“Ni cygne ni lune” OEuvres tchèques 1950-2014 de la collection Claude et Henri de Saint Pierre

au Centre Pompidou, Paris

du 7 octobre 2020 au 1er février 2021

Centre Pompidou

PODCAST –  Interview de Karolina Ziebinska-Lewandowska, conservatrice au Musée national d’art moderne – Cabinet de la photographie, et commissaire de l’exposition,

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 7 octobre 2020, durée 14’14, © FranceFineArt.

Ni cygne ni lune; OEuvres tchques 1950-2014 de la collection Claude et Henri de Saint Pierre

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^{© Anne-Frédérique Fer, visite de l’exposition avec Karolina Ziebinska-Lewandowska, le 7 octobre 2020.}

Extrait du communiqué de presse :

Commissaire :
Karolina Ziebinska-Lewandowska, conservatrice au Musée national d’art moderne, Cabinet de la photographie

assistée de :
Julie Jones, attachée de conservation au Musée national d’art moderne, Cabinet de la photographie
Céline Makragic, attachée de collection au Musée national d’art moderne.

Située au coeur des collections du Musée national d’art moderne, la salle Focus met à l’honneur depuis 2015 des artistes modernes et contemporains de toutes disciplines, à partir d’oeuvres marquantes entrées dans les collections sous forme de dons récents.

Après Barnett Newman, Chen Zhen, Hubert Damisch, Jos Houweling et tout récemment Yuan Jai, le Centre Pompidou présente la donation d’Henri et Claude de Saint Pierre, une quarantaine d’oeuvres offertes au Musée, complétée de quelques autres issues de leur collection. Constitué de près de soixante-dix oeuvres, cet ensemble permet de dévoiler un fragment encore mal connu de la scène artistique tchèque. Les œuvres des photographes du groupe du nouveau documentaire DOFO, les images de murs par Emila Medková et celles de la réalité « pauvre » par Alois Nožička et Čestmir KraÅLtký, les natures mortes paisibles de Jan Svoboda, le réalisme poétique de Bohuslav Reynek, l’art brut de Jan Křížek, les recherches abstraites de Bela Kolářová ou les actions subversives de l’artiste Fluxus Milan Knížák, attestent la richesse et la diversité de l’art en Tchécoslovaquie communiste. Majoritairement photographique, l’exposition introduit également quelques magnifiques exemples de l’abstraction picturale des années 1960 et 1970 avec des toiles de Josef Sima, Vaclav Boštík ou des pastels de Karel Malich.

Présentant les oeuvres d’une vingtaine d’artistes, l’exposition « Ni cygne ni lune » offre ainsi un regard à la fois différent et complémentaire sur l’avant-garde européenne la plus connue.

Dans l’histoire de l’abstraction européenne de l’après-guerre, il semble que l’ombre du Rideau de fer soit encore trop présente : la révision des canons de l’abstraction d’Europe occidentale n’a pas encore eu lieu. Il n’est donc pas étonnant que Karel Malich, Vaclav Boštík, Emila Medková, Bela Kolářová ou Čestmir KraÅLtký, grands noms de l’histoire de l’art en République Tchèque, restent ailleurs, relativement inconnus. Après 1945, l’abstraction tchécoslovaque, nourrie de l’expérience du surréalisme, donne naissance à une version particulière de l’informel qui commence avec des expositions indépendantes telles « Konfrontace » vers 1960 ; cette abstraction est aussi empreinte de l’héritage du constructivisme, comme en témoignent les oeuvres de Zdenek Sykora, Milan Grygar ou de Stanislav Kolibal. Au sein des groupes d’artistes engagés dissidents, comme dans les expositions, peinture et photographie se côtoient. Si la frontière politique a certes limité les échanges artistiques, ces oeuvres font partie intégrante de l’histoire européenne.

Avec le don d’une quarantaine d’oeuvres de la collection de Claude et Henri de Saint Pierre, réalisé en 2019, les collections du Musée national d’art moderne comblent en partie cette lacune. Le couple découvre l’art tchèque d’après-guerre dans les années 1990, période pendant laquelle Henri de Saint Pierre se déplace régulièrement en tant que conseiller dans les usines et fonderies de la République tchèque. Une scène artistique riche, mais restée locale, devient une terre d’exploration qui, sous l’égide de Claude de Saint Pierre, mène à la constitution d’une collection privée unique, conservée à Paris.

