“Faits divers” Une hypothèse en 26 lettres, 5 équations et aucune réponse

au MAC VAL, musée d’art contemporain du Val-de-Marne, Vitry-sur-Seine

du 15 novembre 2024 au 13 avril 2025

MAC VAL

Texte Sylvain Silleran

^{Didier Paquignon, L’Orvillecopter, 2018. Monotype sur papier, 18,5x 29,5 cm, accompagné d’un texte. Illustration pour l’ouvrage Le Coup du lapin, et autres histoires extravagantes (éd. Le Tripode, 2018). © Didier Paquignon. © Adagp, Paris 2024.}

^{Joachim Mogarra, Peut-être un vaisseau d’extra-terrestre ?, 2003. Tirage noir et blanc au gélatino-bromure d’argent sur papier baryté contrecollé sur aluminium, 29,7 x 39,7 cm. Collection MAC VAL – Musée d’art contemporain du Val-de-Marne. © Joachim Mogarra. Photo © Jacques Faujour.}

^{Michel Journiac, Dispositif meurtre et inauguration, 1985, Vidéo béta numérique, couleur, son, 12’12’’. © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. GrandPalaisRmn / Service audiovisuel du Centre Pompidou. © Adagp, Paris 2024.}

^{Agnès Geoffray, Parachute, 2019. Parachute de la Seconde Guerre mondiale, nylon, texte brodé, diamètre 7m. Courtesy l’artiste et Galerie Maubert. © Adagp, Paris 2024. Photo © Ludovic Combe, Frac Auvergne.}

^{Claude Closky, Soucoupe volante, rue Pierre Dupont (6), 1996. Photographie couleur, photomontage numérique, 30,2 x 20,2 cm. Collection MAC VAL – Musée d’art contemporain du Val-de-Marne. © Claude Closky.}

^{Sophie Calle, On a trop déconné – Cul de sac, 2023. Texte encadré, paroles encadrées. © Claire Dorn. © Adagp, Paris 2024.}

Faits divers

Mac Val

Il aurait fallu, pour entrer, traverser un long couloir obscur, puis pousser une lourde tenture de velours, car on ne quitte pas la familiarité de notre quotidien pour un monde si dangereusement imprévisible et sombre sans prendre le temps d’une hésitation, d’un petit frisson. Nous voilà donc projeté dans l’univers du fait divers, le crime, le suicide, l’accident terrible, la vie basculant en un instant. L’atmosphère est faite d’une semi pénombre, quelques dessins de procès illustrant les chroniques judiciaires rappellent combien le crime et le fait divers sont une nourriture fascinante de l’imaginaire populaire.

Place au mystère; de la disparition en 1998 de Suzanne Lyall dans l’état de New York, Virginie Rebetez réalise un album de photos. Mais à la place d’images de familles, de souvenirs d’anniversaires ou de Noëls, les pages contiennent des photos d’absence. Intérieurs, lit vide et commode, un portrait au mur, des lettres, des rues et des bords de route déserts évoquent de leur silence assourdissant la disparition. Le parcours est laissé libre, non linéaire, est propice à l’errance; l’exposition se feuillette ainsi comme un vieux journal. Quelques pièces à conviction des crimes célèbres, le registre des ‘recettes’ de Landru, comptabilité épouvantable de la vente des possessions de ses victimes, ou l’œilleton à travers lequel le docteur Petiot regardait mourir ses victimes jalonnent la visite.

Des chambres vides, des lieux de crime ou de suicide, voilà ce que le public se met sous la dent pour nourrir sa curiosité et ses conversations. Des gravures d’après photos de la perquisition dans l’appartement de Kurt Cobain après son suicide ont le noir et blanc brutal des photocopies d’antan, ce sont des collages punk, des petits morceaux de chaos, échos d’un chaos intérieur, le rébus sans réponse que laisse derrière lui le chanteur.

Des photos de maquettes de scènes de crime construites dans les années 50 par un criminologue pour former les détectives ont des couleurs vives de magazine arty, Sur un écran, des enfants jouent à mourir « Pan! T’es mort! ». Une artiste joue, elle, à réserver tous les 26 juin un billet d’avion Nice-Paris pour Françoise Dorléac (tuée dans un accident de la route à cette date en 1967 en se rendant à l’aéroport de Nice). La mort, le drame sont un jeu, une source de profit aussi pour les vendeurs d’émotions fortes. On peut jouer à se mettre en scène dans une reconstitution de suicide, ici l’électrocution, dans la baignoire de Sarah Bernhardt. Et puis retour au réel avec une série sur les accidents de la route, des photos d’amputés, d’un grand brûlé, les récits des accidents, de la vie brisée en un instant, de la longue souffrance des corps et des âmes.

