Commissaire :

Inès de Bordas, attachée de conservation Fondation Giacometti

L’Institut Giacometti présente pour la première fois l’essentiel de sa collection de plâtres peints, révélant ainsi au public une part émouvante et secrète de l’oeuvre de l’artiste. À toutes les étapes de sa carrière, Alberto Giacometti (1901-1966) a manifesté son désir de relier intimement sculpture et peinture, en peignant certaines de ses sculptures en plâtre et en bronze. De ses premières oeuvres à sa mort, il a ainsi réalisé une centaine de plâtres peints, dont 55 appartiennent à la Fondation Giacometti, et une soixantaine de bronze peints.

C’est la volonté de faire des figures « vivantes », qui pousse l’artiste à s’emparer de sa palette et de ses pinceaux pour « animer » ses sculptures, de petite ou de grande taille, Giacometti allant même parfois jusqu’à peindre sur des œuvres achevées installées dans une exposition. Il y est encouragé par son goût de l’art de l’Antiquité archaïque, de l’art des Primitifs italiens et des arts non-occidentaux.

« Il ne faut pas parler de sculptures peintes seulement de sculptures », expliquait Giacometti à son galeriste, Pierre Matisse, en 1950, « la couleur fait partie de la sculpture, elles sont peintes à l’huile comme les tableaux ». Les sculptures de bronze peintes dont il parle ici, déconcertantes et fragiles, ont cependant peu de succès, et la réticence des collectionneurs viendra à bout de son engouement. Plusieurs de ces sculptures ont d’ailleurs perdu l’intensité, voire l’intégralité, de leurs couleurs avec le temps. Les plâtres peints, par contre, pour la plupart exécutés sur des oeuvres restées à l’atelier, ont été conservés par l’artiste jusqu’à sa mort, ce qui a préservé la fraîcheur des couleurs.

Procédant dans ses premières expérimentations durant sa période pré-surréaliste par aplats de peinture, avec une palette assez libre et plutôt naturaliste s’agissant des portraits (Flora Mayo), les oeuvres de l’après-guerre voient plutôt la peinture remplacer ou compléter les incisions que l’artiste inscrit dans la matière pour « dessiner » la surface de ses figures. Les interventions colorées sont alors faites au moyen de hachures et de traits réalisés dans une gamme colorée limitée au rouge-brun-noir. Giacometti reviendra aux aplats de peinture dans sa dernière période, notamment dans les grands bronzes peints qu’il installe dans la cour de la Fondation Maeght, sans prendre garde à l’effet prévisible des intempéries.

L’exposition réunit un corpus exceptionnel de plâtres peints, dont Stèle (1958), les Femmes de Venise (1956-1957), plusieurs très grandes figures ; deux versions de La Cage (1949-1950) dont un bronze peint ; plusieurs peintures sur toile et un ensemble de dessins pour la plupart inédits.

#GiacomettiSculpturespeintes – Un catalogue coédité par la Fondation Giacometti, Paris, et FAGE éditions, Lyon, accompagne l’exposition.

^{Alberto Giacometti, Tête d‘homme sur socle, 1949 – 1951. Plâtre peint, 22,3 x 7,5 x 9,5 cm. Fondation Giacometti. © Succession Giacometti/ ADAGP, Paris 2024.}

^{Alberto Giacometti, Simone de Beauvoir, 1946. Plâtre peint, 13,9 x 4 x 4,1 cm. © Succession Giacometti/ ADAGP, Paris 2024.}

^{Alberto Giacometti, Quatre figurines de Londres, version A,1965. Plâtre peint, 14 x 22 x 4 cm. Fondation Giacometti. © Succession Giacometti/ ADAGP, Paris 2024.}

^{Alberto Giacometti, Figurine dans une cage, 1950. Plâtre peint, 66 x 11,3 x 16 cm. Fondation Giacometti. © Succession Alberto Giacometti / ADAGP, Paris 2024.}

^{Alberto Giacometti, Homme à mi-corps,1965. Plâtre peint, 60,6 x 19,5 x 32,4 cm. Fondation Giacometti. © Succession Alberto Giacometti / ADAGP, Paris 2024.}

L’exposition

(…) Sculptant comme les autres peignent, peignant comme les autres sculptent, est-il peintre ? Est-il sculpteur? Ni l’un ni l’autre, l’un et l’autre. Peintre et sculpteur parce que l’époque ne permet pas qu’il soit sculpteur et architecte : sculpteur pour restituer à chacun sa solitude circulaire, peintre pour replacer les hommes et les choses dans le monde, c’est-à-dire dans le grand Vide universel, il lui arrive de modeler ce qu’il avait d’abord souhaiter peindre. Mais d’autres fois, il sait que la sculpture (ou dans d’autres cas la peinture) lui permet seule de « réaliser ses impressions ». De toute façon, ces deux activités sont inséparables et complémentaires : elles lui permettent de traiter sous tous ses aspects le problème de ses rapports aux autres, selon que la distance vient d’eux, de lui ou de l’univers.(…) Jean-Paul Sartre, « Les peintures de Giacometti », Derrière le Miroir, mai 1954