Notices biographiques par Athina Alvarez et Olga Frydryszak-Retat – 

Extrait du catalogue de l’exposition « Ni cygne ni lune” sous la direction de Karolina Ziebinska-Lewandowska aux Éditions Dilecta / Centre Pompidou

Stanislav Benc – 1935, Prague, Tchécoslovaquie – 2015, Prague, République tchèque

Stanislav Benc est un artiste, photographe et caméraman tchèque. Entre 1952 et 1954, il étudie au collège des arts appliqués de Prague. Il poursuit ses études en chimie à l’Institut de technologie chimique de Prague de 1954 à 1956 et travaille pour la télévision tchécoslovaque en tant qu’éclairagiste avant de devenir assistant caméraman. De 1986 à 1991, il étudie le cinéma à la Film and TV School de l’Academy of Performing Arts de Prague. En parallèle, il s’initie à la photographie et expose dès 1961. Il a brièvement été membre du Fotoklub Praha. En 1965 il participe à l’exposition « Confrontations III » au Aleš Hall à Prague à laquelle participent des peintres et photographes abstraits, dont Cestmir KraÅLtký et Karel Kuklík. Benc utilise également le collage en tissant et en déformant la composition de ses photographies qui donnent l’impression de vibrer. Ces constructions réarrangées résultent de la superposition de plusieurs reproductions de chaque image en coupes verticales.

Václav Boštík – 1913, Horní Újezd, Autriche-Hongrie – 2005, Prague, République tchèque

Diplômé de l’Académie des beaux-arts de Prague, où il étudie dans l’atelier de Willy Nowak, Václav Boštík est l’une des figures majeures de la peinture abstraite en Tchécoslovaquie et membre du groupe d’art Umělecká berseda [Art forum], à partir de 1942, dont l’activité a été officiellement interrompue en 1972 et puis relancée après 1989. Le début de sa production artistique est nourri par les influences des peintres réalistes Cézanne et Corot. Dès la seconde moitié des années 1950, Boštík se dirige vers une oeuvre abstraite dans laquelle il dénoue les questions essentielles de l’existence par de simples formes géométriques et des jeux de lumière mêlant des combinaisons de couleurs. À la même époque, il participe avec le peintre Jiří John à la création d’un mémorial aux victimes de l’Holocauste, à l’intérieur d’une synagogue praguoise. En 1960 il lance la création du groupe d’art UB 12 qui influence de manière significative le développement de l’art tchèque au cours de la décennie qui commence. Resté en Tchécoslovaquie dans les années qui ont suivi l’intervention des troupes soviétiques, en 1968, il n’a vu ses oeuvres officiellement reconnues et exposées à Prague qu’au printemps 1989, après la chute du régime totalitaire.

Eva Fuková – 1927, Prague, Tchécoslovaquie – 2015, New York, États-Unis

Eva Fuková s’oriente très tôt vers les arts grâce au travail de sa mère, écrivaine, et de son père, peintre. Formée à la peinture à l’École des arts graphiques de Prague sous la direction du professeur Rudolf Skopec, elle étudie ensuite à l’Académie des arts visuels de 1945 à 1950. Son travail de photographe commence en 1939 lorsque son père lui offre un Leica. Quelques années plus tard, en 1951, elle se lie d’amitié avec Jiří Kolář, Jan Hanč, Kamil Lhoták, Jan Rychlík, Zdeněk Urbánek et Josef Schwarz. Elle fréquente avec son mari, Vladimír Fuka, les artistes qui poursuivent le travail du Skupina 42 [Groupe 42] et en 1963, elle publie une monographie. En 1967, elle émigre avec son mari aux États-Unis. Une deuxième monographie est publiée en 2007 par Torst après deux grandes expositions dédiées à Fuková en 1996 et 2007. L’œuvre de Fuková porte une empreinte surréaliste sans pour autant appartenir au mouvement. Son travail s’apparente à celui de Jiří Kolář en employant la technique du photomontage, néanmoins sa démarche est différente puisqu’elle réutilise des photographies et non des images trouvées, et qu’elle privilégie des compositions très structurées qu’elle rephotographie afin d’obtenir un rendu lisse.