Le mauvais goût de dessins au fusain de morts noyés ou brûlés, fantasmes morbides, un fauteuil conceptuel pendu au plafond, une boite à suicide Flux de Ben… Plus tard, on tombe sur l’histoire d’un anglais qui s’est patiemment construit une guillotine pour se suicider. Puis des immolés par le feu, des histoires de désespoir, d’hommes face à une machine bureaucratique, un système mécanisé, informatisé, broyant leur humanité. Il reste la photo de l’endroit du drame, l’asphalte gris du dernier geste d’une humanité.

 

Après l’inévitable œuvre de papier maculé de sang, ici une page de cahier d’écolier, la broderie de fil rouge sur papier blanc de Abigail Lane trace des pieds, des mains, des têtes et des fragments de corps saignant, s’effilochant peu à peu de leur vie qui s’en va en mince filets. Le sang comme fil conducteur nous rappelle ces dessins que l’on découvrait enfant dans ces jeux où il fallait relier les points numérotés. Le jeu de piste du fait divers, l’énigme qu’il représente livre ses indices avec parcimonie. Il vit d’abord dans les recoins les plus humbles des journaux: coupures, extraits, des petits bouts de textes accompagnés de photos. ‘le choc avec le véhicule a sans doute été trop violent pour les deux chiens.’, cette prose traditionnellement confiée à de jeunes plumes inexpérimentées est un genre littéraire à part entière. Des extraits de brochures publiées dans les milieux populaires aux XVI et XVIIè siècles témoignent de son ancrage dans notre culture.

Que raconte la photo d’une devanture de bar tabac braqué? Et celles de coins de campagne où ont été retrouvés abandonnés les corps de victimes de tueurs en série, avec leur vert si frais, leurs fleurs des champs, le bord d’un champ de blé?

La Photo volée d’une meurtrière sur la chaise électrique sonne comme un tocsin warholien, l’horreur devenue spectacle effraie autant qu’excite l’aubaine d’avoir accès à une image interdite. Dans les cas de violence domestique, le cliché de l’arme du féminicide devient glaçant lorsqu’il est accompagné de la liste des prénoms et âges des pauvres victimes. La banalité de l’objet domestique, oreiller, sac en plastique, paire de ciseaux, fer à repasser, casserole, couteau n’en rend que plus terrible le meurtre. Ces crimes se reflètent en anamorphoses dans le métal poli de lampes sur de belles photographies dignes des catalogues les plus luxueux. Le spectateur voyeur ne peut empêcher la petite morsure de la honte…

Nicolas Daubanes réalise le portrait à la limaille de fer aimantée des célèbres sœurs Papin ayant assassiné leurs patronnes. Elles flottent en hauteur, bustes découpés dans une lumière contrastée. Les ombres nuageuses, le blanc éclatant en font une icône presque religieuse. Mais la poudre grise a laissé en tombant des traces verticales sur le mur, rappelant la saleté du meurtre hideux. La fascination pour le crime et ses passions humaines font de criminels et victimes des héros médiatiques. L’affaire Grégory se décline en broderies de la Brodeuse masquée, huile de Joël Brisse, et une sculpture de Davier Boussiron, d’énormes mains d’enfant blanches plutôt glaçantes.

Puis il y a les reconstitutions de meurtres, le travail de police et de justice produit des images que le public dévore avec autant d’appétit, images mises en scène et jouées comme une pièce de théâtre. Delphine Balley recrute amis et inconnus pour rejouer des crimes et en fabriquer une photographie. Voila un suicide raté, une fillette noyée, une femme ayant assassiné son amant trop fatiguée pour trainer son corps jusqu’à la cave et restant dans son salon à fumer une cigarette. Pierre Huyghe retrouve John Woljowicz, l’auteur du braquage ayant inspiré le film Un après midi de chien de Sydney Lumet et lui fait rejouer les scènes. Projections se mélangent aux articles de journaux, le vrai, le jeu, la fiction et le vécu forment l’étrange recette du fait divers, un collage un peu chaotique sur un mur. Ce processus où l’expérience du drame échappe à ses protagonistes et devient une chose collective, publique, devenant un être autonome, potentiellement une œuvre, voilà le plus grand mystère du fait divers.

Sylvain Silleran

^{Ben, A Flux Suicide Kit, 1966. Collection macLYON. © Adagp, Paris, 2024. © Ben Vautier. Photo © Blaise Adilon.}

^{Eduardo Arroyo, Heureux qui comme Ulysse…, 1977. Huile sur toile, 180 x 220 cm. © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. GrandPalaisRmn. © Adagp, Paris 2024. Photo © Bertrand Prévost.}

Extrait du communiqué de presse :

Commissariat :

Commissaire de l’exposition Nicolas Surlapierre, directeur du MAC VAL, musée d’Art contemporain du Val-de-Marne

Commissaire associé Vincent Lavoie, professeur titulaire à l’Université du Québec à Montréal

