“Transparences liquides”
Anne-Camille Allueva, Matan Mittwoch, Laure Tiberghien, Emmanuel Van der Auwera

au Centre Photographique d’Île-de-France, Pontault-Combault

du 25 janvier au 22 mai 2026

Centre Photographique d’Île-de-France

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Extrait du communiqué de presse :

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Les Artistes

Anne-Camille Allueva est née en 1984, elle vit et travaille à Paris.
Elle est représentée par la galerie Bigaignon (Paris).
https://www.annecamilleallueva.com/

La plupart des images que nous voyons aujourd’hui sont rétroéclairées, calculées, actualisables. Pour accéder à cet environnement iconographique diffus, nous faisons appel à un système d’interfaces qui s’est durablement installé dans notre quotidien : les écrans. Nous interagissons avec ces surfaces en permanence. Cette familiarité entraîne une normalisation qui nous pousse – comme le rappelle M. Carbone – à oublier la médiation qu’elles imposent, ainsi que le rôle décisif que celles-ci, et les images qu’elles abritent, jouent dans la formation de notre regard. C’est précisément à partir de ces enjeux qu’Anne-Camille Allueva développe une démarche fondée sur un geste en apparence simple : isoler l’une des strates de l’écran – le filtre polarisant – afin d’en révéler la fonction dans la construction du visible. En continuité avec sa pratique d’atelier, qui s’appuie sur la manipulation de matériaux, la recherche de points de vue, et l’exploration des effets de distorsion de la lumière, ses oeuvres invitent à une expérience résolument incarnée au sein de l’espace d’exposition. Face à ses sculptures associant filtres polarisants et sources lumineuses, le·la visiteur·euse est naturellement incité·e à se déplacer, découvrant des volumes instables, en perpétuelle modulation, ainsi que de subtiles variations de surface et de luminosité. Iel fait ainsi l’expérience d’une image mouvante, relationnelle, qui se reconfigure au gré de ses déplacements. Spécialement réalisées pour Transparences liquides, les œuvres présentées cherchent à susciter une prise de conscience de sa propre posture – corporelle autant qu’intellectuelle – face aux écrans et aux régimes de représentation qu’ils instaurent. Anne-Camille Allueva propose ainsi une image-écran archétypale, qui rend perceptible la médiation intrinsèquement liée à notre expérience du monde, et dont cet opérateur du regard constitue aujourd’hui la figure la plus emblématique.

Matan Mittwoch est né en 1982, il vit et travaille à Paris.
https://dvirgallery.com/artists/52-matan-mittwoch/

Matan Mittwoch développe une pratique qui croise geste et pensée, faisant surgir des analogies entre la vision comme phénomène optique et la vision comme processus cognitif. Pour cette exposition, il présente des oeuvres qui examinent, non sans ironie, le paradoxe de l’émission lumineuse : source d’information autant que facteur d’aveuglement. Il y est question d’un regard frustré, attiré par la lumière – celle d’un écran, peut-être – comme en quête de réponses, mais qui se voit immanquablement refuser toute possibilité de compréhension. Parmi les pièces présentées, TELE (2025), production inédite, se révèle particulièrement emblématique. Devant ce tirage de très grand format, les visiteur·euse·s sont plongé·e·s dans l’abîme de la lumière. L’image pourrait se lire comme une métaphore de la surcharge informationnelle et de ses effets sur notre capacité à nous orienter dans les méandres du réel. Sur le plan cognitif, la tunnel vision – phénomène auquel l’oeuvre fait référence – désigne la tendance à se focaliser sur une seule perspective, un seul récit ou une seule source d’information, au détriment des points de vue alternatifs et des contextes plus larges. À travers cette oeuvre, Matan Mittwoch met en scène le paradoxe de l’éblouissement : celui d’une lumière qui éclaire tout en troublant la perception, rétrécissant le champ de vision plutôt que de l’élargir. Mobilisée depuis longtemps comme figure de la connaissance libératrice, et plus récemment assimilée à un vecteur d’informations – à travers les écrans de nos télévisions, ordinateurs ou téléphones – la lumière peut aussi nous aveugler, au sens propre comme au figuré. La faible profondeur de champ choisie par l’artiste fait émerger la rugosité de la surface intérieure du tunnel, un tube en carton du type de ceux utilisés pour enrouler le papier photographique. Une crête s’y dessine, semblable à une cicatrice, évoquant symboliquement la blessure que la tunnel vision inflige à notre perception du monde. TELE prend pour point de départ conceptuel Sun Tunnels de Nancy Holt (1973-76), constituée de quatre grands cylindres en béton installés dans le désert de l’Utah. Animée par des préoccupations phénoménologiques, Holt proposait une expérience située, fondée sur l’alignement entre le corps, l’horizon et le soleil levant ou couchant, inscrivant cet agencement dans un ordre cosmique. Ici, cependant, un tel alignement devient impossible : l’horizon, point de repère par excellence, est oblitéré au sein d’une image qui met en abyme l’acte même de regarder.