Antonin Gribovsky ́- 1933, Brno, Tchécoslovaquie – 1989, Olomouc, Tchécoslovaquie

Antonin Gribovský se tourne très tôt vers la photographie, réalisant ses premières prises de vues à 14 ans. Après une courte formation artistique dans l’atelier du sculpteur Jaroslav Vaněk, il devient machiniste dans l’usine d’armement de Brno puis travaille entre 1961 et 1963 dans une fabrique de machines à outils de Přerov. Cofondateur du groupe DOFO qui réunit à partir de 1958 des artistes d’Olomouc comme Jan Hajn, Rupert Kytka ou encore Ivo Přeček, Gribovský fait partie des photographes qui ont fait de l’univers industriel des usines dans lesquelles ils travaillent un lieu d’expérimentations visuelles. Influencés par le surréalisme introduit dans l’art tchèque par les artistes d’avant-garde des années 1920 et 1930 – dont les peintres Jindřich Štyrský, Toyen ou Josef Šíma – et par la philosophie de l’existentialisme de Jean-Paul Sartre, ses clichés traitent de sujets comme la mort, la solitude ou l’aliénation, évoquant un sentiment d’inutilité de l’existence dans une société totalitaire restrictive. Technicien de la photographie, Gribovský n’hésite pas à expérimenter avec les techniques de prise de vue et de développement comme le principe de la solarisation ou la superposition d’images, créant des photographies énigmatiques empreintes de nostalgie et d’anxiété.

Jan Hajn – 1923, Galanta, Tchécoslovaquie – 2006, Olomuc, République tchèque

Issu du milieu amateur, membre fondateur du groupe DOFO créé en 1958 dans la foulée de la détente politique, Jan Hajn est l’auteur d’une oeuvre prolifique et fascinante au travers de laquelle il s’est attaché, tout au long de sa vie, à retranscrire la beauté cachée des lieux et des objets du quotidien. Aux côtés d’autres photographes amateurs comme Antonin Gribovský, Rupert Kytka, Ivo Přeček ou Jaromír Kohounek, Hajn fait de l’environnement industriel dans lequel il travaille le théâtre de ses mises en scènes photographiques. Scrutant les détails négligés, les objets oubliés ou abandonnés, les clichés de Jan Hajn dévoilent avec finesse la beauté du monde en apparence très prosaïque de l’usine. Le style photographique de Hajn et des autres membres de DOFO sera d’ailleurs qualifié par le critique d’art Václav Zykmund comme une « poésie du quotidien ». Présentés en 1966 au Museum Folkwang à Essen lors de l’exposition « Surrealismus und Fotografie [Surréalisme et photographie] » organisée par Otto Steiner, leurs travaux – par leur gravité, leur pertinence et leur beauté intrinsèque – ont un impact sur la photographie qui dépasse les frontières nationales.

Josef Hampl – 1932, Prague, Tchécoslovaquie – 2019, Hrušov, Slovaquie

Peintre, graphiste, dessinateur, photographe, formé à l’École des arts décoratifs de Prague entre 1955-1960 sous la direction du professeur Jaroslav Masák, Josef Hampl expose dès la fin des années 1950. De 1967-1990 il enseigne les arts graphiques à l’Académie des beaux-arts de Prague. Au début de sa carrière artistique il est proche de Vladimír Boudník, artiste visuel considéré comme fondateur et représentant de « l’explosionalisme », tous les deux engagés dans le mouvement de l’abstraction. Également ami de l’écrivain Bohumil Hrabal et du poète et artiste Jiří Kolář, Hampl s’essaye entre autres à l’art du collage et entreprend des interventions dans le paysage au cours des années 1970 et 1980. Son support de prédilection est le papier et il expérimente plusieurs techniques en combinant la gravure avec le dessin et le collage. Ces expérimentations sont suivies dans les années 1990 par la réalisation des montages cousus en grand format sur toile. Au fil du temps, Hampl élabore ses propres techniques et approches novatrices dans de vastes séries sur lesquelles il intervient à plusieurs reprises, démontrant son intérêt pour le processus créatif.

