“Face au ciel” Paul Huet en son temps

au Musée de la Vie romantique, Paris

du 14 février au 30 août 2026

Musée de la Vie Romantique

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Texte Sylvain Silleran

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Extrait du communiqué de presse :

Commissariat :
Gaëlle Rio, conservatrice générale du patrimoine, directrice du musée de la Vie romantique
Dominique Lobstein, commissaire scientifique de l’exposition

« Face au ciel, Paul Huet en son temps » présente l’œuvre de l’artiste Paul Huet (1803-1869) à travers le motif pictural du ciel. Peintre encore peu connu du grand public, ce proche d’Ary Scheffer est souvent considéré comme l’un des précurseurs du paysage romantique en France. Inspiré par les grands maîtres anglais comme Constable et Turner, il exprime dans ses œuvres les émotions et la puissance de la nature en rompant avec la tradition classique.

Qualifié de « pré-impressionniste », Paul Huet a marqué son temps et influencé de nombreux artistes paysagistes comme Camille Corot. Son œuvre et son expérience de la peinture de ciel sont mises en regard de celles de ses contemporains afin de mieux apprécier sa singularité et son rôle dans cette époque foisonnante. Grâce à de nombreux prêts issus des collections publiques françaises, ses ciels sont ainsi présentés aux côtés de ceux de Paul Flandrin, Eugène Delacroix, Théodore Rousseau, Georges Michel, Eugène Isabey ou Eugène Boudin.

À la découverte du paysage
Longtemps, la peinture de paysage a été considérée comme un genre mineur, simple décor dépourvu de véritable sujet. À la fin du XVIIIe siècle, sous l’impulsion du peintre Pierre-Henri de Valenciennes et de ses publications, la pratique du paysage évolue et attire l’attention d’un nombre croissant d’artistes. En 1816, grâce à son influence, l’Académie des beaux-arts crée le prix de Rome de paysage historique. Organisé tous les quatre ans, ce concours reflète l’enseignement de l’École des beaux-arts et les traités alors en vigueur, qui imposent des compositions très codifiées. Ces règles strictes – intégration obligatoire d’un sujet historique ou mythologique, structure du paysage normée, usage des couleurs défini – sont de plus en plus perçues comme un frein à l’invention. Jugé trop rigide, le prix est finalement supprimé en 1863. Plusieurs événements contribuent également à faire évoluer la peinture de paysage. Les artistes découvrent d’abord la peinture anglaise – celle de Constable, Turner ou Bonington –, admirée pour sa lumière et sa spontanéité bien avant sa présentation remarquée au Salon de 1824. Par ailleurs, les artistes dits « réalistes » s’éloignent des traditions académiques et proposent une nouvelle approche de la représentation de la nature. Ils travaillent sur le motif, directement face au paysage, et s’inspirent des observations scientifiques sur la lumière et les phénomènes atmosphériques.

Paul Huet : le ciel, une passion précoce
Entre 1813 et 1816, alors qu’il rend visite à un ami sur l’île Seguin, située sur la Seine, entre les villages de Boulogne et de Sèvres, Paul Huet rencontre le peintre Jean Julien Deltil, qui y possède un atelier. Ancien élève de Jacques-Louis David, Deltil lui donne ses premiers conseils et l’accompagne pour peindre la nature et les ciels de la banlieue parisienne. Parallèlement, Huet tente une formation plus académique auprès de deux autres élèves de David, Pierre-Narcisse Guérin et Antoine-Jean Gros, avec lesquels les relations restent houleuses. Il préfère finalement rejoindre l’Académie suisse, un atelier libre très fréquenté par les jeunes artistes. C’est là, au début des années 1820, qu’il rencontre Eugène Delacroix, dont il devient un ami proche. Il se lie aussi avec le peintre anglais Richard Parkes Bonington, dont l’influence sur lui sera déterminante. Dès ses débuts, Huet choisit de se consacrer à la peinture de paysage. Au musée du Luxembourg, ouvert en 1818 et consacré aux artistes vivants, comme sur les cimaises du Salon parisien, il découvre les œuvres de ses contemporains : des paysages d’invention,inspirés d’une Italie idéalisée, mais aussi des vues nouvelles tirées de sites pittoresques français et de situations météorologiques extrêmes. Ces découvertes contribuent à orienter son regard vers un paysage plus libre, vivant et expressif.

