”Guénaëlle de Carbonnières appartient à une génération d’artistes pour laquelle l’image ne se réduit pas à une affaire de représentation. Ce qu’il y a “à voir” doit désormais dépendre de l’expérience plastique, c’est la seule façon de montrer autrement, en faisant de la matière même et des gestes, les acteurs de tout premier plan.”

[extrait] À l’intérieur des images, par Michel Poivert, 2022

Les marées de pierre – par Anne Favier

Première exposition de Guénaëlle de Carbonnières à la Galerie Binome, Les marées de pierre réunit plusieurs ensembles photographiques récents traversés par une poétique de l’archéologie. Si l’artiste réactive les images des vestiges de notre humanité et exhume les archives d’un patrimoine imaginaire commun, elle réinvestit également par les moyens de la photographie des gestes et des processus archéologiques : relevé, fouille, prospection, reconstitution, prélèvement, stratigraphie, enfouissement, surgissement… Sans anachronisme, il s’agit de sonder en profondeur les potentialités plastiques du médium en entremêlant librement technologies digitales et procédés analogiques des âges premiers de la photographie. Les recherches artistiques de Guénaëlle de Carbonnières relèvent ainsi d’une archéologie du photographique lui-même. Les propriétés matérielles de l’argentique viennent sceller ses reconstructions libres – l’artiste parle de « caprices » – de sites historiques à partir de sources hétéroclites, catalogues de ventes, banques d’images médiatiques, fonds d’archives. C’est alors un complexe écosystème photographique qui se dévoile à travers la manipulation d’images transmutées par une succession d’opérations et de réactions propres au médium : surimpression, surexposition, modulation de la netteté, « chimicographie », brûlure ou voile de lumière, effet de solarisation, réversibilité des valeurs… En explorant singulièrement pour chaque nouvelle série la technique du photogramme – ou « dessin photogénique » selon Talbot -, Guénaëlle de Carbonnières remonte aux origines du photographique. 

Pour l’ensemble Le temps voilé, des fragments d’images d’architectures anciennes sont transposés sur soie sérigraphique. Associé à la production de multiples, ce support technique est ensuite détourné et retourné comme un négatif souple pour l’élaboration d’un photogramme original. Les plis et replis du volume translucide troublent et voilent les images, jusqu’à faire parfois totalement écran à la traversée lumineuse. Ces zones de réserves émettent d’éblouissants effacements, contrastant avec d’autres densités très sourdes. La photographie est encore fragmentée : une bande soustraite par une coupe rigoureuse laisse un blanc, une zone aveugle. Cet interstice ouvre en creux l’espace de représentation et rappelle les recherches fractionnées de « temps » d’exposition en laboratoire.

Travaillées en chambre noire, les épreuves argentiques témoignent de leur submersion transitoire – en bains de révélateur et de fixateur – dont elles ont enregistré les traces physico-chimiques mouvantes et les phénomènes sensibles accidentels (taches, macules, halos, « auras » ). Cette labilité est particulièrement manifeste dans la série Submergées : des icônes archéologiques, tels le Parthénon, le Colisée ou une pyramide, devenues éléments de décoration miniature pour aquariums semblent surgir d’un insondable abîme. Le processus chimique – ou alchimique ! – à l’oeuvre poursuit l’altération de ces vestiges prototypiques. Avec humour, cette transfiguration photosensible, comme une bulle d’air remontée des fonds, signale les destructions en cours et les disparitions à venir dont la montée des eaux n’est qu’un des symptômes.

La verticalité des Cités englouties évoque un écoulement tout à la fois visuel et temporel. Pour la construction de ces photogrammes, l’artiste a foulé les traces conservées du projet utopique « Cité industrielle » imaginé par l’architecte et urbaniste Tony Garnier. Minutieusement relevées au crayon sur de fragiles rouleaux de calque, les archives exhumées d’un rêve d’architecture avant-gardiste se déplient spectralement comme des bandeaux d’écritures latentes qui interfèrent les unes les autres.

Le palimpseste est finalement poussé à son comble avec les oeuvres hybrides de l’ensemble Creuser l’image. Procédant par agrégation de nombreuses photographies de sites historiques en zones de conflit (Mossoul, Alep…), l’artiste tend à reconstituer la mémoire collective de paysages archéologiques soumis à des destructions successives. Points de vue et temporalités multiples se télescopent par photomontage. Des rehauts d’encre, noir transparent et blanc opalescent, intensifient l’étrange effet de sédimentation du feuilletage iconographique. Si la construction stratigraphique semble se creuser spatialement – voire se consumer – en une succession de plans, elle est aussi finement remarquée à la pointe à graver suscitant un décollement de la surface. De légers reliefs transparaissent ; le territoire sillonné est reconfiguré en une cartographie hologrammatique. Métaphore d’une mémoire instable en perpétuelle reconstruction, cette poétique tectonique photographique anime en profondeur l’image pelliculaire.

Anne Favier – Commissaire d’exposition et critique d’art, maîtresse de conférences en esthétique et sciences de l’art à l’Université Jean Monnet de Saint-Etienne, UR. ECLLA.

Biographie