Krištof Kintera – 1973, Prague, Tchécoslovaquie

Krištof Kintera est un sculpteur basé à Prague et à Amsterdam. Reconnu internationalement, il a notamment exposé à plusieurs reprises en France. Il a étudié à l’Académie des beaux-arts de Prague et à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten d’Amsterdam. Il transforme des détritus technologiques collectés dans des déchetteries – des machines et des pièces d’ordinateurs, des radios ou encore des câbles – en installations monumentales ou en sculptures. Il utilise des objets qui proviennent directement du quotidien des consommateurs et détourne leur emploi : il les modifie en y introduisant des microfictions, des usages absurdes, et les élève au rang d’oeuvres d’art. Ses travaux font référence aux doutes exprimés dans les sociétés sous des régimes autoritaires ou communistes qui se retrouvent en plein essor économique, laissant derrière eux les préoccupations locales. Son travail sur la réutilisation de détritus s’inscrit également dans une problématique écologique qui cible les pays en développement.

Milan Knížák – 1940, Plzeň, Tchécoslovaquie

Né en 1940 à Plzeň, Milan Knížák grandit dans la ville thermale de Marienbad, après l’expulsion en 1945 des Allemands de Tchécoslovaquie. Son père, violoniste amateur, enseigne les mathématiques et les arts et c’est auprès de lui que Knížák s’initie à la peinture et à la musique. À partir des années 1960 et après un bref passage aux Beaux-Arts de Prague, il fonde avec des amis artistes le groupe Aktual Art qui organise des manifestations artistiques dans les rues de la ville. La photographie est alors pour Knížák un outil idéal pour enregistrer les nombreuses performances, happenings et installations. Membre du groupe Fluxus, Knížák utilise également la photographie pour des collages – associant écrit, peinture, dessin et parfois même objets trouvés dans la rue – dont les compositions s’inspirent de l’esthétique de l’affiche publicitaire et reflètent une influence prégnante du pop art américain et du nouveau réalisme. Après deux décennies dominées par l’héritage du surréalisme, les années 1960 ouvrent ainsi la voie à une nouvelle génération d’artistes mêlant art et politique, expérimentant avec les matériaux informels, et dont Milan Knížák, photographe, plasticien, musicien et activiste, est l’une des figures de proue.

Jiří Kolář – 1914, Protivín, Tchécoslovaquie – 2002, Prague, République tchèque

Jiří Kolář est un artiste et écrivain aussi bien connu pour sa poésie que pour ses collages. Son oeuvre incarne l’indépendance et l’originalité à une époque où la répression culturelle communiste fait des ravages, lui faisant ainsi subir l’oppression et l’emprisonnement

dans son pays natal. Kolář commence à exposer son travail en 1937 et publie son premier recueil de poésie intitulé Certificat de baptême en 1941. Un an plus tard, aux côtés du théoricien de l’art Jindřich Chalupecký, du sculpteur Ladislav Zívr, du peintre František Hudeček et des poètes Ivan Blatný et Josef Kainar entre autres, il fonde Skupina 42 [Groupe 42] qui met en avant « l’enchantement de la technique ». Entre 1959 et 1961, il réalise ses Poèmes du silence, qui proposent une véritable rupture avec la poésie verbale et poussent la déconstruction du poème entreprise par Stéphane Mallarmé et Guillaume Apollinaire. Au début des années 1960, Kolář se tourne davantage vers les arts visuels et devient de plus en plus expérimental, se consacrant à l’art du collage. Interdit de publication et d’exposition pendant la normalisation – période qui suit le Printemps de Prague et s’étend jusqu’à la Révolution de velours entre 1968 et 1989 – et signataire de la Charte 77, Jiří Kolář part à Berlin puis, empêché de retourner à Prague, émigre en 1980 à Paris, où il fonde la Revue K, consacrée aux artistes d’origine tchèque vivant en exil.