Coordinateur Julien Blanpied, assisté de Marzia Ferri

Malgré un engouement certain, aucune exposition en France n’a réellement été consacrée à une analyse artistique du fait divers. L’exposition « Faits divers », en 1982, au Musée des arts et traditions populaires abordait le sujet au prisme de la presse ou à l’aune d’objets ayant un lien avec des faits divers selon des modalités ethnographiques. De même que la récente exposition du Musée de l’image à Épinal présentait comment l’estampe ou l’illustration de presse se sont emparées du fait divers et furent longtemps considérées comme le moyen privilégié de sa diffusion. Dans le domaine de l’art, deux expositions ont éclairé la question. La première au Musée du Louvre de Régis Michel « La peinture comme crime », en 2001, et celle de Jean Clair « Crime et châtiment » au Musée d’Orsay, en 2010, présentaient des oeuvres d’art (y compris de l’art du XXe siècle) mais seul le crime y était convoqué. L’exposition proposée au MAC VAL offre pour sa part un panorama plus large, plus complet dans un souci de comparaison, elle joue sur les principes de l’énigme et de l’astuce. Car le fait divers, c’est autant des histoires que des univers et un imaginaire.

C’est très certainement la lecture du texte de Roland Barthes Structure du fait divers (1964) qui est à l’origine de cette exposition. « Frère bâtard de l’information », selon le sémiologue, le fait divers nous aide à nommer et à identifier les causalités aberrantes et les relations de coïncidences qui viennent bouleverser le quotidien. S’il fait diversion selon la célèbre formule de Pierre Bourdieu, le fait divers est aussi une des grandes manifestations de la société du divertissement. Néanmoins, s’il ne dit rien du réel, il en soulève la complexité et la profondeur. Le fait divers est la révélation de l’insondable mystère de la banalité. Il est le grain de sable qui grippe la morne routine des choses, l’anomie brutale, l’explosion de violence sous l’eau qui dort, la cruauté chez les braves gens. Il est aussi la revanche des obscurs et des sans-grades.

Le fait divers marque une rupture dans le processus de civilisation. Il s’adresse à un public alphabétisé, il a besoin d’un médium d’actualité, notamment la presse et les médias, et s’actualise désormais sur les nouveaux supports de communication qui participent eux-mêmes à la plasticité de la structure et de la forme du fait divers. Il exerce une réelle fascination sur les artistes qui ont imaginé toutes sortes de débouchés formels ou de typologies. Il peut être à la fois cruel, drôle, cocasse, ironique, cynique. Aucun des grands mouvements de l’art du XXe et XXIe siècle n’ont échappé à l’emprise et l’ombre portée du fait divers. Aussi l’exposition présentera des artistes forts différentes et différents, en une pluralité de supports et d’approches. Elles et ils ne seront pas moins de 80 et plus d’une centaine d’oeuvres seront ainsi exposées.

Au-delà du caractère illustratif de cet abécédaire, le fait divers est également une excellente façon de questionner certains protocoles et modes opératoires de l’art contemporain. La « fictionnalisation » de l’événement dit mineur, la prégnance du modèle indiciaire, la transposition artistique de protocoles d’enquête : reconstitution, inventaire, et collecte, le jeu des temporalités dans les représentations événementielles, l’éthique du témoignage et des discours probatoires, le sensationnalisme et les régimes des affects ou enfin les effets d’authenticité et débats d’opinion seront autant de points évoqués dans chacune des cinq équations qui structurent l’exposition.

Parce que le fait divers est souvent lié à l’univers de l’enquête, à une certaine forme d’énigme et à la volonté des artistes d’élucider la part mystérieuse de ces événements, l’exposition s’articule autour de la poésie des équations à plusieurs inconnues qui sont pensées entre paramètre et registre d’indicialité. Chacune des équations sera introduite par « des pièces à conviction » confortant la métaphore bien légitime de l’enquête et laissant planer l’empreinte de l’erreur judiciaire ou de l’erreur humaine à l’origine de nombreux faits divers. C’est autant un univers de formes qu’un vaste champ lexical que s’emploiera à échafauder la présente exposition. L’abécédaire typologique, non sans faire référence au Dictionnaire amoureux du faits divers (Didier Decoin, Éditions Plon, 2022) entendra ainsi montrer la diversité des artistes et des formes qui se sont intéressés de près à ces évènements singuliers entre indices indicibles et indécidables. Il visera également à mettre en lumière l’impact de la culture visuelle du fait divers sur l’art contemporain. En 26 lettres et 5 équations, l’exposition présente une hypothèse de ce qu’est le fait divers mais se garde bien d’imposer une réponse, elle laisse ainsi libre cours à la possibilité, pour toutes et tous, de se faire son avis, d’être aussi saisis d’un doute ou tout simplement de se laisser porter par les délices de l’affabulation ou de la spéculation.

