🔊 “Matisse” 1941-1954, au Grand Palais [Centre Pompidou – Constellation], du 24 mars au 26 juillet 2026

Pierre Normann GRANIER 23 mars 202623 mars 2026 Centre Pompidou, Claudine Grammont, Grand Palais, Matisse

“Matisse” 1941-1954

au Grand Palais [Centre Pompidou – Constellation], Paris

du 24 mars au 26 juillet 2026

Grand Palais
Centre Pompidou

Entretien avec Claudine Grammont, Cheffe du cabinet d’art graphique, Musée national d’art moderne – Centre Pompidou et commissaire de l’exposition, par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 23 mars 2026, durée 17’02, © FranceFineArt.

PODCAST – Entretien avec
Claudine Grammont,
Cheffe du cabinet d’art graphique, Musée national d’art moderne – Centre Pompidou, et commissaire de l’exposition,

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 23 mars 2026, durée 17’03,
© FranceFineArt.

Matisse1941-1954au Grand Palais [Centre Pompidou Ð Constellation], Parisdu 24 mars au 26 juillet 2026

^{©Anne-Frédérique Fer, vernissage presse, le 23 mars 2026.}

Extrait du communiqué de presse :

^{Henri Matisse, La Gerbe, 1953. Papiers gouachés, découpés et collés sur papier marouflé sur toile, 311 x 350 cm. Photo © The Hammer Museum, Los Angeles, USA © Fine Art Images/Bridgeman Images.}

^{Henri Matisse, Le Cauchemar de l’éléphant blanc, fin octobre – début novembre 1943. Planche originale de l’album Jazz, Paris, Tériade, 1947. Papiers gouachés, découpés et collés sur papier marouflé sur toile 43,9 x 66,7 cm Paris, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne Dation, 1985 Inv. AM 1985-315 (4). Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. GrandPalaisRmn / image Centre Pompidou, MNAM-CC / Philippe Migeat, Christian Bahier.}

^{Henri Matisse, La Tristesse du roi, 1952. Papiers gouachés découpés marouflés sur toile, 292 x 386 cm, Centre Pompidou, Paris. Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. GrandPalaisRmn.}

Commissariat :
Claudine Grammont, Cheffe du cabinet d’art graphique, Musée national d’art moderne – Centre Pompidou
Exposition coproduite par le Centre Pompidou et le GrandPalaisRmn

D’une envergure inédite en France, l’exposition « Matisse, 1941 — 1954 » met en lumière les dernières années de création de l’artiste, grand moment de synthèse, de radicalité et d’invention formelle. Elle réunit plus de 300 oeuvres qui témoignent de l’élan de création inouïe de Matisse durant cette période particulièrement foisonnante. À près de 80 ans, il se réinvente avec le médium de la gouache découpée à travers lequel il renouvelle entièrement son vocabulaire plastique et donne à son art une portée monumentale. Cette exposition conduit le visiteur dans le dernier grand atelier de Matisse, regroupant peintures, série de dessins, livres illustrés, gouaches découpées, textiles et même vitraux qui sont autant de déclinaisons de cet ultime moment de grâce.

La sélection de plus de 300 oeuvres, dont beaucoup sont inédites en France, offre l’occasion de découvrir des ensembles très rarement vus. Afin de compléter la déjà riche collection du Centre Pompidou, des prêts exceptionnels proviennent de collections particulières et d’institutions nationales et internationales dont le Hammer Museum, le MoMA, la National Gallery of Art de Washington, la Fondation Barnes, la Fondation Beyeler.

L’exposition réunit les ensembles essentiels de cette période : la magistrale et ultime série des peintures des Intérieurs de Vence de 1946-1948, l’album Jazz et sa maquette, des séries de dessins de Thèmes et Variations, les dessins au pinceau et à l’encre, les principaux éléments du programme de la chapelle de Vence, les panneaux monumentaux La Gerbe, Les Acanthes, L’Escargot et Mémoire d’Océanie. Enfin, les grandes figures en gouache découpée, comme La Tristesse du roi, Zulma, Danseuse créole et la série des Nus bleus sont ici, exceptionnellement, réunies.