Dans l’arène des expositions officielles
Accepté à l’École des beaux-arts, Paul Huet ne s’adapte guère à l’enseignement académique et, faute d’un prix de Rome pour lancer sa carrière, peine à se faire admettre aux expositions officielles. Lorsqu’il tente sa chance, en 1827, il envoie sept peintures : une seule est acceptée, et il est probable qu’elle n’ait même pas été accrochée. Il lui faut ensuite convaincre des journalistes toujours prêts à défendre des peintres plus respectueux de la tradition, de Charlesde Laberge à Louis Cabat. À partir de 1831, cependant, des critiques aussi influents que Gustave Planche et Théophile Gautier lui consacrent des articles élogieux. Le peintre reçoit en outre l’appui du prince Ferdinand-Philippe d’Orléans, fils du roi Louis-Philippe, qui commence à acheter ses tableaux à partir de 1834. À cette époque, l’Italie attire moins les artistes. Sur les cimaises du Salon, les paysages français gagnent en importance : brumes, nuages et vapeurs remplacent le bleu idéal des ciels classiques. Ces effets météorologiques, particulièrement propices à l’expression romantique, correspondent à la sensibilité de Huet. Au cours des années 1830, Huet voyage beaucoup, en Auvergne, dans les Pyrénées, jusqu’au comté de Nice et en Italie. En 1834, il expose de grandes eaux-fortes qui frappent par leur taille et leur intensité. La critique admire autant les couleurs lumineuses de ses ciels méditerranéens que la force dramatique du noir et blanc de ses gravures.

Le ciel dans tous ses états
Dans les années 1840, le jury du Salon se montre moins sévère envers Paul Huet et lui accorde plusieurs distinctions. Grâce au soutien d’Eugène Delacroix, alors membre du jury, il obtient une médaille de première classe à l’Exposition universelle de 1855, la même année que Camille Corot. Au cours de cette période, Huet fréquente de grandes figures littéraires : Victor Hugo, Alexandre Dumas ou encore Alphonse de Lamartine, qui l’invite dans son château de Saint-Point, en Bourgogne. Sa peinture de paysage, déjà sensible et expressive, semble alors gagner une dimension plu narrative et poétique. Les personnages de son tableau Le Gouffre, présenté au Salon de 1861, évoluent dans un décor presque fantastique qui évoque davantage l’imaginaire romantique du romancier écossais Walter Scott que celui des auteurs français. La critique reconnaît en Huet l’un des derniers représentants majeurs du romantisme : un artiste qui utilise le paysage pour exprimer des émotions fortes et une vision personnelle de la nature.

Le ciel transfiguré
Au milieu des années 1860, le monde artistique connaît de profonds bouleversements. L’enseignement académique est de plus en plus critiqué, et le Salon, qui domine encore la vie artistique, fait l’objet de vives discussions. De jeunes artistes cherchent à s’affranchir des règles strictes en vigueur. Ils expérimentent une manière de peindre plus libre, utilisent des couleurs plus claires, disposées sur la toile avec davantage de spontanéité. Les critiques d’art de la nouvelle génération soutiennent ces recherches et proposent une lecture différente du paysage : l’étude précise des effets atmosphériques laisse progressivement la place à un intérêt plus marqué pour la lumière. Dans ce contexte d’évolution rapide, Paul Huet poursuit sa carrière avec succès. Son œuvre conserve une sensibilité romantique, tout en s’adaptant parfois à ces nouvelles attentes. Le gouvernement impérial lui commande plusieurs tableaux, qu’il prépare par des esquisses plus légères et rapidement brossées, peut-être en écho aux pratiques de la jeune génération. Malgré ces réussites, l’artiste affronte l’épreuve du vieillissement, qu’il qualifie, dans ses lettres, d’« assez vilaine chose ».