Puissant catalyseur d’affects (compassion, plaisir, curiosité, identification), le fait divers a une valeur fantasmatique qui participe de la dramaturgie et de l’art contemporain. L’importance de ces pratiques artistiques invite à analyser le statut de ce sujet dans l’art contemporain. Cette exposition engage une réflexion sur les modalités de transposition de cette catégorie protéiforme de récit dans la création artistique contemporaine. Il s’agit moins d’interroger la place occupée par le fait divers et l’événement de nature criminelle dans l’histoire de l’art que d’analyser ses diverses occurrences dans la création artistique des années 1960 à aujourd’hui. Plus fondamentalement, cette exposition se propose d’examiner les liens nouant l’art contemporain aux imaginaires issus du fait divers, que les artistes ne se contentent pas d’illustrer ou de documenter à leur manière mais également de réinventer.

Cinq équations structurent l’exposition. En sciences mathématiques, elles sont des variables et correspondent, assez bien, à l’univers des énigmes à résoudre. Elles résument la volonté des artistes à souvent vouloir élucider l’énigme qui, parfois ou souvent, sous-tend un fait divers et transforment les salles d’exposition temporaire du musée en un vaste jeu de plateau en référence au jeu de société célèbre. Chaque équation réunit 5 ou 6 lettres de l’abécédaire. Elles rompent avec l’ordre alphabétique afin que visiteuses et visiteurs puissent appréhender le champ lexical « fait-diversier », les principales thématiques, la diversité des réponses proposées par les artistes ou les enjeux de réception. Respectivement, les équations décrivent des grandes catégories, des univers ou des archétypes : « Au nom de la loi » (Équation à une inconnue), « Scénario catastrophe» (Équation à deux inconnues),«Faire violence » (Équation à trois inconnues), « Ouvrir l’oeil » (Équation à quatre inconnues), « L’ombre d’un doute » (Équation à cinq inconnues).

Nicolas Surlapierre et Vincent Lavoie, commissaires de l’exposition

Avec les oeuvres de Absalon, Lawrence Abu Hamdan, Mac Adams, David Ancelin,

Eduardo Arroyo, Julien Audebert, Delphine Balley, Lewis Baltz, Ben, Carole Benzaken,

Pascal Bernier, Ode Bertrand, Maurice Blin, Samuel Bollendorff, Christian Boltanski,

Corinne May Botz, Véronique Boudier, Halida Boughriet, Mohamed Bourouissa,

Xavier Boussiron, Joël Brisse, La Brodeuse masquée, Brognon Rollin, Benoît Broisat,

Bureau of Inverse Technology, Sophie Calle, Jérôme Cavalière et Stéphane Déplan,

Stephen Chalmers, Grégory Chatonsky, Nicolas Cilins, Claude Closky, Julien Creuzet,

Claire Dantzer, Nicolas Daubanes, Nicolas Descottes, Éric Dubuc, Michel François,

Sylvain Fraysse, Agnès Geoffray, Camille Gharbi, John Giorno, Ana Maria Gomes,

Pierre Huyghe, Ismaël Joffroy Chandoutis, Michel Journiac, Nina Laisné, Abigail Lane

& Mathew Weir, Jean Le Gac, David Levinthal, Caroline Macdonald, Marko Mäetamm,

Teresa Margolles, Pascale Mijares, Joachim Mogarra, Sabine Monirys, Jacques Monory,

Yan Morvan, Natascha Niederstrass, Didier Paquignon, Christian Patterson, Éric Pougeau,

Alain Pratte, Lidwine Prolonge, André Raffray, Philippe Ramette, Virginie Rebetez,

Antonio Recalcati, Jason et Carlos Sanchez, Alain Séchas, Bruno Serralongue,

Nancy Spero, Angela Strassheim, Kiran Subbaiah, Taroop & Glabel, Julien Tiberi,

Yann Toma, Nils Vandevenne, Cecilia Vicuña, Bob Watts…

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“Toulouse 1300-1400“
L’éclat d’un gothique méridional

au musée de Cluny, musée national du Moyen Âge, Paris

du 18 octobre 2022 au 22 janvier 2023

Musée national du Moyen Âge

PODCAST –  Interview de Béatrice de Chancel-Bardelot, conservatrice générale au musée de Cluny et co-commissaire de l’exposition,
et Emilie Nadal, spécialiste de manuscrits, docteur en histoire de l’art médiéval,

par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 10 novembre 2022, durée 29’25.
© FranceFineArt.

Extrait du communiqué de presse :

Commissariat :

Béatrice de Chancel-Bardelot, conservatrice générale au musée de Cluny, 

Charlotte Riou, conservatrice au musée des Augustins à Toulouse

Synthétisant des recherches récentes, l’exposition « Toulouse, 1300-1400 : l’éclat d’un gothique méridional » présentée au musée de Cluny – musée national du Moyen Âge du 18 octobre 2022 au 22 janvier 2023 dresse un état des lieux inédit de la création à Toulouse au XIVe siècle.