« Matisse 1941 – 1954 » s’inscrit dans la lignée des grandes monographies dédiées à l’artiste organisées par le Centre Pompidou [« Matisse 1904 – 1917 » en 1993, « Matisse. Paires et séries » en 2012 et « Matisse. Comme un roman » en 2021] et fait plus particulièrement écho à celle de 1993, « Matisse 1904 – 1917 ». À la différence de « Henri Matisse: the Cut-Outs » (présentée à la Tate et au MoMA, 2014) exclusivement consacrée aux gouaches découpées, elle révèle la dimension pluridisciplinaire de sa pratique pendant cette période. Car jamais auparavant l’artiste n’avait été aussi prolifique dans la variété des techniques et des supports utilisés, comme en témoignent les peintures, gouaches découpées, dessins, livres illustrés, textiles et vitraux exceptionnellement réunis dans ce parcours.

Cette dernière période de création se caractérise par une symbiose toujours plus grande entre l’oeuvre et l’espace de l’atelier. Travaillées à même les murs de l’appartement du Régina, mobiles par essence, les oeuvres participent de la végétalisation dynamisante du cadre spatial. L’exposition s’attache à restituer cet in situ en permanente métamorphose, donnant au visiteur l’accès à ce « jardin » de Matisse à travers un espace qui va en s’amplifiant salle après salle. Y sera également rappelé le contexte de la guerre et de l’immédiat après-guerre alors que la figure d’Henri Matisse s’impose en France et outre-Atlantique comme un symbole de liberté.

Catalogue de l’exposition – Matisse, 1941-1954 en co-édition Centre Pompidou – GrandPalaisRmnÉditions, sous la direction de Claudine Grammont

^{Henri Matisse, La Chute d’Icare, 1943. Papiers gouachés, découpés et épinglés, 36 x 26,5 cm. Collection privée. Courtesy Galerie de l’Institut.}

^{Henri Matisse, Nu bleu II, 1952. Papiers gouachés, découpés et collés sur papier marouflé sur toile, 103,8 x 86 cm Centre Pompidou, Paris. Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Service de la documentation photographique du MNAM/Dist. GrandPalaisRmn.}

^{Henri Matisse, L’Asie, 1946. Huile sur toile, 116,2 x 81,3 cm Photo © Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas /Art Resource, NY/Scala, Florence.}

Parcours de l’exposition

Une seconde vie
En 1941, sortant d’une grave opération chirurgicale qui a failli lui coûter la vie, Henri Matisse éprouve le sentiment de rentrer dans « une seconde vie » qui sera pour lui l’occasion d’un regain créatif jusqu’à sa mort en 1954. Ces dernières années sont celles d’un épanouissement sans emphase, d’une plénitude qui touche à toutes les formes d’expression artistique que Matisse aborde à travers un grand mouvement de synthèse. L’exposition présente peintures, dessins, gouaches découpées, livres illustrés, textiles et vitraux qui sont autant de déclinaisons de cet élan nouveau. À près de quatre-vingt ans, l’artiste se réinvente à travers le médium de la gouache découpée, qui s’affirme comme un langage plastique autonome et souverain dans sa capacité à atteindre l’universel par sa simplicité. Adaptée à la reproduction comme aux exigences de la commande monumentale, ce procédé lui permet d’exprimer pleinement la dimension décorative et architecturale de son art.

Focus : Les états de la peinture
Lors de son exposition en 1945 à la Galerie Maeght, Matisse réunit six de ses peintures réalisées pendant la guerre. Chacune d’elle est entourée de photographies qui documentent ses différentes étapes de création. Par cette mise en scène audacieuse, l’artiste laisse entrevoir la durée de réalisation de l’oeuvre, afin de démentir l’idée de facilité que pourrait suggérer la simplification radicale de ses tableaux récents. La Blouse roumaine y apparaît accompagnée de dix états transitoires, désormais évanouis, car effacés au cours de sa réalisation. Loin de l’idée de progrès vers une oeuvre finie, c’est la pensée de l’artiste qui se fait jour par ce dispositif : « quand je travaille, écrit Matisse, c’est vraiment une sorte de cinéma perpétuel ». Par cette présentation, il expose son processus de création qui acquiert ainsi une importance équivalente aux oeuvres elles-mêmes.