Běla Kolářová – 1923, Terezin, Tchécoslovaquie – 2010, Prague, République tchèque

Běla Kolářová, formée initialement dans une école de commerce, découvre l’art et la photographie avec la rencontre pendant la Seconde Guerre mondiale de Jiří Kolář, poète d’avant-garde et cofondateur du Skupina 42 [Groupe 42], qu’elle épouse en 1949. Autodidacte, elle s’initie à la photographie dans les années 1950 en réalisant une série de clichés d’enfants jouant dans les rues de Prague. Après ces premiers pas dans un style documentaire, Kolářová délaisse l’appareil photo et se renferme chez elle, expérimentant en chambre noire. De ses recherches sur la lumière et le mouvement naissent, en 1962, ses premiers Roentgenograms. Cette série devenue iconique est suivie par des compositions minimalistes – natures mortes surréalistes faites de cheveux coupés, de coquilles d’oeufs, de capsules de bouteille ou de déchets. Elle fait partie du groupe artistique Křižovatka, au sein duquel domine l’abstraction géométrique et le op-art et qui compte parmi ses membres notamment Karel Malich, Zdeněk Sýkora, Paula Mautnerova ainsi que Jiří Kolář.

L’activité photographique de Běla Kolářová ne dure qu’une quinzaine d’années : à partir des années 1970, elle se tourne vers le collage, l’assemblage et le dessin, mais c’est bien par son travail en chambre noire qu’elle se fait remarquer en tant qu’artiste.

Cestmir KraÅLtký – 1932, Liberec, Tchécoslovaquie – 2016, Prague, République tchèque

Après des études d’ethnographie et d’histoire de l’art à la Charles University de Prague de 1951 à 1956, Cestmir KraÅLtký débute en tant qu’ethnologue dans les régions de Bohême et de Moravie où il étudie les traditions populaires de la région jusqu’en 1960, tout en s’initiant à la photographie. En 1960, il retourne à Liberec pour se concentrer sur l’histoire de l’art et la pratique photographique, et devient commissaire à la galerie municipale Oblastní. Pendant cette période, il est influencé par le travail d’Emila Medková, adhère au mouvement abstrait et l’Informel, et participe aux expositions « Konfrontace III [Confrontations III] ». En 1968, il émigre aux États-Unis, où il restera jusqu’en 1986, avant de rejoindre le Mexique jusqu’en 1995. Les photographies de Cestmir KraÅLtký reflètent les recherches menées par les photographes tchèques des années 1960, fortement influencés par le surréalisme de l’entre-deux-guerres. En 1963-1964, KraÅLtký emménage à proximité d’une décharge, le menant ainsi à porter son regard sur la richesse des objets trouvés, éparpillés sur le sol. Il accorde une place importante aux titres de ses oeuvres, qui donnent une dimension métaphorique aux images. Il réalise par ailleurs une commande particulière pour les aéroports tchécoslovaques où ses photographies abstraites, agrandies, prennent la forme de panneaux monumentaux.

Jan Křížek – 1919, Dobroměřice, Tchécoslovaquie – 1985, Goulles, France

Né en 1919 dans le petit village de Dobroměřice, Jan Křížek a passé la majorité de sa vie en France, où il a créé une oeuvre inclassable et protéiforme, fortement influencée par l’art brut et le surréalisme. Après des études aux Beaux-Arts de Prague, interrompues par la Seconde Guerre mondiale, Křížek se forme en autodidacte, explorant un large champ de domaines, allant de l’art religieux à la physique moléculaire et à l’anatomie. Attiré par Paris, alors foyer des innovations artistiques, il s’y installe en 1948 et réalise des sculptures utilisant, faute de moyen, des pierres de démolition qu’il ramasse sur les chantiers. Son travail est remarqué par le critique d’art Charles Estienne et par André Breton, avec qui il entretient une brève correspondance et grâce auquel il participe à plusieurs réunions surréalistes. À défaut de matériel et d’espace pour la sculpture, il poursuit ensuite ses recherches par le dessin et la peinture, reproduisant de manière presque obsessive le même motif de figure féminine. Dénoncés comme sans-papiers, Křížek et sa femme fuient Paris. Réfugié en Corrèze, il cesse alors définitivement son activité de sculpteur et passe la fin de sa vie dans une petite maison qu’il construit de ses mains, vivant de l’apiculture.