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Réouverture du Musée de la Vie Romantique

Après 17 mois de travaux, le musée de la Vie romantique s’apprête à rouvrir ses portes au public le 14 février prochain. Depuis septembre 2024, le musée — accompagné par Basalt Architecture et l’atelier àkiko Designers — mène une opération majeure de restauration de la maison et des ateliers du peintre Ary Scheffer.

Une rénovation patrimoniale ambitieuse
L’ambition de la rénovation est de préserver l’esprit du lieu et de renforcer son identité patrimoniale, tout en recréant une atmosphère harmonieuse, fidèle à celle d’une maison d’artiste de l’époque romantique. Ce projet s’articule autour de deux axes principaux : la restauration de la maison, comprenant également la refonte du parcours des collections permanentes, et l’amélioration significative de l’accueil et du confort des visiteurs. La réhabilitation de l’enveloppe structurelle du bâtiment, inscrit au titre des Monuments historiques, a permis d’améliorer les performances énergétiques et les conditions pour la conservation des œuvres. Les travaux ont porté sur la charpente, la toiture et les façades, restaurées à la chaux selon les techniques traditionnelles du XIXe siècle. Les menuiseries et huisseries ont également été remises en état dans le respect de leur configuration d’époque. Conformément aux recommandations de la Direction régionale des affaires culturelles d’Île-de-France, les volets ont retrouvé leur teinte brun-beige initiale, tandis que l’enduit de façade a été restitué dans sa couleur historique. Ainsi, la maison retrouve l’apparence qui était la sienne en 1830, identique à celle représentée sur un tableau conservé au Dordrechts Museum, aux Pays-Bas. Cette restauration redonne au site toute l’élégance de son état d’origine. À l’intérieur, la scénographie restitue avec fidélité l’ambiance d’une demeure d’artiste du XIXe siècle, dans le respect de l’esprit des lieux et la continuité du décor conçu dans les années 1980. Chaque pièce est traitée selon une gamme chromatique spécifique, avec tissus tendus aux murs, rideaux assortis, parquets restaurés et bas-lambris bruns équipés de lisses pour accueillir les cartels.L’accueil du public a été repensé pour garantir confort, sécurité et fluidité de circulation. Dès l’entrée, un espace vigipirate assure des conditions optimales de sûreté, tandis qu’un espace d’accueil réorganisé dans les bâtiments de la cour regroupe billetterie, boutique et casiers-vestiaires. L’accessibilité aux personnes en situation de handicap a été renforcée grâce à la reprise du pavement dans l’allée et la cour, et un cheminement adapté relie désormais le jardin au salon de thé Rose Bakery installé dans la serre du musée.

Un parcours totalement renouvelé pour mieux comprendre la vie romantique et le romantisme
Cette restauration d’envergure offre une présentation des collections inédite dans un parcours muséographique entièrement renouvelé. Fondé sur un discours scientifique enrichi et une approche sensible, il met à l’honneur le peintre Ary Scheffer (1795-1858), figure centrale du romantisme, dans sa maison-atelier du quartier de la Nouvelle Athènes, au cœur du 9e arrondissement de Paris. Dédié à la « vie romantique », le rez-de-chaussée met en lumière la place de Scheffer dans son époque et son environnement artistique, en évoquant le cercle prestigieux des personnalités incontournables de son temps : Frédéric Chopin, Pauline Viardot, Eugène Delacroix… Une salle entière est consacrée à George Sand, figure emblématique du mouvement romantique et proche du maître des lieux. À l’étage, les visiteurs découvriront quatre thématiques essentielles du romantisme : la nature et le paysage, le sentiment, la littérature, et le fantastique. Ces thématiques mettent en valeur la fraternité des arts, en tissant des liens entre peinture, littérature et musique. Le nouveau parcours s’accompagne de dispositifs de médiation sensible : musiques, lectures, ambiances sonores et outils numériques invitent à une immersion poétique dans la période romantique.