Section 1 : Thèmes et variations
Malgré le contexte de la guerre et les suites de son opération qui le laisse partiellement infirme, Matisse se remet rapidement au travail. Il trouve dans l’exercice du dessin une ardeur inattendue qu’il qualifie de « floraison ». Ce regain d’inspiration jubilatoire est l’occasion de mettre en place une méthode de dessins sériels qu’il publie dans un album au titre évocateur : Dessins. Thèmes et variations. Il cherche la même aisance expressive en peinture en déclinant des scènes d’intérieurs et des tableaux d’objets. La dimension mentale de l’atelier prend dès lors toute son importance. La présence des modèles (Lydia Delectorskaya, Nezy Chawkat, Monique Bourgeois, Madame Van Hyfte…), parées d’un luxe d’accessoires, active ce que Louis Aragon, grand témoin du moment, désigne comme « la comédie du modèle », pour dire cette expérience toujours renouvelée du peintre à son tableau. Les objets familiers dont il s’entoure participent également à la construction d’une réalité sensible et multiple, supports de divagations qui fonctionnent par échos et remémorations. Une même effervescence nourrit la sève juvénile et sensuelle qui irrigue les pages de ses livres illustrés, rares productions accessibles pendant la guerre, à un moment où l’artiste refuse d’exposer.

Focus : « La chambre claire »
Matisse reproduit dans l’album Dessins. Thèmes et variations un choix de cent cinquante-huit de ses dessins récents. Il y explore ici deux modalités du dessin. Le dessin thème, au fusain, résulte de couvrements successifs. Alors que dans la variation, le dessin à l’encre ou au crayon se déploie dans un unique élan, sans repentir : « le chemin que fait mon crayon sur la feuille de papier a, en quelque sorte, quelque chose d’analogue au geste d’un homme qui cherche son chemin dans l’obscurité. Je veux dire que ma route n’a rien de prévu : je suis conduit, je ne conduis pas ». Déployés au murs de l’atelier du Régina, l’ensemble produit un effet d’animation : « on pense au cinéma, écrit-il à son fils Pierre, […] et pourtant ce n’est pas ça, c’est l’esprit du spectateur qui est entraîné ainsi ».

Section 2 : Jazz
Matisse souscrit à la demande de l’éditeur Tériade qui, depuis quelques années déjà, veut faire avec lui « un livre sur la couleur ». Il travaille à une suite de vingt planches réalisées à partir de papiers gouachés découpés, évoquant le monde de l’enfance, celui du cirque et des contes populaires, auxquels s’adjoignent des souvenirs des lagons océaniens. Parallèlement, il compose un ensemble de textes courts, pensées sur l’art et sur la vie, qu’il calligraphie ensuite à l’encre. L’architecture du livre s’appuie sur l’alternance des pages de couleurs et des textes dont le rôle, précise-t-il, « est purement spectaculaire ». Le choix du titre Jazz suggère tout à la fois ce rythme, les accords parfois stridents des couleurs pures et l’improvisation qui guide l’ensemble de l’ouvrage. Matisse travaille de longs mois à trouver la technique de reproduction appropriée. Il opte finalement pour des pochoirs qu’il fait exécuter avec les gouaches de la marque Linel qu’il a utilisées pour réaliser les originaux. La présentation de la maquette en regard de l’album permet de prendre toute la mesure du haut niveau d’exigence de cette transposition, Matisse estimant que, dans certains cas, la planche de l’album était plus réussie que sa maquette originale ou inversement.