Karel Malich – 1924, Holice, Tchécoslovaquie – 2019, Prague, République tchèque

Karel Malich est principalement connu pour ses sculptures géométriques en acier et ses mobiles en fil de fer. Après des études d’art et d’esthétique à la faculté des arts de la Charles University de Prague et à l’Académie des beaux-arts, il expose pour la première fois en tant que membre du groupe Promena en 1959. Sa première exposition personnelle se tient en 1963 à la Maison de la culture de Vysoké Mýto. Au fil du temps, Malich oriente son expression artistique vers l’abstraction et la géométrie en se concentrant sur des surfaces monochromes. Au cours des années 1960, Malich réalise des collages, ce qui l’amène à créer des reliefs et des sculptures spatiales. C’est à cette époque qu’il expose des dessins et des gouaches qui servent d’études préliminaires pour ses sculptures et qu’il réalise ses premiers modèles de nuages et de sculptures en fil tridimensionnel. Les sculptures spatiales de Malich deviennent progressivement dramatiques et denses : ses structures en fil de fer rappellent les lignes de forces cosmiques. En 1995, Karel Malich représente son pays à la Biennale de Venise.

Pavla Mautnerová- 1919, Brno, Tchécoslovaquie – 2001, Haïfa, Israël

Née à Brno en 1919, Pavla Mautnerová quitte sa ville natale alors qu’elle a 19 ans pour s’installer à Prague. Elle y rencontre celui qui deviendra son mari, le peintre Robert Piesen, et se lie d’amitié avec les artistes Mikuláš Medek, Richard Fremund ou encore le sculpteur Aleš Veselý, qui vivait dans la même maison que le couple. Sans formation académique, Mautnerová se met à la peinture de manière intensive à partir des années 1950, développant une oeuvre au caractère méditatif prononcé. Mautnerová explore dans ses toiles les possibilités intrinsèques de la matière, utilisant un colorant à séchage rapide pour créer des motifs abstraits qu’elle rehausse de dorures. Inspirées par l’art byzantin et l’Orient, ses peintures aux couleurs vibrantes rendent aussi hommage à l’art chrétien médiéval, rappelant parfois la forme des triptyques gothiques. Sa spiritualité se reflète dans les titres qu’elle choisit, empruntant ses sujets au registre biblique, comme celui de la Robe de Véronique. En 1965, Mautnerová quitte définitivement la Tchécoslovaquie avec son mari pour s’installer d’abord à Vienne, puis dans la communauté artistique de Ein Hod, en Israël, avant de s’installer dans les années 1990 à Haïfa, tout en continuant son activité artistique jusqu’à la fin de sa vie.

Emila Medková – 1928, Ústí nad Orlicí, Tchécoslovaquie – 1985, Prague, Tchécoslovaquie

Emila Medková se forme à la photographie à l’École d’art graphique de Prague auprès du photographe Josef Ehm. Elle s’y familiarise avec l’avant-garde tchèque : la photographie de Jaromír Funke et la peinture de Mikuláš Medek, qui deviendra son époux. Le couple côtoie le monde culturel et artistique pragois et rejoint le groupe surréaliste d’après-guerre, mené par la figure de l’artiste et critique Karel Teige. Les premières mises en scène photographiques que Medková réalise entre 1947 et 1951, qui mettent en scène des objets du quotidien – cheveux, coquilles d’œufs –, témoignent de l’influence du surréalisme. Plus tard, Medková ancre davantage sa photographie dans le réel. Elle sort dans les rues de Prague et s’intéresse aux détails insignifiants de l’architecture urbaine, les failles dans les murs ou les objets abandonnées, dans une série rappelant le travail sur les graffitis de Brassaï. Les cadrages en gros plan métamorphosent ces détails en de singulières images teintées d’humour et de mélancolie, révélant un regard unique. Malgré sa reconnaissance tardive, Medková, dont le travail inspira, entre autres, Alois Nožička, n’en est pas moins l’une des plus importantes femmes photographes tchèques de l’après-guerre.

Alois Nožička- Né en 1934 à Rudíkov, Tchécoslovaquie

Né en 1934, il prend ses premières photographies à 10 ans, utilisant l’appareil de son père pour saisir les paysages de son enfance. Il étudie ensuite à l’École secondaire d’art industriel de Brno, où l’enseignement est alors concentré sur le réalisme socialiste soviétique, mais découvre, grâce aux collections de la bibliothèque, la photographie internationale – dont le travail de Brassaï. Il réalise en 1959 une première série de photographies consacrée à un cimetière juif délaissé. En 1961, il rencontre le poète et meneur du groupe surréaliste tchèque Milan Napravnik qui lui fait découvrir le travail d’Emila Medková. Nožička radicalise dès lors sa démarche. Photographiant invariablement des déchets trouvés dans la rue, des chiffons, de la tôle froissée, il resserre son cadre pour ne laisser place qu’à de pures abstractions. Ses clichés saisissants et souvent dramatiques, révélant un art maîtrisé de la texturologie, lui valent une reconnaissance dans les cercles surréalistes d’Europe de l’Ouest. Ses travaux restent davantage publiés à l’étranger que dans son pays natal.

