L’île, ou le cabinet d’un lecteur immobile…

« Rêver de l’île, avec angoisse ou avec joie, peu importe, c’est rêver qu’on se sépare, qu’on est déjà séparé, loin des continents, qu’on recrée, qu’on recommence » Deleuze

Le statut multiple de l’île a permis de projeter des visions du monde au temps des grandes utopies et c’est sans doute une des marques culturelles les plus importantes imposée à ce lieu.

Du fait de sa spécificité géographique, son isolement, son éloignement, la représentation de l’île a été naturellement investie d’un discours de la contestation à la fois mythique et réelle de l’espace où nous vivons. Sa projection dans l’imaginaire propose une variété de statuts entre l’utopie et l’hétérotopie : rêvée et aliénante, possible, voire probable, mais n’existant pas selon le même régime que les autres emplacements géographiques.

L’île d’Ogygie où Calypso retient Ulysse, Homère a découvert l’un des archétypes de l’imaginaire occidental : l’île ce lieu clos, hors de l’espace et du temps, où l’homme s’enferme ou est enfermé. Il n’est pas facile de comprendre où se dresse Ogygie, mais certainement située aux confins extrêmes de l’Occident dans les solitudes désolées de la mer, où il n’y a ni dieu, ni hommes, ni au-delà.

Elle est le centre d’un monde, d’un autre monde que notre quotidien, mais qui pour nous contemporains n’existe plus dans notre imaginaire. L’île d’Ogygie, Calypso en fera la prison du héros de l’Odyssée, qui sept années durant vit enfermé, caché par la fille d’Atlas le Titan rebelle vaincu par Zeus. Ce « centre » inaccessible préfigure aussi le monde merveilleux et tragique de l’île Platonicienne, l’Atlantide.

L’insularité devient tour à tour une citadelle protectrice, un enclos magique, mais s’opposant toujours aux agressions extérieures, aux changements déraisonnés. Elle est par essence conservatrice. L’Utopie de Thomas Moore lui offre un nouveau statut en projetant nos désirs d’hommes modernes pour un monde meilleur, un monde idéalisé, que chaque génération s’évertue à codifier au nom du « grand bonheur ».

Mais les Iles n’ont pas toujours été des Iles de Jouvence ou d’Utopie, elles peuvent s’apparenter aussi à des lieux d’épouvante, d’inquiétude.

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Soul Food

Je m’intéresse aux cultures populaires, à leur réappropriation par tous, et comment finalement elles ont créé une nouvelle forme de spiritualité, façonnant nos identités et constituant un lien commun entre nous. A travers des voyages en Asie, je me suis aperçu qu’elles touchaient tout le monde en dépassant les frontières des langues et des cultures: un ado birman ou laotien écoute du HipHop, joue aux jeux vidéos et regarde des films et séries TV tout comme un ado occidental.
Ces archétypes populaires, bon marché finalement si on les compare à une culture élitiste bien plus valorisée, ne doivent pas leur succès au hasard, ils portent des valeurs universelles qui nous touchent profondément. Wonder Woman, Hello Kitty, Calamity Jane ou Betty Page, Scoobydoo ou Candy Crush ont bien plus de sens qu’on ne le voit.

De même, la culture traditionnelle, historique, doit son impact mondial à sa désacralisation, la Joconde et les tableaux célèbres du Louvre ne sont devenus des éléments de la pop culture mondiale qu’en étant déclinés sous forme de tshirts, mugs ou magnets de frigos, objets ‘vulgaires’ ayant perdu les attributs du ‘beau’, de l »art’, descendus de leur piédestal muséal.