Section 3 : Intérieurs de Vence
Réalisée entre 1946 et 1948, la série désignée sous le terme générique des Intérieurs de Vence peut être considérée comme l’adieu de Matisse à la peinture. Le fonctionnement en résonnance de la série, d’un tableau à l’autre, rejoint ici le thème de l’atelier qui a toujours été pour Matisse le cadre d’un espace mental, plus que descriptif : celui de la mise en relation des êtres et des choses. Rarement la couleur aura été si loin dans l’affirmation de sa qualité expansive, dans sa capacité à déployer l’espace pictural au-delà de la limite du cadre. Les Intérieurs de Vence sont indissociables des modes d’expression parallèles que Matisse développe à ce moment-là, les gouaches découpées et les dessins au pinceau. Le même air y circule, la même sensation d’allégement. Il est en effet parvenu ici à une synthèse de ses moyens plastiques : « j’ai atteint une forme décantée jusqu’à l’essentiel et j’ai conservé de l’objet que je présentais autrefois dans la complexité de son espace, le signe qui suffit et qui est nécessaire à la faire exister dans sa forme propre et pour l’ensemble dans lequel je l’ai conçu ».

Focus : La chambre de la Villa Le Rêve
Au début de l’année 1948, Matisse couvre de ses découpages les murs de sa chambre de Vence, qui s’en trouvent littéralement tapissés. Simplement épinglées, les gouaches y sont assemblées de manière mobile et évolutive, au gré de son inspiration. Sans suite, ni contenu narratif, ces compositions de tailles diverses reprennent, pour la plupart, le vocabulaire aquatique et végétal des panneaux Océanie et Polynésie auxquels s’adjoignent d’autres figures. La spontanéité et l’impermanence au fondement de ce processus de création sont essentielles pour comprendre la nature contingente de la gouache découpée. Les gouaches sont finalement détachées avant d’être expédiées à Paris, où Matisse les fait fixer avant de les exposer. Elles sont ici réunies de nouveau, sans toutefois répondre à la mise en scène initiale.

Section 4 : Jardin de Matisse
Entre 1948 et 1951, Matisse se consacre à la réalisation d’une chapelle pour les dominicaines du Rosaire de Vence. Il la conçoit comme une oeuvre totale, de son architecture générale, à son programme iconographique en passant par le mobilier liturgique et les vêtements sacerdotaux. Le papier gouaché découpé acquiert dès lors le statut spécifique d’oeuvre monumentale. Maquettes de vitraux et grands dessins au pinceau sont travaillés à taille réelle, à même les murs de l’atelier du Régina. D’autres commandes suivent, profanes cette fois, ou des réalisations spontanées. À mesure que l’un ou l’autre projet avance, Matisse taille au ciseau dans la couleur, tenant ainsi à sa disposition toute une grammaire de formes polysémiques assemblées et réagencées au gré de son inspiration, transformant l’atelier en un environnement foisonnant. Ce monde en métamorphose permanente crée un cadre aérien au sein duquel le vieil artiste éprouve un sentiment d’allègement. La métaphore végétale s’est imposée comme celle de l’énergie créative et de la qualité expansive de l’espace matissien. En témoignent la structure en spirale de L’Escargot, ou celle irradiante et explosive de La Gerbe et des Acanthes.

Section 5 : Visages
Dès ses débuts, Matisse a affirmé l’importance primordiale que revêt pour lui l’étude de la figure. La dernière publication à laquelle il travaille est un recueil de portraits dont il rédige aussi la préface. Il y écrit : « La transcription presque inconsciente de la signification du modèle est l’acte initial de toute oeuvre d’art. » Si le portrait est en effet au coeur de son esthétique, il ne résulte pas d’une représentation mimétique, laissant cela à la photographie, mais d’un processus d’identification avec le modèle. Matisse décrit à plusieurs reprises cette expérience du dessin au cours de laquelle il se détache progressivement de la ressemblance physique, pour absorber le flux de l’intériorité psychique de son modèle dans le libre jaillissement du trait. Équivalent graphique de la gouache découpée, l’usage de l’encre et du pinceau ramène le dessin à la sphère de l’écriture et du signe. Au lieu de singulariser, le dessin dissipe les particularités, se détourne de l’apparence pour atteindre l’universel et transforme ainsi le visage en masque. Matisse renoue ici avec son aspiration orientale qui a de tout temps guidé son oeuvre dans sa vocation décorative. La frontalité de ces effigies, le souffle qui émane de la blancheur des vides confèrent aux masques-visages une présence monumentale.