Laure Tiberghien est née en 1992, elle vit et travaille à Paris.
https://lauretiberghien.com

Laure Tiberghien réalise des tirages uniques qui ne renvoient à aucun référent identifiable. Sans avoir recours à l’appareil photographique, elle exploite les propriétés du papier photosensible, ses interactions avec la lumière et la chimie photographique, tout en laissant une part au hasard susceptible d’infléchir le processus. Si ses tirages renoncent à tout mimétisme, ils conservent néanmoins la trace du geste de l’artiste. Dans l’obscurité du laboratoire, elle intervient sur le papier à l’aide de ce qu’elle appelle des « matrices », des objets qu’elle crée elle-même et qu’elle utilise pour moduler, filtrer ou distordre la lumière. Cette recherche est ainsi indissociable du corps agissant, qui étudie et perfectionne des séquences de mouvements, des chorégraphies aboutissant à l’apparition de formes et de couleurs. Parmi ces oeuvres, conçues selon des protocoles différents, Moon I, Moon II et Moon III (2025) sont trois tirages de grand format qui, à première vue, proposent des camaïeux de verts. Pour ces pièces, l’artiste a multiplié les gestes : d’une part, elle a façonné la lumière en travaillant avec ses Pierres de lune (2025) – des sphères en verre soufflé qu’elle a elle-même réalisées -; d’autre part, elle est intervenue sur le développement du papier photographique pour obtenir des démarcations nettes entre différentes zones du tirage. En prenant son temps face à l’oeuvre, le·la visiteur·euse fait l’expérience d’une adaptation perceptive lui permettant de saisir, au fil des secondes, des nuances de plus en plus fines. Les trois pièces, à la fois formellement proches et néanmoins distinctes, révèlent alors une profondeur suggérée par la couleur et les clairs-obscurs, des « strates » – comme les qualifie l’artiste –, qui évoquent par ailleurs les couches du papier photographique. De même, en s’approchant de la surface des tirages, il est possible de découvrir des détails jusque-là imperceptibles, qui en renouvellent encore la lecture. Laure Tiberghien invite ainsi à une appréhension longue, attentive, d’images qui enveloppent et, en même temps, offrent une multitude de micro-événements perceptifs. Reposant sur l’épaisseur de l’expérience sensible, son travail propose un contrepoint méditatif à nos habitudes visuelles, marquées par la rapidité et l’accumulation iconographique. Mis en dialogue avec le vocabulaire figuratif d’une partie des oeuvres présentées, il rappelle également que l’image photographique – malgré son usage comme outil d’attestation – demeure une construction, et que sa prétendue transparence n’est qu’illusoire.

Emmanuel Van der Auwera est né en 1982, il vit et travaille à Bruxelles.
Il est représenté par la galerie Harlan Levey Projects (Bruxelles).
https://hl-projects.com/artists/29-emmanuel-van-der-auwera/

À travers ses tirages et ses dispositifs en volume, Emmanuel Van der Auwera interroge la fabrication et la circulation de l’information à l’ère de la post-vérité, une période où la polarisation antagonique des récits s’accentue et où l’opinion publique se laisse plus facilement gouverner par l’émotion et les croyances. Le déclin des grands médias de référence – tels que les journaux – et la fragmentation du panorama médiatique constituent autant de terrains d’enquête que l’artiste explore en articulant, de manière sensible et analogique, support et image, matérialité et représentation. Dans Memento 59 (Capitol Black) et Videosculpture XXVIII, c’est la représentation de l’assaut du Capitole, le 6 janvier 2021, qui – en écho au basculement des régimes de vérité qu’il symbolise – se trouve mise à mal par les procédés employés. Des plaques offset, utilisées pour l’impression des journaux, accueillent ici l’image d’une foule brandissant un drapeau américain ; parallèlement, une séquence vidéo des mêmes événements est diffusée à travers une sculpture composée d’écrans dont l’artiste a arraché les filtres polarisants. Dans les deux cas, l’image ne se livre plus d’emblée : elle exige un temps d’observation prolongé. En intervenant directement sur leurs supports de production et de diffusion, l’artiste met au jour la nature construite, manipulable et faussement transparente des images. Pour cette exposition, Emmanuel Van der Auwera présente également plusieurs oeuvres récentes (2025) qui prolongent ces questionnements, en intégrant cette fois l’influence des algorithmes de génération d’images sur l’élaboration de contre-vérités et sur la fragilisation du standard photoréaliste comme gage de vérité.