Ivo Přeček- 1935, Olomuc, Tchécoslovaquie – 2006, Olomouc, République Tchèque

Ivo Přeček est le cofondateur du groupe DOFO, formé en 1958 au moment de la détente politique et culturelle après l’époque stalinienne. Bien qu’issu du milieu de l’intelligentsia, il n’a pas la possibilité de suivre des études artistiques et se fait engager à l’usine. Son intérêt pour l’art lui permet de se rapprocher du peintre Slavoj Kovařik et du critique Václav Zykmund, qui deviendra le mentor du groupe DOFO. Constitué de photographes amateurs parmi lesquels Rupert Kytka, Antonín Gribovský ou encore Jan Hajn – qui, comme Přeček, étaient ouvriers –, DOFO a laissé une empreinte durable dans l’histoire de la photographie tchèque. Pour Přeček, c’est son atelier métallurgique d’opérateur-tourneur qui est devenu le champ de ses investigations artistiques. Il développe à partir des années 1960 une photographie profondément inscrite dans l’univers du travail qui se caractérise par une approche métaphorique et empreinte de nostalgie, très nourrie par le néoréalisme du cinéma italien. Cherchant la poésie dans le quotidien, les clichés de Přeček s’intéressent aux détails insignifiants de l’univers ouvrier, évitant l’héroïsation des lieux qui caractérisait le réalisme socialiste de l’époque précédente. Après cette période réaliste, Přeček se tourne vers une photographie plus expérimentale et abstraite, proche de l’art informel, jouant avec le photomontage et la superposition. C’est par les séries de photographies réalisées dans son atelier qu’il acquiert une renommée dans son pays.

Bohuslav Reynek – 1892, Petrkov, Autriche-Hongrie – 1971, Petrkov, Tchécoslovaquie

Après de brèves études à l’université de Prague, Bohuslav Reynek quitte Prague pour Petrkov, un petit village situé en Bohême orientale. En 1926, il épouse la poétesse française Suzanne Renaud, dont il traduira plus tard l’oeuvre en tchèque. En 1914, il débute sa longue et étroite collaboration avec l’éditeur Josef Florian, dans le village de Stará Říše, par la traduction d’auteurs français, l’illustration de livres et la publication de ses propres poèmes. Entre 1915 et 1949, Reynek traduit les poèmes de Paul Claudel, Victor Hugo, Paul Verlaine et Jean Giono, entre autres. Il séjourne par ailleurs régulièrement en France, à Grenoble, de 1926 à 1936. Son oeuvre graphique, constituée de dessins et de gravures, réputée dans le Dauphiné dès les années 1930, est restée inconnue durant des décennies en Tchécoslovaquie en raison du régime politique en place. Le public tchèque ne découvre cette oeuvre qu’en 1968 durant le bref Printemps de Prague. Pendant sa carrière artistique, Reynek expérimente avec plusieurs techniques : d’abord la peinture, puis le dessin, le pastel et l’aquarelle, puis la linogravure et les clichés-verres avant de se consacrer principalement à la gravure à partir de 1933.

Jaroslav Rössler – 1902, Smilov, Autriche-Hongrie – 1990, Prague, Tchécoslovaquie

Jaroslav Rössler se fait connaître pour sa fusion de différents styles réunissant des éléments du constructivisme, de l’objectivité nouvelle et de l’art abstrait. Après une formation au sein du studio du photographe František Drtikol, il est remarqué à l’âge de 21 ans par le théoricien d’art Karel Teige qui lui confie des tâches de graphiste et d’illustrateur pour les magazines Pásmo, Disk, Stavba et ReD (revue Devětsilu). Il se rend à Paris en 1925 pour un séjour d’étude de six mois et devient, cette même année, photographe pour le Osvobozené divadlo [Théâtre libéré] de Prague. Il contribue aussi activement au magazine Pestrý týden. De 1927 à 1935, il vit à Paris et travaille dans le domaine de la publicité et collabore notamment avec le photographe Lucien Lorell. Après son retour à Prague, il tient un modeste atelier de photographie et reprend une activité d’auteur à la fin des années 1950. Il renoue avec les tendances artistiques et photographiques tchèques de cette période, y compris l’informel.