Il y a aussi une obsession pour l’arc en ciel. Le drapeau LGBT représente pour moi l’essence d’un idéal de paix. J’y vois une humanité unie dans le respect de ses diversités, le droit fondamental d’être simplement qui on est dans son unicité, sa différence, et pourtant avoir sa pleine place parmi les autres en pleine égalité. l’ensemble de ces individualités quelles qu’elles soient formant une unité joyeuse, festive et lumineuse. D’autre part, j’y lis l’idée d’une sexualité libérée et heureuse, énergie positive et créatrice, sur laquelle se base une vie optimiste, fraternelle et ludique. La femme black souriante est mon côté féminin, elle est est la part féminine de ma sexualité, celle qu’il est interdit à un homme hétéro d’exprimer trop fort. A travers ma peinture je crée un monde ou cette femme est triomphante, et son triomphe est celui de toutes les femmes finalement libérées de siècles de domination masculine. Parce que l’égalité des sexes passe par la libération de la femme qu’il y a en chaque homme et de celle de l’homme en chaque femme.

Enfin la nourriture et la bouche comme centre de mes personnages. Elle matérialise notre rapport au monde et au spirituel. En effet, c’est la bouche qui mange l’air, l’eau, la nourriture, qui parle, qui chante, qui rit, qui psalmodie; la bouche est la porte par laquelle le divin entre en nous, et produit en retour un souffle divin lui aussi. La bouche qui rit c’est nous quand nous sommes rassasiés de nourriture, d’amour, de joie, de savoir et de beauté, quand nous sommes enfin heureux de ce que nous sommes, satisfaits de nos choix de vie, de sexualité, heureux d’être un homme, une femme, ou les deux à la fois.

Sylvain Silleran

texte de Audrey Parvais

Sur les murs blancs de deux salles, les oeuvres de Sylvain Silleran s’apparentent à des tâches de couleurs vives. Sur chaque toile, le buste d’une même femme noire aux traits simplifiés au maximum, et dont on ne verra jamais l’intégralité du visage mais dont la bouche, rose ou rouge, constitue le point focal, sert de support à l’opposition de deux visions. Le dessin, dépouillé de ses artifices, permet alors de représenter deux mondes, l’un réel dans toute son hystérie, l’autre rêvé par l’artiste où domine l’expression d’un désir d’harmonie et de retour à l’essentiel.

Une humanité unie

Deux salles donc pour deux significations différentes. Dans la première, la couleur éclate soulignée par les éclaboussures de peinture jetées sur les murs et qui encadrent les tableaux telles des explosions de joie et de fantaisie. Sous les tons vifs (…)

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Nanjing – Chine – ce que je ne photographie jamais

Octobre 2010, Nanjing, c’est mon premier séjour en Chine, mon premier grand voyage. On ne pas dire que je sois une très grande voyageuse, ni une aventurière, je n’aime pas trop l’inconnu. Je savais que j’y ferais des photographies, une nouvelle série, j’ai donc préparé le terrain, regardé des cartes géographiques, lu des commentaires, des notices, noté quelques mots clés, des sensations pour savoir où j’allais, pour ne pas être perdue dans l’inconnu.

Quand je photographie, je ne pars jamais à l’aventure, je vois des images, je trace une trame, la série se crée. À ce moment-là, je n’avais que des informations virtuelles et des mots posés. Je savais ce que je ne voulais pas faire : des photographies de rue, des cartes postales. Pour le reste, je ne savais pas vraiment, c’était une forme d’aventure dans un pays nouveau où les codes sont totalement différents des miens.

Sur place, rien ne s’est passé comme prévu. Je n’avais pas anticipé la plus grande des aventures : être malade, souffrir d’un mal jamais vécu, essayer de décrypter mon corps, être soignée dans un hôpital en Chine…

Dans la douleur, accrochée à mon fauteuil de perfusion, je voyais mes projets photographiques disparaître. On a décidé d’écourter mon séjour. J’allais rentrer en France sans avoir réalisé les photographies que j’avais essayées d’imaginer.

Je ne sais pas si ce contretemps a changé ma façon de pratiquer la photographie, je ne pouvais pas partir de Chine sans image : j’ai fait ce que je ne photographie jamais. Entre deux séjours accrochée à mon fauteuil de perfusion, j’ai marché et j’ai photographié ce que je voyais : des scènes de rue. Mes pas se sont perdus au milieu des grandes tours du quartier de Gulou.