À cette période, Toulouse fait partie des plus grandes villes de France avec Paris, Lyon, Orléans, Rouen… La cité languedocienne connaît une forme d’apogée durant la première moitié du XIVe siècle. Rattachée au royaume de France depuis 1271, la ville a gardé sa personnalité, tout en se développant économiquement. Elle profite de l’installation à Avignon de papes français, souvent très liés à l’université de Toulouse ou aux couvents des ordres mendiants implantés dans la ville, en particulier les Franciscains ou Cordeliers et les Dominicains ou Jacobins.

L’organisation de la ville et le mode de vie à Toulouse seront évoqués dans une première partie, donnant un aperçu de la céramique de la table toulousaine, ou, à travers des épitaphes, de la diversité des Toulousains du XIVe siècle.

La deuxième partie présentera une sélection de chefs-d’oeuvre autour de quatre statues provenant d’un édifice disparu, la chapelle de Rieux à Toulouse. Introduites par la figure du commanditaire de cet ensemble, le franciscain Jean Tissendier, ces oeuvres sont parmi les plus belles sculptures polychromées du XIVe siècle, à l’échelle de la France et même de l’Europe. La miniature toulousaine sera tout aussi à l’honneur grâce à une quinzaine de manuscrits ou feuillets enluminés. Ces pages colorées témoignent de l’originalité des « imaginaires » (enlumineurs) toulousains, influencés par les modèles parisiens, mais aussi par l’art des peintres catalans ou de leurs confrères italiens.

C’est d’ailleurs ce va-et-vient d’influences, entre Toulouse, Avignon et les vallées pyrénéennes qui sera évoqué dans la troisième section, où prennent également place de l’orfèvrerie, pièces en argent au poinçon de la ville de Toulouse.

L’exposition est organisée par le musée de Cluny – musée national du Moyen Âge et la Réunion des Musées Nationaux – Grand Palais. Elle bénéficie d’un prêt exceptionnel du musée des Augustins de Toulouse. Le musée des beaux-arts de Toulouse est installé dans le couvent des Augustins, en plein coeur du centre historique de la ville. Après avoir été occupé par les moines de saint Augustin jusqu’à la Révolution française, le lieu est transformé en musée dès 1793. Les collections qu’il abrite comptent aujourd’hui plus de 4 000 œuvres du Moyen Âge au milieu du XXe siècle, également réparties entre sculptures et peintures. Le musée des Augustins est actuellement fermé au public pour d’importants travaux de rénovation et de mise en accessibilité.

En plus des 15 oeuvres provenant du musée des Augustins, l’exposition est enrichie par des prêts prestigieux des autres institutions toulousaines, des musées de Pampelune, de la bibliothèque Vaticane, du musée du Louvre ou de grandes bibliothèques parisiennes.

Parcours de l’exposition

Introduction
Capitale régionale dans le royaume de France, Toulouse a brillé, tout au long du XIVe siècle, comme centre intellectuel, religieux et artistique. Rattachée au royaume de France, siège d’une université, la ville a bénéficié d’un certain dynamisme économique, malgré la guerre de Cent Ans et les épidémies de peste. Ses liens avec Avignon et avec d’autres centres de création, Paris, les villes italiennes ou la péninsule ibérique, ont stimulé les artistes de la ville. Grâce aux travaux menés par des chercheurs et des conservateurs d’horizons variés, les oeuvres réunies dans cette exposition restituent l’éclat, la beauté, les couleurs de cette période de floraison qui va des années 1280 au début du XVe siècle.

Le temps des crises ?
L’entrée de Toulouse dans le domaine royal en 1271 ouvre une période de dynamisme économique qui dure jusqu’aux années 1340. La peste apparue en 1348 revient de façon cyclique à partir de 1360 et porte un coup rude à la ville. La guerre de Cent Ans touche particulièrement la région pendant la deuxième moitié du XIVe siècle, et s’accompagne dès 1337 d’une dévaluation de la monnaie qui alimente la crise économique. La monnaie la plus courante est en argent (denier), émise depuis le début du XIVe siècle presque exclusivement par le pouvoir royal. Le monnayage royal s’impose face aux pièces féodales. Le commerce à Toulouse bénéficie des foires de Pézenas et de Montagnac (Hérault) : les marchands toulousains y vendent des produits alimentaires, des étoffes de laine et du pastel, une plante utilisée pour la teinture et une ressource économique dont l’importance s’est accrue dans les siècles suivants. Au-delà, Toulouse échange avec les ports de l’Atlantique, Bordeaux et Bayonne, ou avec ceux de la Méditerranée, comme Barcelone. Les métiers artistiques sont encouragés par les commanditaires laïcs ou ecclésiastiques, ce dont témoignent les oeuvres réunies dans cette exposition.