Section 6 : Le tailleur de couleurs
Les dernières années de la vie de Matisse sont particulièrement prolifiques. Le grand succès de la rétrospective organisée par Alfred Barr au MoMA en 1951 à New York met l’artiste sur le devant de la scène et les commandes affluent. Parallèlement, il poursuit une oeuvre libre, au gré de son inspiration, faisant évoluer ce qui est désormais devenu son médium de prédilection, la gouache découpée, vers toujours plus d’autonomie. La gouache découpée se fait tableau. Sortant de la seule évocation d’un monde végétal stylisé, elle entre désormais dans le champ de la figuration. La figure monumentale de Zulma se dresse sur une hauteur de plus deux mètres alors que celle de la Danseuse créole réactualise le thème de la danse au gré du rythme afro-caribéen. Vaste scène biblique évoquant solitude et mélancolie du soir de la vie, La Tristesse du roi est une tentative pour adapter ce médium à la peinture d’histoire. En 1952, Matisse entreprend la série des Nus bleus qui comprend une quinzaine de déclinaisons différentes de figures découpées dans la gouache bleue, soit statiques, soit dynamiques. Modernes caryatides, les Nus bleus s’inscrivent dans la lignée des grandes figures arcadiennes qui ont jalonné son oeuvre. Jusqu’au bout Matisse se réinvente.

Focus : Le Platane
S’il est un thème récurrent dans l’oeuvre de Matisse, l’arbre et le dynamisme de son expansion verticale – écho à sa vitalité retrouvée – deviennent un sujet privilégié dans les années 1940. Sa représentation lui donne l’occasion de théoriser la distinction entre le dessin d’imitation et le dessin fondé sur l’identification avec le modèle qu’il découvre dans la tradition chinoise : « quand vous dessinez un arbre, ayez la sensation de monter avec lui quand vous commencez par le bas ». En 1951, Matisse trace au pinceau une série de grands platanes en vue d’une transposition sur céramique destinée à décorer la salle à manger de la villa de Tériade à Saint-Jean-Cap-Ferrat. Monumental et stylisé, l’épanouissement du végétal acquiert une ampleur presque architecturale déjà présente dans le vitrail de L’Arbre de vie qui s’élève dans la chapelle de Vence.

Focus : L’Acrobate
L’acrobate est l’emblème de la conception matissienne du dessin. Il y fait souvent référence pour désigner ce qui dans son travail est risqué, aventureux et irréversible. Or l’acrobate, lorsqu’il exécute son numéro, doit l’avoir longuement préparé avant de pouvoir se lancer sans réfléchir, sans contrainte, dans l’action. « C’est pour libérer la grâce, le naturel que j’étudie tellement avant de faire un dessin à la plume. Je ne m’impose jamais violence ; au contraire ; je suis le danseur ou l’équilibriste qui commence sa journée par plusieurs heures d’exercices d’assouplissement.» Le dessin à l’encre de la série des Acrobates n’est pas inscrit dans une image formée d’avance, il n’est plus disegno ou projet de l’esprit, il s’engendre plutôt de lui-même, s’avance dans l’inconnu, se découvre dans sa réalisation même.

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“Matisse” 1941-1954

au Grand Palais [Centre Pompidou – Constellation], Paris

PODCAST – Entretien avec Claudine Grammont,Cheffe du cabinet d’art graphique, Musée national d’art moderne – Centre Pompidou, et commissaire de l’exposition,

Extrait du communiqué de presse :

Parcours de l’exposition

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PODCAST – Entretien avec
Claudine Grammont,
Cheffe du cabinet d’art graphique, Musée national d’art moderne – Centre Pompidou, et commissaire de l’exposition,