Ce qui m’a surpris, c’est ce mélange de modernité et de signes du passé : de petits métiers au milieu des tours de la finance. Au détour de petites rues, j’ai découvert un petit marché, des constructions, des poteaux électriques, du linge qui sèche, des voitures, beaucoup de voitures, le bruit permanent et les odeurs. Alors je me suis laissé déstabiliser, j’ai photographié ces ambiances, j’ai essayé de restituer mes sensations de découvertes.

Anne-Frédérique Fer, août 2014

Le marché perdu, Shenyang, Mandchourie, 2004

Avant de se métamorphoser en copie somptueuse et ultra moderne de cité occidentale, la ville chinoise a été humaine.

Les images ont été prises quelques jours, si ce n’est quelques heures avant la métamorphose. Ce quartier au nord de Shenyang a gardé jusqu’au dernier moment ce côté heureux de la vie en communauté. Le cuisinier hilare d’être photographié en train de se laver les pieds, les clients du restaurant en plein air tenant absolument à partager leur bière… et peut être les joueurs de majong un peu importunés par ma présence pendant leur échange d’argent.

Rien ne me laissait présager la disparition aussi soudaine des échoppes, des restaurants, du garagiste et des réparateurs de vélos. Mais cachées derrière ces vieux bâtiments étaient déjà construites les imposantes résidences réservées à la classe moyenne. La grande majorité de l’ancienne population bientôt relogée un peu plus au nord, où il n’y aurait plus la possibilité d’utiliser gratuitement l’éclairage public pour ces sympathiques activités nocturnes.

Peu de temps après, repassant par hasard à cet endroit, le macadam défoncé avait disparu. Plus de poussière et d’eau croupie dans les ornières, plus de poubelles dégoulinantes et nauséabondes, plus de fumées irritantes de la viande cramée des brochettes. Mais aussi, avait disparu la population joyeuse qu’on peut voir sur mes images.

Pierre Normann Granier, août 2014

Du quotidien à l’écriture, voilà le questionnement de Hélène Bremond. Mais quel quotidien ?

Notre vie dépendant de cette nourriture achetée sous la forme aseptisée et décidée, par un formalisme politiquement correct, l’artiste en rend compte. Le sujet est difficile, la mise en danger est permanente… ici la mort ne s’apprivoise pas.

J’ai suivi, cautionné, photographié ce projet artistique depuis sa toute première origine. Et si la violence organisée, c’est à dire sociétale et politique m’a toujours fasciné, dans le travail d’Hélène il n’en est rien. Nous nous connaissons depuis plus de 40 ans et je sais qu’elle est la personne la plus douce que j’ai rencontrée. Nulle morbidité confuse dans cette démarche, juste la vie telle que nous devrions la percevoir !

Le choix de ce papier de soie si fin, si transparent et du fusain si noir, s’oppose à la carcasse de l’animal saturée par les différents blancs et bruns. Ce paradoxe engendre la poésie, la violence du dessin ne faillit pas, et par notre lecture la vie de l’agneau se déploie dans l’espace du papier.

La même taille, la proportion exacte, la trace brune et sombre du sang séché se confondant avec le charbon du fusain, tout redonne existence à l’animal. Seule l’empreinte des cordons liant les pattes laisse discerner la mort, l’horreur. Notre regard se surprendra à passer de l’animal aux cordons, sans comprendre ce qui est le plus important, le fait que l’animal soit présent parce qu’il est prisonnier ou redevienne libre et puisse disparaître du papier.

Pierre Normann Granier, juillet 2014.

La musique du fer

Impossible d‘évoquer l’œuvre de ce plasticien sans entrer dans le monde musical. Virtuose de la mise en espace de formes déstructurées qui s’imposent par leurs harmonies, Denis Schmitt crée avec pudeur un univers symphonique, un monde sonore qu’il arrive à faire vibrer à travers l’acier et le métal. Matières qu’il affectionne particulièrement comme un défi permanent de maîtrise des éléments. L’acier en l’occurrence prend sous ses mains une étonnante légèreté, une élégance presque indécente face à l’univers où ses œuvres se coulent avec grâce.