Toulousaines et Toulousains
Dans les années 1330, Toulouse compte une population d’environ 35 000 habitants, ce qui en fait l’une des cinq cités les plus importantes du royaume. Au début du siècle suivant, les épidémies de peste ont réduit la population à 22 000 habitants. Dans la ville cohabitent la population laïque et celle des clercs, comptant les universitaires, enseignants ou étudiants, et les religieux, chanoines ou membres des ordres mendiants. Du côté laïc, l’élite urbaine réunit l’aristocratie et des marchands et artisans prospères, qui peuvent contribuer à l’administration municipale en devenant « capitouls ». Viennent ensuite les petits artisans, les manoeuvres etc. Les archives indiquent que la moitié de la population est trop pauvre pour payer l’impôt. La division du travail entre hommes et femmes n’est pas stricte : de nombreuses femmes travaillent, dans les boutiques et maisons comme employées, servantes, ou bien aux côtés de leurs époux ; d’autres sont aux commandes, telles les veuves de maîtres qui continuent l’activité de leur mari. Les archives et l’archéologie illustrent de façon complémentaire le quotidien des Toulousaines et Toulousains d’autrefois.

Habiter à Toulouse / La maison et son décor
À Toulouse, la première moitié du XIVe siècle est une période d’accroissement de la ville : rive droite, en dehors des murailles, et rive gauche par l’extension du faubourg Saint-Cyprien. Les quartiers anciens se développent aussi. Pour autant, l’habitat n’est pas très dense : des jardins et vergers séparent très souvent les habitations. À l’échelle urbaine la plus réduite, le cadre de la vie quotidienne est la maison, ou l’ostal. À partir du XIVe siècle, un goût pour le confort et l’esthétique se diffuse dans tous les niveaux de la société. Les intérieurs sont décorés dans les grandes demeures des élites, comme dans celles des plus humbles : les murs, ou les poutres sont ornés de motifs ou de scènes figurées. Les objets de la vie quotidienne témoignent aussi des modes et des influences qui traversent la société toulousaine. La salle à vivre abrite la vaisselle, en métal précieux, en verre, terre cuite ou bois. Les matériaux utilisés ont une forte dimension sociale : plus on s’élève, plus on dispose d’une vaisselle coûteuse et raffinée. La cuisine s’équipe à cette époque d’une cheminée qui permet d’entretenir un foyer permanent, et favorise l’apparition de nouveaux récipients.

Transferts artistiques
La production artistique toulousaine s’affirme au XIVe siècle ; elle s’inscrit dans le panorama du temps et dans des échanges artistiques complexes et multiples. Les nouveautés gothiques d’Île-de-France circulent grâce aux artistes, à leurs carnets de dessin ou encore aux multiples petits objets précieux : manuscrits, ivoires… Le rattachement du comté au royaume de France en 1271 contribue à la diffusion de l’art gothique rayonnant dans la région toulousaine. Toulouse bénéficie des échanges avec Avignon, centre de la chrétienté depuis que la papauté s’y est installée en 1309. De nombreux artistes originaires du royaume de France et de toute l’Europe occidentale y sont attirés par les commandes du pape, des cardinaux et de leurs proches. Les modèles italiens, qu’il s’agisse d’iconographie ou de style, inspirent les peintres, les sculpteurs et les enlumineurs… Très naturellement, les relations ont également été fructueuses avec les royaumes pyrénéens, dans tous les domaines artistiques.

Les fastes d’un évêque franciscain : Jean Tissendier
Jean Tissendier naît et étudie à Cahors. Franciscain, il fait une brillante carrière ecclésiastique sous la protection du pape Jean XXII, cahorsin comme lui, qui le nomme évêque de Lodève, puis en 1324 évêque de Rieux et bibliothécaire. Jusqu’à la mort du pape en 1334, il réside principalement à Avignon. Il meurt en 1347. Son inventaire après décès témoigne du faste dont il s’entoure : vaisselle d’argent, orfèvrerie religieuse (calices, croix, crosses), bijoux et vêtements sacerdotaux ornés de perles et de pierreries. Bâtisseur, Tissendier reprend à Rieux les travaux de sa cathédrale. Il y ajoute un portail orné de sculptures (disparues) et un vaste palais épiscopal, aujourd’hui détruit. À Toulouse, il fonde une chapelle funéraire à l’extrémité sud-est de l’église des Cordeliers (franciscains) et la dote d’un somptueux décor auquel appartient un imposant ensemble sculpté. Il conçoit alors un programme ambitieux et complexe où se mêle désir de perpétuer sa mémoire et d’assurer son salut, tout en assurant la promotion de son ordre dans un contexte de lutte contre les hérésies.

