la première fois hors d’Allemagne- et la copie qu’en propose son jeune élève. Les oeuvres présentées dans cette salle montrent les années d’apprentissage du jeune Botticelli jusqu’à la conquête de son style si caractéristique. Lorsque Filippo Lippi part pour Spolète effectuer ce qui sera sa dernière commande, Botticelli ne le suit pas et c’est sans doute à cette date, vers 1465, que le jeune homme ouvre son atelier à Florence, au rezde- chaussée de la demeure paternelle située via Nuova d’Ognissanti (aujourd’hui via del Porcellana). Il règne alors une grande effervescence artistique à Florence et les échanges sont nombreux entre les ateliers. Absorbant les leçons des artistes de son temps, Botticelli donne une nouvelle inflexion à un sujet dont on saisit toute la portée dans la Madone au Livre, l’un des grands chefs-d’oeuvre des années 1480.
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Botticelli et les Médicis
Entrepreneur audacieux, Botticelli se distingue dès le début des années 1470 sur la scène artistique très compétitive de Florence. Son style très personnel et sa manière inégalable lui attirent rapidement les faveurs des Médicis, riche famille de banquiers dont la puissance connaît son apogée sous le gouvernement de Laurent le Magnifique (1469-1492). Les Médicis et leur cercle soutiennent l’émulation artistique au coeur de la cité par de nombreuses commandes. L’activité de portraitiste de Sandro Botticelli nous est connue à travers une petite dizaine de tableaux sur bois dont aucun n’est signé ou daté, les belles « têtes » peintes à fresque sur les murs de la chapelle Sixtine (1481–1482) et enfin quelques rares effigies visibles sur des panneaux à sujet sacré. Le plus célèbre est sans doute le portrait de Julien de Médicis, assassiné en 1478, connu en plusieurs exemplaires. Botticelli imprime à ses modèles un charisme communicatif inédit, s’engageant au fil des années dans une voie toute de sobriété et de dépouillement. Il élabore dans les années 1490 des portraits d’une plasticité très sculpturale, dont celui du poète et guerrier Michele Marullo Tarcaniota offre l’exemple le plus accompli. L’intérêt de Botticelli pour la Divine Comédie de Dante Alighieri (1265 – 1321), oeuvre majeure de la littérature italienne, coïncide avec une vaste entreprise d’appropriation du poète par les humanistes proches du cercle des Médicis. Dans ce contexte, Botticelli est associé à deux entreprises d’envergure : l’impression de la première édition illustrée du poème, pour laquelle il aurait fourni une série de dessins, et un cycle inachevé de plus de 92 dessins, dont la destination reste encore inconnue. Vestiges extraordinaires de sa grande maîtrise du trait et de la forme, ces dessins révèlent les préoccupations intimes d’un artiste sensible à la culture de son temps.
Vénus, le mythe humaniste
À partir de 1470, Botticelli inaugure une période de création intense qui s’étendra sur plus d’une vingtaine d’années et fera de lui l’un des meilleurs représentants du renouveau artistique promu par les Médicis et leur entourage. Les grandes scènes mythologiques comme La Naissance de Vénus (conservée aux Offices à Florence) incarnent cette synthèse remarquable entre le mythe antique et la philosophie poétique des humanistes florentins. Fidèle à une stratégie de réemploi de motifs, Botticelli reprend la figure centrale de Vénus pour en renouveler la représentation, tout en répondant à la demande de la clientèle. Selon les premiers biographes de Botticelli, on pouvait admirer dans les demeures patriciennes de Florence de nombreuses « belles femmes nues » de la main du peintre. Des deux Vénus exposées ici, celle de Berlin, au canon très antiquisant, s’impose comme le nouveau prototype de la série de Vénus dites pudiques. Celle de Turin, plus simple mais apprêtée d’un voile qui souligne sa nudité plus qu’il ne la cache, a sans doute été réalisée à partir d’un même carton, avec une plus grande collaboration de l’atelier. Le succès de ce modèle botticellien est aussi attesté par une version réalisée à la même époque par Lorenzo di Credi. Cette production s’accompagne, au cours des années 1480 et 1490, de portraits « allégoriques », en réalité des figures féminines évanescentes jusque dans leurs connotations métaphoriques ou symboliques, comme en témoigne le portrait dit de la Belle Simonetta. Cette production illustre le génie créateur de Botticelli et le rôle important qu’il jouait en tant que promoteur d’un répertoire cher aux Médicis, devenu de nos jours emblématique de la Florence de la fin du Quattrocento.
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