Le défi est aussi d’harmoniser l’espace, de l’architecturer dans des formes inattendues et imprévisibles. Improbables parfois mais toujours dans la quête des équilibres. Une quête qui devient évidence dès lors que l’artiste les fait exister. Et c’est là tout le talent du sculpteur qui s’approprie ainsi le temps et l’espace tout en finesse et gravité. La gravité des choses qui semblent s’imposer d’elles-mêmes derrière les coups de marteaux, les torsions, les contorsions, les triturations, les échauffements, les emboîtages…

Observateur né, le plasticien tire son inspiration au cœur des éléments et principalement de la nature. Maître dans l’art de transformer les matières, de forger des rêves d’envolées, de tailler l’espace, tout s’écrit dans une calligraphie singulière et cellulaire. Œuvres organiques par excellence, elles se glissent avec justesse dans les paysages et les espaces. Elles jouent avec grâce des contrastes entre les vides et les pleins dans un mouvement permanent et apaisant.

Si le symbole est bien présent, c’est tout en filigrane comme caché derrière la pudeur des matériaux. Derrière cette quiétude formelle, se cache pourtant les tourments du combat avec la matière. Un combat jouissif qui s’apparente à l’accouchement de la vie, ou plutôt de vies qui se réincarnent dans des formes organiques.

Christophe Donnet, à Nîmes, juin 2008.

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Des tirages photographiques suspendus dans une halle désaffectée, comme étendus là pour sécher, leur aspect brillant et humide lacère comme une lame l’espace gris et lourd d’une dense poussière mate. Anne-Frédérique Fer réalise un travail sur le deuil, les deuils, celui du père et celui d’un mariage. En maîtrisant une photographie sans artifices elle réussit à libérer l’entière puissance de ces émotions trop longtemps retenues dans un corps.

Première série, (dé)liée présente la robe de mariée devenue personnage principal d’un drame en 7 actes. Réalisée dans l’espace même qui sert aujourd’hui de galerie à cette exposition. Un modèle habillé de noir tente de s’approcher de la robe qui lévite tel un ange dans le hangar vide, esquivant toute tentative de possession. L’étoffe vaporeuse, presque irréelle de blancheur est le personnage central, éblouissant de sa présence l’environnement sale. Vêtement à usage unique, il ne sera plus jamais porté, sa vacuité dialogue avec celle du vaste bâtiment abandonné dont la souillure vient nous rappeler que les cheminements de la vie viennent à bout de toute pureté.

(re)construction est un court récit en 3 tableaux. L’artiste gît sur un lit, nous tournant le dos dans une nudité d’autant plus courageuse qu’elle est la page ténue où sont gravées les destructions intimes. L’image est morcelée en plusieurs photographies carrées, corps chirurgicalement découpé et recousu, rallongé par la juxtaposition des fragments qui se recoupent. Tantôt nu, puis recouvert du vêtement opératoire et enfin de la robe de mariée, le corps se reconstruit au fur et à mesure d’un douloureux travail de deuil. La chambre blanche baignée de lumière, si elle pourrait être hôpital et église, reste un espace hors le monde, entre l’existence et la mort, un soupir entre deux souffles de vie.

La dernière série, prédateur(s), clôt ce parcours. Dans le riche décor du musée de la chasse, l’artiste et sa robe dansent un étrange ballet avec les animaux exposés. D’abord juste la robe et l’animal, puis un deuxième cliché où le modèle vient prendre sa place. Le deuil est achevé, la rupture entre l’habit et le corps est consommée. Le monde animal permet à la femme désormais reconstruite de revenir parmi nous. Les prédateurs, malgré le titre, n’en sont pas, ils se font défenseurs, alliés ou bien se laissent enlacer par un geste de protection. Ils sont le danger que représente l’homme, son potentiel à blesser et à détruire, que la photographe qui se fait ici modèle réapprend à séduire. Comment ne pas penser à la symbolique emblématique de King Kong quand Anne-Frédérique pose avec un imposant gorille comme un couple chez le photographe ?

Le cycle s’achève, la robe de mariée trouve sa place dans une mémoire apaisée, la maintenant ex-mariée termine sa métamorphose et démarre sa nouvelle existence.

Sylvain Silleran