Les sculptures de la chapelle de Rieux
L’église du couvent des Cordeliers (ou franciscains) s’enrichit à partir des années 1330 d’une chapelle connue comme la « chapelle de Rieux », commandée par Jean Tissendier, évêque de Rieux. La chapelle a été détruite en 1804, mais les statues en pierre polychrome qui l’ornaient ont été sauvées et conservées pour la plupart au musée des Augustins de Toulouse. Le cycle se composait du Christ et de la Vierge, du collège apostolique des douze apôtres, augmenté de saint Paul et de saint Jean-Baptiste, et de trois saints franciscains : François d’Assise, Antoine de Padoue et Louis d’Anjou. Le fondateur Jean Tissendier était représenté deux fois : en gisant, le seul élément en marbre, et en donateur de sa chapelle. OEuvres d’un atelier de grand talent dont le sculpteur principal est nommé par convention « Maître de Rieux », les sculptures de la chapelle de Rieux se caractérisent par une grande attention portée au rendu des détails et des expressions des saints personnages. Elles constituent l’un des plus beaux témoignages de l’art et de la piété franciscaine au XIVe siècle.

Les sculptures toulousaines : des styles variés
Au XIVe siècle, les sculpteurs ont créé de nombreuses Vierges à l’Enfant, déclinées suivant le type des vierges gothiques du Nord de la France : généralement debout, parfois hanchées, elles portent l’Enfant sur un bras ; ce dernier, vêtu ou demi-nu, tient souvent un oiseau dans ses mains. Les artistes de la région toulousaine combinent cet héritage d’Île-de-France avec des traits développés par le maître de Rieux à partir de 1330-1340 environ : les sculptures ont une abondante chevelure bouclée, les drapés associent des plis incurvés sur les corps et d’abondantes chutes en tuyaux évasés. La Vierge porte un manteau-voile. La représentation de la Vierge assise, de tradition romane, persiste aux XIIIe et XIVe siècles, comme en témoignent la Vierge d’argent de la collégiale de Roncevaux, fabriquée à Toulouse, ou plusieurs statues de bois conservées dans des églises de Haute-Garonne. Aujourd’hui, beaucoup de ces sculptures présentent leur matériau constitutif, pierre ou bois, à nu, mais elles étaient à l’origine polychromes : les vêtements étaient ponctués de motifs imitant des décors textiles sur un fond blanc (statue dite de Notre-Dame de Bonnes-Nouvelles) ou de couleur vive. Les carnations étaient peintes au naturel et l’or rehaussait les chevelures et certains détails ornementaux.

L’architecture religieuse à Toulouse au XIVe siècle
Au XIIIe siècle naissent les ordres mendiants : François d’Assise crée les Franciscains, ou Cordeliers ; Dominique de Guzman fonde les Dominicains, aussi appelés Jacobins. En 1215, il installe une petite communauté à Toulouse pour convertir les cathares (courant dissident de l’Église). Suivent d’autres ordres, comme les Carmes ou les Augustins. Toulouse devient, dans un contexte de lutte contre les hérésies, un centre important pour les ordres mendiants. Favorisés par la papauté, ils doivent se faire une place dans la ville face aux chanoines de la cathédrale et de Saint-Sernin. Au XIVe siècle, l’emprise de ces ordres se reflète par celle de leurs bâtiments : le couvent des Jacobins, qui se dote de la chapelle Saint-Antonin (construite de 1335 à 1341), et celui des Augustins, commencé vers 1310, témoignent encore de leur importance. Les Carmes, édifiés à partir de 1264, et l’église des Cordeliers, construite à partir de 1235 en périphérie du bourg, sont maintenant détruits. La documentation ancienne ou les opérations archéologiques permettent de connaître ces édifices. Des églises paroissiales de la ville sont bâties ou agrandies, comme Saint-Nicolas ou Notre-Dame-du-Taur, tandis que le chantier de la cathédrale se poursuit par la construction de chapelles rayonnantes.

L’orfèvrerie toulousaine
À Toulouse au XIVe siècle, les orfèvres ou argentiers forment une communauté prospère, sans doute de dix à douze ateliers. Étroitement contrôlé en raison du matériau utilisé, l’artisan doit, depuis l’ordonnance du roi en 1275, marquer les oeuvres du poinçon (marque gravée) de la ville : pour Toulouse, les trois lettres « TOL » surmontées d’une fleur de lys. En 1355, le poinçon de maître devient réglementaire, mais n’entre que peu à peu en usage. L’orfèvre répond à des commandes d’objets usuels, comme de la vaisselle métallique, mais fabrique aussi des objets de culte, des reliquaires, ou de petites figures. Après avoir façonné l’objet, il peut le décorer par gravure, ciselure, estampage ou dorure. Il peut rapporter des ornements en métal (filigranes, granulations), ou encore ajouter des émaux ou des pierres précieuses. Seules quelques oeuvres toulousaines du XIVe siècle sont encore conservées aujourd’hui : statuettes, croix et vaisselle en argent. Mais les inventaires anciens témoignent d’une abondante production : celui de Louis Ier d’Anjou, gouverneur du Languedoc de 1364 à 1379, cite plus de 300 pièces, principalement de la vaisselle, parfois décorée d’émail.