Introduction – par Inès de Bordas, commissaire – Extrait du texte du catalogue

Les oeuvres peintes, en plâtre et en bronze

La période qui suit la Libération et le retour de Giacometti à Paris en 1945 est très féconde pour la production de l’artiste dans le contexte intellectuel de l’après-guerre. En 1946, le galeriste Pierre Matisse lui propose une exposition personnelle prévue pour la fin de l’année 1947 amorçant ainsi une phase de travail intense. Pour la préparation de cette exposition, ainsi que de celle qui suivra chez le galeriste new-yorkais en décembre 1950, Giacometti élabore des œuvres qui s’ancrent dans le cheminement parcouru jusque-là tout en ouvrant de nouvelles voies. Les sculptures en plâtre réalisées à partir de cette période sont souvent peintes, et l’on peut distinguer l’apparition de différentes formes d’application de la peinture dont Giacometti fera usage jusqu’à la fin de sa vie. Dans le travail d’après modèle à l’atelier, avec son frère Diego, sa future épouse Annette Arm, qui vient de le rejoindre à Paris, et des personnalités telles que Marie-Laure de Noailles, Simone de Beauvoir, Rol-Tanguy ou encore Diane Bataille, les oeuvres sont rehaussées de peinture dans une forme de naturalisme parfois presque naïf. Le plâtre d’une petite sculpture représentant la tête de Simone de Beauvoir, réalisé en 1946, est peint en aplats de couleur au niveau des cheveux, de la surface du visage et du socle, tout comme le Petit buste d’Annette de la même année. Giacometti dessine également à la peinture les traits du visage, donnant ainsi à ces figures de plâtre un regard, rappelant la statuaire égyptienne qu’il a tant étudiée. De nombreux exemples de ce traitement sur des oeuvres de petites et grandes tailles ont été conservés par l’artiste comme la sculpture en plâtre Femme Leoni (1947-1958), ou les différentes Grandes Femmes en plâtre sur lesquelles sont dessinés les traits du visage et des lignes accentuant certaines parties du corps. Dans la continuité de cette utilisation de la peinture, le plâtre polychrome Tête d’homme sur socle (1949-1951), entièrement peint, évoque les portraits du Fayoum, très souvent copiés par Giacometti, qui étaient destinés à garder vivante l’image des morts dans l’Égypte de l’époque romaine. Les couleurs employées sur cette œuvres – le rouge vif du socle, le rose chair du visage, la point de bleu teintant les pupilles, et le noir des cheveux – sont similaires à celles que l’on retrouve sur des sculptures en bronze de la même époque telles que la Cage ou les Trois hommes qui marchent (grand plateau) (1948). Dans d’autres cas, l’utilisation de la peinture est très graphique, avec des systèmes de lignes peintes dans des tons rouge brun et noir, structurant par exemple les têtes sur tige réalisées à partir de 1946 et les corps de Nu debout sur socle cubique (1953) ou les Femmes de Venise. Il est intéressant de noter que la construction du réseau de lignes sur les sculptures présente des similarités avec la technique développée par Giacometti pour représenter ses modèles dans l’espace pictural de la toile. Yanaihara décrira dans son journal le processus de création des peintures, que l’on peut également observer dans le film d’Ernst Scheidegger documentant les étapes de la réalisation d’un portrait de Jacques Dupin. Des lignes dessinées à la peinture constituent « le bati » du modèle, lequel est ensuite recouvert par l’enchevêtrement des lignes et l’épaisseur des différentes couches de peinture – autant de tentatives de fixer le modèle sur la toile. Jean Genet décrit ainsi la vitalité du tracé et de la matière : À mesure que je m’éloigne […], le visage avec tout son modelé m’apparaît, s’impose, vient à ma rencontre, fond sur moi et se reprécipite dans la toile d’où il partait, devient d’une présence, d’une réalité et d’un relief terribles. […] Vu à vingt mètres, chaque portrait est une petite masse de vie qui pourrait sans effort nourrir cent autres portraits. » Le photographe Suisse Herbert Matter réalise des photographies des oeuvres peintes et sculptées de Giacometti. Ces images attirent l’attention sur les résonnances entre les deux médiums, rapprochant ainsi des vues très détaillées des visages des modèles représentés en peinture et des détails de sculptures en plâtre peint. À la réception des clichés, Giacometti lui écrit être très impressionné par les images et la manière dont celles-ci lui offrent un regard nouveau sur ses propres oeuvres. (…)