Joseph Sima – 1891, Jaroměř, Autriche-Hongrie – 1971, Paris, France

Joseph Sima est un peintre franco-tchèque dont l’oeuvre onirique et poétique occupe une place déterminante dans la peinture du 20e siècle. Sima s’installe à Paris en 1922 après des études à Prague et se lie d’amitié avec Tristan Tzara, Amédée Ozenfant, Le Corbusier, Piet Mondrian, František Kupka et les Delaunay, entre autres. En 1925-1926, il fréquente les surréalistes et expose au Salon des surindépendants dans la section qui leur est consacrée. Il côtoie les poètes René Daumal et Roger Gilbert-Lecomte avec lesquels il fonde le mouvement et la revue Le Grand Jeu, dont il assure la direction artistique. Sima participe à l’exposition surréaliste de 1929 au Kunsthaus de Zurich et, en 1935, il accompagne André Breton et Paul Éluard lors de leur voyage à Prague. Il conçoit la couverture de l’édition tchèque de Nadja de Breton. Dès les années 1920, Sima travaille un registre de formes géométriques. Après une longue interruption due à la guerre, il réalise des paysages à partir de 1950, influencé par ses souvenirs d’enfance, ses visions et idées d’avant-guerre, ainsi que par son amour de la poésie et de la liberté.

Jan Svoboda – 1934, Bohuňovice, Tchécoslovaquie – 1990, Prague, Tchécoslovaquie

Alors qu’il est encore adolescent, Jan Svoboda écrit des poèmes nourris d’influences surréalistes, de Breton, d’Éluard et de la revue Minotaure. Après une formation de scénographe, il s’initie à la photographie dans les années 1950 afin d’illustrer ses textes. À partir de 1963 il est membre du groupe Máj 57, grâce auquel il rencontre le milieu d’avant-garde pragoise, notamment le peintre et sculpteur Zdenek Sekal, et puis Stanislav Kolibal. La découverte de l’œuvre de Josef Sudek, une des grandes figures de la photographie tchèque, encourage Svoboda à faire de ses clichés son oeuvre principale. Il réalise ses premières prises de vues dans les rues de Prague avant de se tourner presque exclusivement vers les intérieurs. En écho au travail de Sudek, il photographie des compositions faites de pierres, de fleurs, de fruits, et d’objets du quotidien dont se dégage un fort sentiment de solitude. À partir des années 1970, Svoboda crée des oeuvres plus radicales, citant et reproduisant ses propres images dans une démarche autoréflexive. Ces derniers travaux, au travers desquels il interroge les limites de l’image photographique, ouvriront la voie à des expériences plus larges d’appropriation du médium et inspireront une génération entière d’artistes comme Thomáš Pospěch ou Pavel Vančát.

Jan Wojnar – 1944, Vendryne, Tchécoslovaquie – 2014, République tchèque

Jan Wojnar est l’un des protagonistes de la pensée conceptuelle dans l’art tchèque de la fin des années 1960. Son oeuvre, extrêmement vaste, couvre les domaines de la peinture, de la sculpture ou encore de la poésie, et ne peut être embrassée complètement sans évoquer la photographie. Tour à tour utilisée pour archiver et documenter ses actions ou pour réaliser divers essais en chambre noire, cette pratique photographique tient une place centrale tout au long de sa carrière. Inspiré par le courant de l’art conceptuel qui imprègne les années 1960, il débute en 1978 la série des « Autofotogrammes » dans laquelle il perce, coupe, plie du papier photosensible, avant d’en réaliser les tirages. Chaque image photographique qui naît de ce processus unique est conçue comme l’enregistrement du geste de l’artiste et du changement qu’il fait subir au matériau. Photographe prolifique, Jan Wojnar cherche dans ses travaux à questionner les limites du médium. Bien que son oeuvre demeure largement méconnue, ses réalisations représentent l’une des expressions les plus originales de la photographie conceptuelle tchèque.