Quels livres à Toulouse au XIVe siècle ?
Plus de 150 manuscrits enluminés témoignent de la production de beaux livres à Toulouse au XIVe siècle. Certains sont encore à la bibliothèque municipale de Toulouse, mais la plupart sont éparpillés dans les bibliothèques du monde entier : parfois des étudiants toulousains les ont ramenés dans leur région d’origine après leurs études, d’autres ouvrages ont été échangés au fil des siècles. Les manuscrits religieux sont les plus nombreux : Bibles, vies de saints, et surtout livres liturgiques. Ce sont les plus ornés : imposants, comme le missel utilisé pour célébrer la messe, ou plus petits mais très décorés, comme les bréviaires (pour dire l’office) ou les livre d’Heures, destinés à la dévotion privée des clercs ou des laïcs. Ville universitaire, Toulouse attire de nombreux étudiants. Les étudiants en droit canon (droit de l’Église) se procurent par exemple le Décret de Gratien, compilation de textes juridiques élaborée au XIIe siècle, et complétée au fil des évolutions juridiques. Les plus aisés d’entre eux possèdent des exemplaires enluminés. Une littérature plus profane, née dès le XIIe siècle, se développe en langue vernaculaire. Au XIVe siècle, Toulouse se rêve comme centre de création poétique, avec l’instauration d’un concours de poésie occitane, les Jeux floraux. Parmi les manuscrits en occitan conservés figurent les nombreux exemplaires du Bréviaire d’Amour.

L’art des enlumineurs toulousains
L’enluminure toulousaine connaît un véritable âge d’or au XIVe siècle, grâce à l’essor des couvents mendiants et au mécénat des grands prélats. Les enlumineurs sont installés à Toulouse principalement dans le bourg (partie nord de la ville médiévale). Leurs noms sont connus par les comptes des capitouls, mais rares sont ceux auxquels on peut associer des oeuvres, comme c’est le cas pour Jean de Toulouse, actif à Avignon dans le quatrième quart du XIVe siècle. D’abord influencée par l’art parisien, l’enluminure toulousaine s’affirme dès 1300 et pendant toute la période : les marges sont peuplées de figures hybrides ou d’échassiers au cou immense et sinueux. Ces caractéristiques se rencontrent dans des manuscrits produits à Toulouse, mais aussi à Albi, ou Avignon, ce qui atteste de la mobilité des artistes. Dans les miniatures, l’usage de fonds juxtaposant des feuilles d’or avec des aplats de couleur, animés de motifs de quadrillages ou de ponctuations est aussi typique. Le traitement des personnages varie selon les époques et les ateliers : bien souvent, les visages sont peu modelés. Les artistes toulousains s’enrichissent particulièrement grâce aux échanges avec leurs collègues catalans et avignonnais.

De part et d’autre des Pyrénées
Au sud de la barrière pyrénéenne, la Catalogne, l’Aragon et la Navarre entretiennent des rapports ponctuels avec l’art toulousain. La Navarre, en raison de ses liens dynastiques avec la France est particulièrement réceptive aux influences gothiques françaises. C’est ainsi que le réfectoire des chanoines de la cathédrale de Pampelune est décoré en 1330 par un peintre, Juan Oliver, dont l’oeuvre s’inscrit dans la continuité des réalisations toulousaines des premières années du XIVe siècle. Les statues produites dans le Val d’Aran, haute vallée de la Garonne, de langue occitane, et celles du Comminges (sud du département de la Haute-Garonne, partie des Hautes- Pyrénées, du Gers et de l’Ariège) relèvent de la même aire de production. La Catalogne est plus tournée vers la Méditerranée, mais certaines églises catalanes, comme celle de Cardona, peuvent abriter des oeuvres toulousaines, à l’exemple de la Vierge « del Patrocinio », dont le visage, la chevelure bouclée et le drapé révèlent le ciseau du sculpteur actif à la chapelle de Rieux.

La messe de Toulouse
Des passages d’une messe polyphonique, dite « messe de Toulouse », ont été ajoutés dans les marges et intervalles du manuscrit 94 conservé à la bibliothèque municipale de Toulouse : Kyrie (Seigneur prends pitié), chanté avant le Gloria et les lectures, Sanctus (Saint le Seigneur), chanté avant le canon de la messe, Agnus Dei (Agneau de Dieu), chanté avant la communion et Ite missa est (Vous pouvez aller, la messe est finie). Avec quatre autres exemples également datés du XIVe siècle, la « messe de Toulouse » est l’une des plus anciennes messes polyphoniques notées. Elle était destinée à trois voix d’hommes : le chantre, le ténor et le contre-ténor. Elle témoigne de la liturgie à la cour des papes d’Avignon et, par sa présence dans un manuscrit toulousain, des liens entre les deux villes d’Avignon et de Toulouse.

L’article 🔊 “Toulouse 1300-1400” L’éclat d’un gothique méridional, au musée de Cluny, musée national du Moyen Âge, Paris, du 18 octobre 2022 au 22 janvier 2023 est apparu en premier sur FranceFineArt.